50. Wishy – Triple Seven
昼間は音楽教師として生徒にドラムとギターを教え、お針子としてバンドの刺繍入り商品をよく制作していた。ハードコアやエモのシーンで育った代わりに、通勤中の車の中でメロディーを考え、空気から音楽を引き出し、中西部の広がりの中でより洗練された、より神秘的な解釈に至る。ぼんやりとしたドリーム・ポップと重厚なインディロックの間で揺れ動いている。
49. Why Bonnie – Wish On The Bone
新しい一日ごとに希望を再生させるという決意は、彼女が兄を失ったときに深く根付いた。ミュージシャンとしての道を歩み始め、自分の声を見つけようとしていた矢先の出来事だった。彼女はその悲しみに向き合うために、次々と曲を作り出し、苦しみを抱えながらも作品を積み重ねていった。愛の温もりを失うことがどれほどの痛みを伴うかを警告し、目を開いて待ち続け、たとえ最悪の日であっても絶望は避けられないものではないと自分に言い聞かせている。
48. Lime Garden – One More Thing
共に成長しながら、現代のポップカルチャーがもたらす影響を受けた青春を描いている。それは、形成期に影響を与えた音楽への愛の手紙であり、愛情、恐怖、感謝、そして不完全さを受け入れる姿勢を示している。社会の常識に挑戦し、日常生活に新たな息吹を与え、壮大な夢を描いている。曲作りやテーマは非常に野心的。新しいテクノロジーを活用し、今ここに存在するポップ・ソングがさらに進化している。
47. Folly Group – Down There!
即座に驚きをもたらす。ポスト・パンク、ダブ、ヒップホップ、エレクトロニック・ダンス・ミュージック、さらには伝統的なアフロ・キューバン・リズムを融合させた、エクスペリメンタル・ロックの新たな先駆者としての地位を確立している。このアルバムは、開放的なリリシズムと独創的なセルフ・プロダクションを見事に組み合わせたもので、現代イギリスにおける疎外感というテーマに対して、真にユニークな視点を提供している。
46. Omni – Souvenir
瞬間ごとに即時性が満ち溢れ、最も力強いアルバムが誕生した。まさに音楽の宝物を創り出したと言えよう。それは、あなたが手元に置いておきたくなるような楽曲のコレクションであり、時間を大切にするための聴覚的な遺産。今回は、少し感情的でノスタルジックな要素が強調され、滑稽さや不条理さ、さらには暗号的な要素を含む「天文学的な」ラブストーリーが、「私たちは共に朽ち果てることができる」という希望で締めくくられています。
45. This Is Lorelei – Box for Buddy, Box for Star
聴くたびに、自由で活発な思考の世界に没入するような、音の楽園である。この作品は、彼がいかにスムーズかつ巧妙に一つのアイデアから次のアイデアへと移行するかを示す、刺激的な体験を提供する。作風に見られる無限の高揚感と予測不可能性は特に際立っている。初期の作品がより緩やかで断片的な構成を持つのに対し、こちらは緊密で洗練されており、他の豊富なディスコグラフィーと同様に軽快なエネルギーに満ちている。これまでの作品に比べ、はるかに鋭い集中力をもたらしている。
44. Good Looks – Lived Here For a While
困難な状況を克服するために必要な忍耐力について、心に響くカタルシスをもたらすロック・ソングを創作する。地元でのアルバム発売記念ライブの直後に悲劇が発生した。会場の外を歩いていたリード・ギタリストが横断中の車に衝突し、頭蓋骨と尾骨を骨折するという重傷を負った。彼は集中治療室に入院し、短期的な記憶障害に苦しんだが、その後回復を遂げた。このトラウマ的な出来事は、彼らの絆を一層強固にした。彼らのエネルギッシュなライブの熱気を余すところなく捉えた、果敢で直接的な音楽が展開されている。
43. Allegra Krieger – Art of the Unseen Infinity Machine
マンハッタンのチャイナタウンに位置するアパートの1階で、Eバイクショップに保管されていた複数のリチウム電池が発火した。真夜中を過ぎた頃、ソングライターはドアを叩く音で目を覚まし、8階分の階段を駆け上がり、「灰色の煙の壁」を突破して逃げ出した。楽曲の中で感謝の気持ちを抱きつつ、もし彼女が火事に対して異なる行動をとった場合の宇宙を想像する。最終的に、彼女は私たちに二つの問いを投げかけます。「私たちは生きることについて何を理解しているのか？死について、私たちは何を知っているのか？」生と死の間に存在する脆弱な膜を掘り下げる。
42. Bnny – One Million Love Songs
