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はてなキーワード: ヒット曲とは
アイズ・オブ・マーチ（The Ides of March）は、古代ローマ暦の3月15日を指し、紀元前44年にユリウス・シーザーが暗殺された日として歴史的に有名です。シェイクスピアの戯曲『ジュリアス・シーザー』の「3月15日を警戒せよ」というセリフで知られ、転じて「不吉な日」「危険が迫る日」の代名詞ともなっています。
歴史的背景: ローマ暦では「Idus（イードゥス）」が月の真ん中（13日、または3・5・7・10月は15日）を指し、3月は15日でした。
シーザーの暗殺: 紀元前44年3月15日、ローマの独裁官ジュリアス・シーザーが議場でブルータスらに暗殺されました。
文学的引用: ウィリアム・シェイクスピアの戯曲『ジュリアス・シーザー』において、占い師がシーザーに暗殺の危険を予告する言葉として有名です。
音楽・映画: アメリカのバンド名（1970年のヒット曲「Vehicle」で知られる）や、ジョージ・クルーニー監督・主演の映画『スーパー・チューズデー 〜正義を売った日〜』（原題: The Ides of March）のタイトルとしても使われています。
TOKYO FMの長寿番組『NISSAN あ・安部礼司 〜BEYOND THE AVERAGE〜』。2006年に産声をあげたこの物語は、ごくごく普通のサラリーマン・安部礼司を主人公に、日本の「平均的」な日常を20年にわたり描き続けてきました。
2006年4月、番組はスタートしました。主人公の安部礼司は、神保町の「大日本ジェネラル」に勤める、至って平凡な30代。物語のコンセプトは「平均的なサラリーマンの日常」であり、昭和の流行歌をBGMに、仕事の悩みや恋模様をユーモアたっぷりに描きました。
当初は独身だった安部くんですが、同僚の倉橋優との不器用な恋がリスナーの心を掴みます。数々のすれ違いを経て、二人は日本武道館でのイベントや公開生放送を通じて絆を深め、ついに結婚。この「等身大の幸せ」が、多くのサラリーマンの希望となりました。
結婚後、物語は安部家の家庭生活へとシフトしていきます。長男・永太、長女・蘭が誕生し、安部くんは「イクメン」の壁にぶつかりながらも成長していきました。
一方で、会社では後輩の飯野平太が「イマドキの新人類」から頼れる中堅へと脱皮し、上司の刈谷勇（安部くんの永遠のライバルであり親友）は、破天荒な言動で常に物語をかき乱しました。彼らの掛け合いは、単なるコメディを超え、変わりゆく日本の労働環境や家族のあり方を映し出す鏡となっていきました。
2010年代後半から2020年代にかけて、物語は大きな転換期を迎えます。働き方改革、リモートワークの普及、そしてパンデミック。大日本ジェネラルの面々も、時代の荒波に揉まれました。
しかし、どんなにテクノロジーが進化し、働き方が変わっても、この番組が描き続けたのは「人と人との温度感」です。日曜日の夕方、黄昏時に流れる80's〜90'sのヒット曲とともに、失敗しても明日からまた頑張ろうと思える「普通」の尊さを伝え続けました。
20年という月日は、安部くんを「平均的な30代」から「ベテランの50代」へと変えました。かつての若手社員は今や管理職の悩みを抱え、子供たちは成長し、社会は激変しました。
それでも、安部礼司は今も神保町で、少し情けなくて、でも最高に温かい日常を積み重ねています。この物語は、リスナー一人ひとりの人生と並走してきた「20年間の戦友」のような存在なのです。
これ、かなり核心だね。
つまり、
曲が作品に合った
だけじゃなくて、
作品の終わらせ方そのものが Get Wild を儀式にした。
ここが大きい。
これが最大級に大きい。
でもエンディング曲は、物語を見終わったあとの感情を回収する曲 になる。
シティーハンターって毎回、
色気
軽口
でも最後は少し切ない
みたいな余韻が残ることが多い。
その回の話が全部
「夜の都会の物語だった」
って感じに再編される。
各話の感情の着地点 になった。
これが何十回も繰り返される。
すると視聴者の中で、
という回路ができる。
もうここまで来ると曲じゃなくて、条件反射レベルの演出装置 なんだよね。
2. 「終わり方の美学」と完全に噛み合っていた
シティーハンターの強さって、
派手なアクションだけじゃなくて、
終わり際がかっこいい ことなんだよね。
冴羽獠って、
ふだんはスケベで軽い
