同時代のジャズ

　『同時代のジャズ』の平常運転に戻りますが、今回はベーシストEd Schuller（エド・シュラー、リーダーアルバム『The Force』及び『Russ Lossing / Dreamer』で既出）の『The Eleventh Hour』というアルバムを取り上げます。
　メンバーはカーラ・ブレイ・バンドの常連トロンボーンGary Valente（ゲイリー・ヴァレンテ）とグレッグ・オズビーとの二管フロントに、ギターBill Bickford、ドラムVictor Jonesが加わるクインテット編成で、三曲にパーカス・ボーカルのArto Tuncboyaci（又はArto Tunçboyacıyan、アルト・トゥンチボヤチャン、アルメニア系アメリカ人）が加わります。言うまでもなくキャリア初期のグレッグ・オズビー参加ということで入手したアルバムです。

　本作の三年後に録音された上記『The Force』は、どちらかと言えば緩いアレンジで、御大デューイ・レッドマンに気持ち良く吹いてもらおうというような意図さえ感じたサウンドでしたが、本作ではそれぞれに工夫が施されたテーマが用意され、かつバラエティに富んだ楽曲が揃えられています。
　例えば冒頭曲や4曲目は（当時の）M-Baseテイストでテーマ部はやや複雑に書き込まれていて、メンバーが次々にソロを繋ぐパワフルな演奏です。
　例えばパーカスが加わる2, 3曲目は、ガラッとムードが変わり、NYサウンドから遠く離れた無国籍風、と言うかいわゆる「ワールド・ミュージック」風のサウンドで、パーカス（プラス・ヴォイス）が効果的に響きます。
　例えば6曲目はサンバ・ビート、7曲目は効果音的なギターとベースによるノンビートの導入部からベースがアップテンポの4ビートを刻み始め他の楽器が加わってくる演奏で、各プレイヤーのソロはグッとフリーに傾きます。
　そして終曲は、最初にスピーカー中央のベースが導入部を提示し、次に左チャンネルの（ベースによる）和音が加わり、最後に右チャンネルのアルコ・プレイが重なるリーダーの一人三役の多重録音によるトラック、といった塩梅で次から次にタイプの異なる演奏が展開されます。

　キャリア初期のグレッグ・オズビーのここでのプレイは及第点プラスαといったところでしょうか。私は彼について冷静な聴き方がなかなかできませんが、1, 3曲目でのアルトの「ウネウネ」ソロにはホッとしますし、7曲目のソプラノも良い味が出ていると思います。
　ゲイリー・ヴァレンテについては、このアルバムではとにかく大活躍です。特に1, 3, 5曲目での技巧的でありながらユーモアのセンス溢れるソロは実に「痛快」です。アルバム全体の好感度を上げるのに間違いなく貢献していると思います。
　最後はリーダーについてですが、全体にわたって確かなテクニックに裏打ちされた堅実なプレイが光っています。それだけでなく、一人三役を熟した終曲は、メロディアス（マイナー調）でリズミカルな楽しい演奏で、多重録音にありがちな「実験臭」或いは「作り物感」が全くしない、ベーシストとしての腕前、いやむしろ「歌心」がいかんなく発揮されたトラックに仕上げています。

　アルバム全体としてはやや「小ぶり」の印象で、バラエティに富んだ楽曲が並んでいる分やや散漫ということも言えるかもしれませんが、ゲイリー・ヴァレンテの（再び申し上げますと）「痛快」なプレイは聴かせますし、ベース多重録音による終曲では「救われた」という気持ちさえする愛すべき作品です。

　音盤クロノロジー1966（昭和41）年は、ジャズ・ピアノの父、さらにはルイ・アームストロングの演奏にヒントを得たそのプレイは「トランペット・スタイル」と呼ばれた（というようなことは「知識」として知っているけれど聴く機会はほとんどなかった）アール・ハインズの『Here Comes』です。
　メンバーは当時モダン・ジャズ・シーンの第一線で活躍していたリチャード・デイビスとエルビン・ジョーンズとのピアノ・トリオ編成で、手元にある国内盤の佐藤秀樹氏の解説によりますと「本アルバムの大半は30年代から40年代に流行したお馴染みのナンバー」が選曲されています。
　言うまでもなく本作のポイントは、録音当時62歳のアール・ハインズとリチャード・デイビス（35歳）、エルビン・ジョーンズ（38歳）との「異業種」、「異世代」のコンビネーション（が果たして成功しているか）、この一点に尽きるでしょう。

