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☆楽譜出版《ASKS.orchestra》交響曲,協奏曲,室内楽などのスコアを電子版(PDF)で販売中。海外向け→＊＊ 出版作品一覧→＊＊＊NEW ◆《図解クラシック音楽大事典》（学研）イラストとまんがでオーケストラや楽典から音楽史までを紹介する掟破りの入門書。旧〈音楽大事典〉の超大幅改訂復刻版。 ◆《作曲は鳥のごとく》（春秋社）自らの作曲家生活を綴った独学の音楽史＠2013年3月刊 ◆《調性で読み解くクラシック》（ヤマハ）調性および音楽の謎を楽理・楽器・科学・歴史から読み解く文庫版入門書。

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ショスタコーヴィチ10番目の交響曲は、1953年、独裁者スターリンが死去した年に、ソヴィエト連邦の「雪どけ」の風潮の中で生み落とされた。彼の15曲ある交響曲の中でもその完成度の高さと内容の深さでは一二を争う出来であり、最高傑作のひとつと言っても過言ではない。 とは言え、「形式主義的」と批判された前作第９番から８年ぶりの挑戦であるこの交響曲について、彼自身は「ただ人間の感情や情熱と言ったものを表現したかったのだ」と語るにとどめている。 しかし、この曲、実を言うと、その裏に一筋縄では行かない不思議な仕掛けと暗号が隠されているのだ。ここではその解読を試みてみよう。 ◆リストの「ファウスト交響曲」との類似性 全４楽章50分という大作であるこの交響曲、初演時から「リストの〈ファウスト交響曲〉に似ている」と指摘されてきた。しかし、そこから先に突っ込んだ解析が及ばなかったのは惜しい。なぜなら、この「ファ

冒頭のオーボエ・ソロの旋律がひたすら増殖して全オーケストラに広がってゆく…というワンアイデアの作品なのだが、同じ発想の「ボレロ」と違って、こちらは完全に東洋的な世界。数百数千の仏像の群がびっしり世界を埋め尽くすような圧倒的なイメージを持った曲で、この曲を一聴して以来この作曲技法に10年ほど「取り憑かれ」てしまった。（高校の頃、気付くといつもこの旋律を口笛で吹いていて、同級生に「気持ち悪いから！」と何度も指摘されたほど。確かにボレロの旋律より不気味ではある・(=_=)・）。19歳の時に松村さんの処に無理やり伺ったのも「こんな曲を書くのはどんな人なのか？」と知りたかったことが大きい。 もともと松村さんは京都の呉服屋の生まれで、父親がかなり熱心な仏教徒だったという。だから、この曲が「ボレロ」を意識しつつ「曼荼羅」を思わせる処があるのもあながち的外れではないようで、実際、後半に般若心経を歌う千人の

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S氏の《交響曲第１番》を最初に耳にしたのは、初演（2008年広島）の時の様子を映したYouTubeでの録画だ。この時は、G8議長サミット記念コンサートという名目で《交響曲》の１・３楽章が披露された（さすがに全曲では「長すぎる」と主催者側が判断したのだろう。それでもたっぷり40分以上という大曲だ）。 その頃のS氏はWikipediaにも未記載の無名の作曲家（ゲーム音楽マニアなら鬼武者の音楽で名前くらいは知っていたのかも知れないが）。当然、会場に聴きに来ていたお客のほとんどは「広島出身の若い作曲家」というくらいの知識しかない一般の人たちだったと思う。しかし、その「誰もが初めて聴く」しかも「オーケストラだけ」の音楽が「歌も映像も何もなく」１時間もの間延々と流れるのを、ホールを埋めた聴衆は（少なくとも）飽きることなくずっと耳を傾け、曲が終わると同時に万雷の拍手を浴びせていたのである。これは（実を言