でも決める時は決める
どこか去っていく男
という、すごく**“余韻の似合う主人公”**なんだよ。
で、Get Wild ってまさに余韻の曲。
全部を説明しない。
泣かせにも来すぎない。
でも感情を残す。
視聴者は
「この街の夜はまだ続いていく」
って自然に感じる。
これがすごい。
ここも大きい。
夜の街
でもどこか人情がある
一人で全部背負う男
こういうものを、
都会はかっこいい
でも都会は寂しい
それでもこの街で生きる
という世界観ができてた。
シティーハンターの都市性があったから、Get Wild はただの主題歌を超えた。
これもかなり重要。
本音を長々しゃべらない。
色気もあるし、バカもやるけど、
芯の部分はかなり寡黙。
曲が獠の代わりにしゃべるんだよね。
その代わりに
優しさ
去っていく感じ
街に溶ける感じ
がまとめて立ち上がる。
5. 毎回の「入り方」がかっこよかった
これも神話化にめちゃくちゃ効いてる。
でもシティーハンターでは、
どこで入るか がすごく大きかった。
話の最後の一撃、別れ、振り返り、歩き出し、夜景、静かな締め。
そういう瞬間にスッと入る。
この「入るタイミング」が何回も決まると、視聴者はもう快感になる。
要するに、
曲自体の良さに加えて、
鳴る状況がずっと美味しかった。
これがデカい。
でも作品を離れても、
夜のドライブ
都会の帰り道
一人の時間
ちょっとキメたい気分
で成立する。
これが強い。
現実の夜道でも起動するわけ。
すると人は、作品を見てない時でも
7. シティーハンターの“軽さ”と“重さ”のバランスを、曲も持っていた
ただふざけてるだけでも残りにくい。
シティーハンターは、
もっこりみたいな軽さ
美女とのやりとり
コメディ感
がある一方で、
裏の仕事
死
別れ
守れないもの
一人で背負う感じ
もある。
この軽さと重さの同居が作品の魅力。
Get Wild も同じで、
ポップで耳に残る
でも少し冷たい
かっこいい
でも切ない
を同時に持ってる。
ちょうど「笑って終われるけど、胸に何か残る」温度 だったから、
あそこまでぴったりはまった。
8. 反復が“儀式化”した
毎回、
物語を見る
獠が動く
問題が片付く
少し寂しさが残る
Get Wild が入る
この流れを何度も経験すると、
「シティーハンターが終わる音」
ではなく
「かっこいい夜が完成する音」
になっていく。
ここまで行くともう神話。
単なる主題歌ではなく、
面白いのは、後になって
「エンディングで Get Wild が流れると全部それっぽくなる」
でも Get Wild は逆で、
つまりみんな、
あの入り方
あの余韻
あの夜感
を共有してるわけ。
共有される様式は強い。
しかも笑いにもなるけど、本気でかっこいいと思われてもいる。
10. 結局、シティーハンターは Get Wild を「曲」から「様式」に変えた
これが一番大事かもしれない。
でもシティーハンターがそれを繰り返し使うことで、
夜の終わりに鳴るもの
都会の余韻を完成させるもの
へと変えた。
“こういう時に鳴るべき曲”という文化的な型にした ことなんだよね。
一言でまとめると
この曲を単なるエンディング曲ではなく、
その全部が、Get Wild という曲の中でひとつに結晶した。
だから今でもみんな、
曲を聴くだけで
“シティーハンターっぽい夜” を一瞬で思い出せるんだと思う。
田舎の50代未婚ホビットおじさんの「私スタダヲタの女だけどジャニヲタはなんで死ぬまでジャニヲタなの？」「日本の女は全員ジャニが好き、ブサメン高身長より低身長イケメンを選ぶ遺伝子、右も左もフェミもアンフェも全ての日本人女性がジャニーズ性加害を擁護した」という主張も虚しく…
パクるとかより、今の🍼にジャニーズ感じちゃってる状況が悲しいよね
ここ(🍼)にあるやんみたいな現象がおきてる
今のバズり曲調も結構あの頃のトンチキｼﾞｬﾆｰｽﾞに似てる所あるってずっと思ってた
ジャニヲタの僻み凄くて見てられない
先輩が後輩を可愛がるとか後輩が先輩を尊敬して伝統を受け継ぐとか、そういう清いブラザーフッド的な雰囲気とかもスタエンに残ってないからね、自然と長年やってた事務所に客も流れるよ。他事務所の方がちゃんと基礎レッスンされてるし露出も現場もあるし。
先輩が後輩を可愛がるとか後輩が先輩を尊敬して伝統を受け継ぐとか、そういう清いブラザーフッド的な雰囲気とかもスタエンに残ってないからね、自然と長年やってた事務所に客も流れるよ。他事務所の方がちゃんと基礎レッスンされてるし露出も現場もあるし。