　結論から先に申し上げますと、このトリオの魅力は「ミスマッチの妙」ということではないでしょうか。
　「リチャード・デイビスは堅実なプレイに終始してトリオの屋台骨を支え、エルビンはいつものやり方を封印して御大に寄り添っている、さすがにこの二人は懐が深い」というような聴き方、捉え方もあるでしょうし、それを否定するものではありませんが、リチャード・デイビスはいいとしても（と言うか自身の個性を封印することなく「絶妙に好サポート」していると思いますが）、私にはどうもエルビンが「あさって」の方向を向いてプレイしているように聴こえてしまうのです。もちろん御大に対するリスペクトの念を抱いてはいるものの「素」でプレイしているので「あさって」になってしまう・・・良くも悪くもこの人は「頑固な」ミュージシャンであるということでしょう。
　ではそういう「ちぐはぐな」（としておきましょう）トリオが失敗しているかというとそうではなく、言わばこのような「違和感」が幸運にも不思議な魅力につながっている・・・それが上に書いた「ミスマッチの妙」ということです。御大ハインズは、若い二人が奏でるリズムを100％受け入れて、実に心地よさそうに、或いは「いつものペース」で快演を聴かせています。そして演奏の温度、或いは濃度が低下することのない3～4分程度の楽曲が7曲収録というのも、結果として成功の要因になったのではないかと思います。この（オールド・スタイルの）ピアニストの本作が、今日でも多くのリスナーに支持される所以でしょう。

　最後に脱線してしまいますが、私は本作を聴くと反射的に『Duke Ellington & John Coltrane』（1962、Impulse!）を思い出します。
　このコルトレーン信奉者にとっては微妙なポジション（ではないかと思われる）のアルバムは、エリントン一派のベースとドラム（アーロン・ベルとサム・ウッドヤード）と、コルトレーン・カルテットのジミー・ギャリソンとエルビンの二つのセットが参加しています（1曲のみアーロンとエルビンの共演あり）。これもいろいろな聴き方があるとは思いますが、私には圧倒的に後者のセットが面白く聴こえます。特にエリントンのキュートなナンバー”Angelica”は、曲想とリズム（と言うかドラム）との「ミスマッチの妙」が極めつけだと思うのですがいかがでしょうか。

『Duke Ellington & John Coltrane』（1962、Impulse!）

　八回目の音盤クロノロジー1965（昭和40）年は、アート・ファーマーの『Sing Me Softly of the Blues』です。
　私はアート・ファーマーの熱心なリスナーでは決してありませんが、このアルバム（だけ）は永い間聴き続けています。その理由は極めて明快で、スティーブ・キューンをはじめとする個性的なリズム・セクションと選曲です。

　話はリーダーのアート・ファーマーから逸れていきますが、最初にこのアルバムが録音された当時のスティーブ・キューンについて述べたいと思います。
　彼は60年代初頭にケニー・ドーハムやスタン・ゲッツのアルバムなどにサイドマンとして参加しレコード・デビューを既に済ませていますが、本作が録音された60年代半ばというと、実質上のリーダーアルバム第一作となった『Three Waves』（1966、Contact）と時期が重なります。
　本作のリズム・セクションはこの『Three Waves』と同じで、当時はまだウッド・ベースを弾いていたスティーブ・スワロウ、そしてドラムのピート・ラロッカが努めています。さらにピート・ラロッカのリーダーアルバム『Basra』（1966、Blue Note）もフロントはテナーのジョー・ヘンダーソンですがリズム・セクションは同じこの三人です。
　本作を含めたこれら三枚は、スティーブ・キューンが際立つ個性を持ったピアニストであることを最初に、そして強力に示したアルバムであると私は思っています。さらに言うならば、この後の彼のリーダーアルバム『Watch What Happens!』（1968、MPS）と『Childhood is Forever』（1969、オリジナルは仏BYG、98年に英Charlyが再発CD化）を加えた五枚は、極めて個人的な思いで断言（放言）してしまうと、スティーブ・キューンを聴くんだったらこの五枚で充分・・・くらいに彼の個性の「原型」が理想的なカタチで発現したアルバムであると思っています。それ以降のアルバム（たくさんあります）も決して悪くはないのですが、年を経るにつれて本作をはじめとする上記五枚のアルバムなどで聴かれる彼でしか表現できなかった「抽象化された耽美性」（何を言っているのかよくわかりませんがとりあえずこうしておきます）とでも名付けたくなるような尖ったプレイがどんどん薄まっていって、極論すれば別にこれだったらスティーブ・キューンじゃなくて他のピアニストでもいいんじゃない、と思ってしまうほどです。