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彼のここ十数年の作品にはすべてゴーストライター（名前を表に出さない実際の作者）がいる…という告白を聞いて、推理小説みたいな話だと不謹慎にも思ってしまった。確か、刑事コロンボの「奪われた旋律」は有名映画音楽作曲家の弟子が実はゴーストライターという話。古畑任三郎の最終話「ラストダンス」（犯人役：松嶋菜々子）も有名推理小説作家の双子の姉妹がゴーストライターという話だった。事件にまではなっていないが、現時点で既に彼はWikipediaで「元作曲家」扱いにされ、CDは出荷&配信停止、予定されていたコンサートも続々中止になっている。音楽界はてんやわんやである。 確かに、ポップスなど商業音楽の世界では、「作曲家」はメロディだけ書き（楽譜が書けないので鼻歌で歌うだけのヒトも多い）、それに「採譜（楽譜に書き起こす）」や「アレンジ（編曲。和音やリズムを付け、楽器で演奏できるような総譜スコアにする）」や「オーケ

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歴史に「もし」を持ち込むのは無意味である…とはよく言われることだ。でも、音楽を聴くたびに無数の「もし」が頭をよぎるのは止められない。 「もしモーツァルトが50歳を過ぎるまで長生きしていたら」「もしベートーヴェンの耳がよく聞こえていたら？」「もしショパンがピアノに出会わなかったら？」「もしチャイコフスキーが音楽院に行かずそのまま役人になっていたら？」「もしシェーンベルクが12音などというものを発明しなかったら？」・・・そして「もしジョン・レノンがポール・マッカートニーと出会わなかったら？」 その中でも、私が個人的に非常に興味をもつのは、「もしショスタコーヴィチがソヴィエト政府と関わることなく（自由に）創作を続けていたら？」という「もし」だ。 ◇作曲家と国家政府 作曲家がその時代の政治と関わる例は、あまり多くない。モーツァルトやベートーヴェンがいかに人類の生んだ最高の芸術家でも、生きている時代

去る３月20日（水・祝）東京オペラシティ・コンサートホールで、私の還暦記念コンサート《鳥の響展》が開催された。 現代のクラシック音楽（しかもオーケストラによる純音楽作品）に固執して35年。三十半ばくらいで野垂れ死にという予想に反してなぜかずるずると生き残り、敬愛する演奏家たちやオーケストラそして満員の聴衆たちに囲まれて還暦を迎える…という少々出来すぎの展開に。これもアベノミクスの影響（？）だろうか。 出演して下さった演奏家の皆さん、熱演して下さったオーケストラの皆さん、ホールを埋め尽くした聴衆の皆さん、そして関係者の皆さんに感謝。 プログラム・・・・・ 第1部 ・夢詠み（2012） 二十絃箏：吉村七重、チェロ：長谷川陽子 ・夢色モビール（1993） チェロ：長谷川陽子、 弦楽四重奏とハープ（東京フィル） ・スパイラルバード組曲（2011）より ホルン：福川伸陽、ピアノ：三浦友理枝 ・プレイ

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作曲家を40年近くやっていると、「音楽家（作曲家）になるにはどうしたらいいでしょう？」と若い人から聞かれることがままある。 もしもそれが「演奏家」の場合は、物心ついたら楽器を演奏していて、日々何も考えることなくひたすら練習と演奏に明け暮れ、気が付いたらなっていた…というものだと思う。「どうしたらなれるか？」と考えるヒマがある、という時点で（きつい言い方をすれば）演奏家への道はないと考えていい。 一方、それが「作曲家」の場合は・・・そもそも最初から「作曲家になりたい」と思うことは極めて稀。普通は「演奏」のレッスンに明け暮れるうち、「演奏家になるのは無理かも知れない」という挫折から起きることが多い（らしい）。 ベートーヴェンは耳が聞こえにくくなったことから、シューマンは手を痛めたことから、シベリウスは人前であがることに気付いてから、それぞれ演奏家の道を断念して、作曲家の道に「転向」している。