ラポネに限らず2次元とかVとか舞台オタも害悪行為してるやつとかマナーなってないやつって大体ジャニオタ出身なのマジでなんなんだあれ
というか最近アイドルのファンサ分析みたいなのめっちゃ増えた気がする、、〇〇はまんべんなくみんなに〜、〇〇は可愛い子ばっかりに〜とか、、前までここまでファンサにこだわる人ってあんまり多くなかった気がするけどこれもジャニオタが流れてきた影響なのかな？
ジャニオタ上がりでもけーぽ界隈に溶け込もうとするオタクとジャニオタ人格のままで好き勝手するオタクに分かれる。mond主は後者。嫌われやすいやつ。
ドドドドドド新規です🙋♀️💛
ジャニヲタ歴10年以上で、初めてこの界隈を好きになったので、先輩み！るきーずの皆さんおすすめの曲とかライブ参戦の時の注意とかありますか？
ぜひ教えて頂きたいです🙇♀️
#MILK
#みるきーず
(流れ防止の仁人くん↓)
(ALTも見てください🙇♀️)
2008〜ジャニヲタずっとして初めてジャニ界隈以外のアイドルにハマってるからジャニーズ？って毎回聞かれる🤧M!LKはジャニではない！w
日本のポップミュージックは、海外のものと比較して音を詰め込みすぎる傾向がある。
それは両方のヒット曲を聴き比べると、明確に差があることが分かると思う。
ではなぜそうした差が生まれたのか？
能では沈黙がいちばん緊張しているし、尺八は音と音のあいだに呼吸が流れ、雅楽に至ってはテンポという発想自体が曖昧で、音が空間に置かれていく。
前近代の日本音楽では、「何も起きていない時間」は欠落じゃなく、ちゃんと意味のある時間だった。
現代ではどうか。
日本のポップ音楽は、伝統音楽から地続きで育ったわけじゃなく、西洋音楽の完成形を途中から一気に輸入した。
しかも、そのとき一緒に入ってきたのは、宮廷や教会、労働歌といった社会的文脈じゃなく、拍子や和声、構造といった「技法」だけだった。
西洋近代音楽は、拍が明確で、時間が前に進み、構造によって曲が運ばれていく。
その形式だけを制度と教育で取り込んだ結果、「音楽は止まらず進み続けるもの」という理解が強くなった。
ここで「間」は、共有された前提ではなく、不安や失敗の兆候として扱われるようになる。
ライブや放送、商業の場では、沈黙は事故に見えてしまうからだ。
日本語は母音が多く、英語のように子音でリズムを切ったり、溜めを作ったりしにくい。
その結果、隙間を作るより、音数で埋めるほうが安全になる。
さらに、日本のポップでは長いあいだ、メロディの複雑さや歌詞の情報量、転調や展開の多さが「技術力」や「親切さ」として評価されてきた。詰め込むこと自体がサービス精神、という感覚だ。（この辺りは、チラシデザインにおける情報の詰め込みとも関連していると思う。）
タイトルのとおり。
終わったあとに「自分は、いつまでこのライブを楽しめるんだろう」と思ってしまった。
今回のライブが最高で、楽しかったというオタクはこの記事を読まないことをおすすめする。
ただ、一人の古参オタクが歳を取ったことを認めたくなくて、ぼやいているだけというのが高いためである。
このままだと、界隈全体が緩やかに衰退するんじゃないかなと思った日記です。
■
まず前提として、自分は30代。
初音ミク歴は2007年のニコ動全盛期からで、つまり小6か中1の頃からどっぷり浸かってる。
ただ、ライブ歴は浅い。
マジカルミライが始まった2013年頃は受験や就活の時期だったし、昔は「高校生が一人で飛行機に乗って県外遠征」なんてハードルが高すぎた。
初参加は2016年の地方ツアー。そこから数年後、やっと金銭的に余裕が出てきたため、2023年からマジミラ札幌以降、2024年福岡マジミラ・地方ツアー、武道館（ミクフェス）、マジミラ仙台と通っている。
■
正直、「マジミラ」じゃない冠がついている以上、何か新しいことをやるライブだと思っていた。
結論から言うと、「焼き回しパレード」を見せられた気分だった。
今回のコンセプトがマジミラ2013年リスペクトだったのは分かる。
でも、それって「当時の感動を、今の技術で再構築する」から意味があるんじゃないのか。
（だいたい、2013年リスペクトを匂わせつつ、なんで兄さんだけ最近の曲なんだ？）
（探せばもっと当時の曲だってあるだろ！このへんの「とりあえずやっとくか感」にしか感じられなかった）
ステージを見ていて、新衣装のモデルと昔のモデルの映像の差がどうしても気になった。