　そして、私が本作を永く聴き続けているもう一つの理由が選曲、特にカーラ・ブレイ初期の佳曲である冒頭のタイトル・チューンと2曲目”Ad Infinitum”（その後、カーラ自身をはじめいろいろなミュージシャンがカバーする楽曲ですが、二曲とも本アルバムが初出ではないかと思われます）を取り上げていることです。
　“Sing Me Softly of the Blues”はバラード・・・とは言ってもカーラのことですから一筋縄ではいかず、全体に気怠いムードが支配するバラードです。アート・ファーマーのテーマとアドリブ・コーラスはこの曲のムードに溶け込み、スティーブ・キューンのピアノソロになると、鍵盤を探るように断片的なパターンを提示しながら徐々に温度を上昇させていき最後はガチャーンとコードを叩いて後テーマに導きます。このようなバラード演奏においても、毒気というとオーバーですが（山菜の天ぷらのような）蘞味（えぐみ）みたいな（決して不快ではない）舌触りを私は感じます。一方でスティーブ・スワロウの（その後聴くことはできなくなった）ウッド・ベースが腹に響き、ピート・ラロッカはバラードのムードを否定するかのように力の入ったショットを繰り出します。
　”Ad Infinitum”は一転アップテンポの三拍子。フリューゲルとピアノがテーマを提示した後に登場するピアノは、上に書いたような当時のスティーブ・キューンの個性が先鋭化したようなプレイで、かなりアブストラクトで攻撃的なソロを聴くことができます。ここでもピート・ラロッカはヤケクソ一歩手前の力強いプレイに終始します。前曲に続いてこのリズム・セクションの「新しさ」が伝わってきます。
　といったわけで、この冒頭の二曲は聴き手を一気に引きずり込むようなパワーと魅力に満ちていて、このblogでは何度も使った表現ですがこれで「元は取った」ということになります。ただし3曲目以降も退屈になることは決してなく、西インドのキュートなトラディショナル・ソングの3曲目、アップテンポ4ビートの4曲目、後にスティーブ・キューンがしばしば取り上げることになるスタンダードのバラードの5曲目、再びピート・ラロッカのオリジナル・ブルーズの6曲目と、アルバム全体を通して魅力的な楽曲が続きます・・・ということはしっかりと申し添えておきたいと思います。

　最後になってしまいましたが、リーダーのプレイについて少々。
　上に書いたように私はアート・ファーマーをそれほど熱心に聴いてきたわけではありませんし、どちらかと言えば50年代のいわゆるハードバップのアルバムでのプレイを好みますが、本作でのプレイを聴くと、同年代の他のトランぺッター（誰でも良いのですが、例えばケニー・ドーハムとかドナルド・バードとか）では、（フリューゲルを吹いていることを差し引いても）このような世界を描くことはできなかったのではないかと思います。アート・ファーマーとしては異色作でしょうが、（当時としては）飛び切りモダンなリズム・セクションとの邂逅によって強く印象に残るアルバムになりました。

『Steve Kuhn / Three Waves』（1966, Contact）


『Pete LaRoca / Basra』（1966、Blue Note）


『Steve Kuhn / Watch What Happens!』（1968、MPS）


『Steve Kuhn / Childhood is Forever』（1969、BYG）


『Steve Kuhn / Childhood is Forever』（1998、Charly 再発CDジャケット）