Ａ：１年間にわたって放送されたＮＨＫ大河ドラマ「平清盛」が無事終了しました。音楽制作の裏話については、「音楽制作メモ 」「音楽全仕事」で紹介してきましたが、終わった今だから話せる…というお話もあるかと思いますので、新春架空座談会（？）と題して気楽にお話しいただきたいと思います。 吉松：お手柔らかに（笑）。 Ａ：大河ドラマ50周年記念と言うことで鳴り物入りで始まりましたが、視聴率が低いということばかり報道されるという残念な側面もありました。 吉松：いきなりそれですか（笑） Ｋ：平均視聴率は12％ほどとふるわなかったんですけど、一方でTwitterなどでは凄い盛り上がりようで、トレンド・ランキング１位になるなどコアなファンは多かったようですね。 吉松：低いと言っても12%ということは毎週一千万人以上見ていた計算ですからね。クラシック系ビンボー作曲家からすれば、もう天文学的数字ですよ（笑） Ｋ：

□子供の声１ 最近、ネット内で「赤ん坊の泣き声論争」がちょっとした話題になった。乗り物の中などでの赤ん坊の泣き声について「うるさい。迷惑」派と「温かく見守る」派の対立ということらしい。 ちなみに私も、子供の泣き声というのはこの世で一番苦手な音のひとつだ。ただ、それは人間として至極当然の反応だと思うのだ。 そもそも赤ん坊のように言葉でのコミュニケイション能力を持たないものは、自分が「不快な状況」（お腹がすいた…とか、排泄の必要がある…とか、眠い…とか）にあることを「音声信号」だけで第三者に伝えなければならない。 そのため、通常の「あー」という発声にできる限りの変調（歪み：ディストーション）をかけて「ぎあ～」とか「うぎゃあ～」というノイズ（騒音）を作り出し、しかもそれをリミッターをかけない最大出力で放射する。 目的は、自分の現状が「不快」であることを明確に伝えることにあるのだから、「ぴよぴよ」

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むかし、ヨーロッパ留学していた学生時代の友人が久しぶりに帰国したので会ったとき、その第一声が「いいなあ、音楽が出来るやつは…」だった。 理工科系エンジニアとしての留学なので、音楽の素養など全然関係なさそうだが、ちょっと人が集まるパーティなどでは必ず「何か歌って」という話になる。特に、日本から来たということになると「何か日本の歌を聴かせて」という声が必ずあがるのだそうだ。 そこで、初めてポップス以外の日本の歌をほとんど知らない自分に気付き、リクエストに応えて（日本では一度も歌ったことのないような）「サクラ、サクラ」とか「五木の子守歌」とかをうろ覚えの怪しい歌詞で歌ったのだが、死ぬほど恥ずかしい思いをしたという。 それに対して、欧米系の学生は３〜４人集まるとすぐなにやらハモる歌が歌えるのだそうだ。それも、子供の頃から勉強一筋で音楽にも楽器にもまったく縁遠かったというような（彼と同じ側にしか思え

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ひな鳥は卵から生まれて最初に見た「動く物」を（それが何であれ）「親」と認識するらしい。これをインプリンティング（刷り込み）と言うそうだが、音楽も似たような処がある。おそらく物心ついて最初に出会った音楽が（それが何であれ）その人の音楽の基盤となり、一生ついて回る。 私の音楽との最初の出会いは1960年代後半、そして作曲家として活動し始めたのが70年代後半。雛鳥の期間はこの1960年代後半から70年代前半の間で、この間に刷り込まれた（聴いた）音楽が私の音楽の「親」ということになる。厳密に言うと1967年から74年までの７年間なのだが、この時代、公平に見てもかなり音楽的に面白い時代だったという気がする。 1960年代は、戦後の混乱が落ち着いて色々な新興勢力が雨後の筍の如く出てきた時代。古き伝統や旧世代が戦争で淘汰され、人類史上初〜新しい世代による「やりたい放題の時代」が訪れたと言える。 クラシッ