解像度なのか、モデリングなのか、理由は分からないけど、チグハグな映像が流れるたびに現実に引き戻される。
モデルを変えないことが「愛」なのか？
私には「古くから参加している人に文句を言われないようにしている」ようにしか見えなかった。（言い方が悪くてごめんね）
一般のアーティストのライブと比べて、バックダンサーもいない、生身の人間がステージにいない分、視覚的な情報量が圧倒的に足りない。
我々大人がチケット代なんていくらでも払う。多少上げたっていい。
だから、「今のライブはこんなに進化しましたよ」というのを見せてほしかった。
※後から知った話だが、にじさんじのライブでは1年以上前に透過スクリーンをトロッコ移動させるものがあったらしい。
初音ミクのライブの方が「最先端」として走り出したのに、どこでこんな差が生まれてしまったのだろう。
■「今」のボカロはどこに行った？
一番キツかったのは、会場の空気だ。
アンコール、静かすぎないか？あれがライブ初参加の層が多かったからなのか、古参が「いつものね」と地蔵化していたのかはわからない。
でも、演者が休憩するタイミングが、過去の踏襲すぎて視野が狭まってないか？
ミクフェス（武道館）のときみたいに、DJ入れて繋ぐとか、飽きさせない工夫はいくらでもできるはずだ。
あんなアンコールを聞くくらいなら「休憩中」と途中札を入れてくれた方がまだマシだと感じるくらいには悲しい気持ちになった。
■
そして何より言いたいのは、「今の曲」へのリスペクトのなさだ。
ボカロは今も進化してる。YouTubeやTikTokでバズり散らかしてる新曲がいっぱいある。
ただ、まだライブでやられていない良い曲が山ほどある中で、なんでライブで流れるのは「いつもの曲」ばかりなんだ？
何度も見た曲がまた選ばれているのは、自分には「懐古」ではなく「惰性」にしか感じなかった。
いや、それならそれでいいけど、私たちは「2026年の初音ミク」を見に来てるんだよ。
新しいボカロPはどんどん生まれてる。新しい名曲も生まれてる。
それを取り込まずに、「昔はよかったね」だけで回すようになったら、それはもう新陳代謝が止まった「死」と同義なのではないか？（白熱してしまいましたね、失礼）
新曲で発表されてた「アイドル戦士」も「シアンブルー」も予習して、コール完璧にして行ったんだよ。
でも、周りの反応の薄さ。スペシャルシートですら、やや盛り上がりにかけるコールとペンラ振り。
（※スペシャルシートが外れたオタクは、涙のスタンド席だったけれど、周りでコールが聞こえることはなかった）
熱意を持って「新しいもの」を楽しもうとしている層は、どこに行ったんですか…？
懐かしい曲で盛り上がるのも悪くない。
隣に居た2010年のミクパ以来ライブに行ったことないオタクは感動していた。
そういう初見の人でもいつでも参加しやすいものであり続け、感動して帰ってもらう。それも大事だ。
ライブ、いつの間にか「惰性」と「安心できる行事」になってないか？
「いつもの曲」を聴いて、「いつもの動き」をして、「ああ、今年もミクに会えたな」と満足して帰る。
それはそれで幸せなことかもしれないけど、それって盆踊りや初詣と同じじゃない？
でも、初音ミクのライブって、そんな「伝統芸能」を守るための場所だったっけ？
テクノロジーと音楽の最先端を走って、クリエイターとただのオタクたちの架け橋を用意してくれて、度肝を抜くような「未来」を見せてくれる場所じゃなかったのか？
武道館のミクフェスにはそれがあった。ボカロPが登壇して、演奏して、DJがフロアを沸かせて、「これが今のボカロだ！ついてこれるか！」っていう熱気があった。唯一無二の体験があった。
今回のローソンライブには、その「ヒリつくような挑戦」がなかった。
※だからといってマジミラにあるかと言われたら、ギリまだあるくらい。
私はまだこれだけ文句を言いながら通う。
来月のDECO*27の単独ライブも行くし、ポケミクも行く。地方開催があれば旅行ついでに行く。
でも、もし本丸である「マジカルミライ」までもが、今回のような「安心安全な懐古イベント」であり続けるなら、わざわざ東京まで遠征するのをやめるかもしれない・・・。
「これでいいや」って思ったら、そこが衰退の始まりじゃないか？
我々には、金はあるけど、時間は有限なんだ。
とりあえず、スモーク焚きすぎてミクが見えなくなるのだけは、そろそろ改善できるんじゃないですかね…！
■追記
今回、TLがローミクライブについて、とてつもない賞賛のあらしだった。
それを見て、私は自分の感覚がズレているのか思った。 「焼き回しだ」「進化がない」と感じたのは私だけなのか？ と。
ということを考えた時にひとつ考えに至った。
恐らく、今新曲を聞いている層は「プロセカ」にいるのではないかと。
今の10代〜20代前半のファンにとっての「リアルライブ」は、初音ミクのライブではなく、「セカライ」なのかもしれない。
・若者層： 「セカライ」で、自分たちの世代のヒット曲と演出を楽しむ。
・30代以上（我々）： 「マジカルミライ」や「今回のライブ」で、過去の遺産を楽しむ
金払いのいい古参ファン（我々）向けにチューニングせざるを得ない。
その結果、会場は「同窓会」化し、新規が入りにくいガラパゴス化が加速していく。
私はプロセカもプレイしているし、新曲を追うために課金もしている。
けれど、私が好きなのはあくまで「初音ミク」という存在そのものだ。だからこそ、ゲームのライブではなく、マジミラに足を運び続けている。
しかし、TLの反応を見る限り、今のここのファンが求めているのは「未来」ではなく、安心できる「同窓会」なのかもしれない。
結局、いろいろ御託を並べたけれど。
周りが純粋に楽しんでいる中で、一人で腕組みして「進化がない」「未来がない」なんて文句を言っているのは、変化を受け入れられない老害の始まりなのかもしれない。
歌手の石川ひとみさんの大ヒット曲「まちぶせ」の歌詞の内容を実行すればストーカー規制法違反か―。
同法改正案を審議する21日の衆院内閣委員会で、有志の会の緒方林太郎氏がそんな質問をした。
https://www.sankei.com/article/20251121-CTJIT6SWORAWTI7D5ONNJ77JAA/?dicbo=v2-WpUUINA
ずっと思ってることがあるんだけど、刀ピークリスマスっていつか終わるのかな？
そりゃどっちかが引退するときは終わるんだろうけど、それまでにピーナッツ君に是非、「刀ピークリスマス」ではなく、「刀也」という曲を作ってほしい。
私の大好きなバンド、Vulfpeckの「How much do you love me?」という曲がある。これが刀ピーの本質（？）を表していると思っている。
https://youtu.be/0k2dGhF6yVk?si=7dPRNNaj88yW5zFS
この曲は、ちょっと強気な女性が、愛する男性に向かって「私の名前の入った曲を作りなさいよ！」と歌っている、そんな感じ。
【ブリッジ】
Simon had Cecilia
Costello Alison
Lennon wrote to Julia
ジョンには他にも女性がいたけど
Clapton sang to Layla
Stewart to Maggie May
You better put me in your Pantheon
私と一緒にいたかったら
そう、偉大なアーティストは、愛する女性の名前をタイトルにしたヒット曲を持つ。
剣持刀也は非常に幸運な立場にいる。本人の望むか望まざるかはさておき、ピーナッツ君という偉大なアーティストが、彼のためだけに毎年ヒット曲を書いてくれる。まさしく「私のことを愛しているなら、私の名前の曲を書いてよ！」とピーナッツ君に向かって言える、そんな状況にいるのだ。
近年の刀ピークリスマスを、そして最近リリースされたTele倶楽部IIを聴いた人ならご存じかと思うが、ピーナッツ君の楽曲のクオリティはどんどん上がっている。すでに彼はヒップホップ界隈では十分に名を馳せている。やがては邦楽チャートを独占するかもしれない。
今までの刀ピークリスマスも、粒ぞろいの楽曲ばかりだ。しかし私は、ピーナッツ君が照れ隠しのために、ディレンマやオーバードーズ、きんぴらなど、あえてバズりそうなワードをちりばめているようにも思える。
だから、私は心のどこかで期待している。 ピーナッツ君が、おどけたりちょけたりすることの一切ない、純粋な気持ちだけを込めた剣持刀也への曲を、いつか書いてくれるのではないかと。そして、もしそんな曲を作るとしたら、タイトルはもちろん「刀ピークリスマス」ではなく、「刀也」にしてほしいと。
さて、今年の刀ピークリスマスはどんな曲が披露されるだろうか。今から本当に楽しみだ。
【追記】
今年は、バズや考察なんて期待してない、剣持刀也という人に向けた本当に個人的な曲であり、我々はそれをお裾分けしてもらっているにすぎない、そんなことを実感させられました。なんか、ここまであーだこーだ言ってる自分がキモくなったので、まじで増田にしといてよかった。
ありが刀ピー