愛には無限のアプローチが存在し、それぞれが異なる体験をもたらす。愛の形は多様であり、私たちの人生の道筋を形成し、その進み方を選択することが求めらる。愛を多角的に捉え、自己認識とユーモアを交えながら、見たものだけでなく、それによって引き起こされた感情を描写することが重要。深いロマンチックな愛や息をのむような欲望、寛大な自己愛、さらには自己嫌悪や憤り、失望といった対極的な感情も含め、すべてが啓示的な意味を持っている。
41. Ekko Astral – pink balloons
破壊を主題としているが、ワシントンDC、クィアネス、パーティー、金銭、暴力、差異、皮肉、宗教についても言及されている。また、ファック・ユーという表現も含まれている。バブルガム・ノイズ・パンクとノーウェーブ・アートロックの複雑な絡み合いの中で、帝国の中心で生きることに伴う結びつきやもつれた恐怖に対する弾力性のある空間を提供している。彼らの楽曲は、成文化されたジェンダーに基づく暴力に対する強烈で必要な反抗を示し、その歪みとシビランスは、私たちの生活空間の外に存在する危険に対する直接的な反応を表している。
40. State Faults – Children Of The Moon
パンデミック後の状況を受け入れ、新鮮な素材に没頭した結果、数年間にわたるポストプロダクションの遅延、経済的な困難、個人的な不運、さらには解散の危機を乗り越え、ついにアルバムを世に送り出す機会を得ることができた。サイケデリックなギターの演奏、ダンスしやすいドラムとベースのリズム、そして後半のダウンテンポは、スペーシーなドローンとリバーブに包まれたヴォーカルが特徴である。このアルバムは、ポストロック調のバラードスクリーモというジャンルの境界を拡張し、各トラックにおいてバンドの創造的な進化を示している。
39. Scarcity – The Promise of Rain
これは、分散や拡散、そして共有の経験を通じて重荷を軽減する集団に関する汗まみれのアルバムである。ユタ州南部の高地砂漠を旅した際に得たインスピレーションが反映されている。砂漠での成長は無欲の行為であり、適応の必要性は人間の経験の風景と同様に砂漠においても明らかである。思想や信念の変容、終わらざるを得なかった人間関係の喪失に伴う悲しみ、精神的な病に支配されながら新たな人間関係を築くことに伴う恐怖が、このパノラマ的なアルバムの中で何度も繰り返し思い起こされる。
38. Foxing – Foxing
失敗は成功への道しるべである。恋愛における拒絶や宗教的なトラウマ、さらにはそれらの屈辱を舞台上で再体験しなければならない苦痛、またはそのような屈辱を舞台上で再体験することによって引き起こされる経済的な不安定さについて考察する。理解しがたいが、福利厚生のあるデスクワークに従事する代わりに、スタジアム規模の集団の中での混乱が生じる。10年間、星を目指してきた者が泥にまみれながらも解放される音が響く。
37. Mabe Fratti – Sentir Que No Sabes
都市の交通をキャンバスとして描写し、その全体がポストモダンで広がりのある音響を生み出している。意見の出所が不明であるという感覚、外部からのものなのか内部からのものなのか、また誰がその意見に耳を傾けたいのか、実際に耳を傾けるのは誰なのかという問いが浮かび上がる。他者との対話の中で生じる激しい思考の瞬間や、アイデアがどのように交錯するのかについても考察される。また、自身が無知であり、ゼリーのように柔軟で、どんなフォークでも通り抜けられると感じる瞬間についても思いを巡らせる。そして、その柔らかい領域において、アイデアは変容し、成長していくのである。
36. Hovvdy – Hovvdy
色あせたブルージーンズのように心地よい自信に満ちている。長年の友人による統一されたビジョンのもと、うねるピアノの旋律と鮮やかなプロダクションが融合している。ライブ録音に焦点を当てた前例のない作品は、バンドの初期のスローコアな層をさらに剥ぎ取り、カントリーの感触から力強いドラムまで、目を見張るようなダイナミックな幅を示している。決して静止することのない大胆で無謀な合唱の中に、内面的な思索を巧みに織り込んでいる。
35. Laura Marling – Patterns in Repeat
長年にわたりプライバシーと私生活を厳格に守り、自身を意図的に神秘的な存在としてきた。前の三作品の広大なサウンドスケープから一転し、初期の警戒心を取り除いた作品である。より親密な印象を与え、ストリングスは存在するもののパーカッションは一切排除され、声もフルトーンには達しない。楽曲は家庭的な静けさに包まれ、その中に美しさ、知恵、喜びが共存しているというマーリングの主張が際立っている。彼女の声は非常に穏やかであるが、新たな制約に適応し、時には聴く者を鼓舞するような感覚を与えることも多い。
34. Babehoven – Water’s Here In You
不気味で雰囲気に満ち、時には解離的なトーンで彩られ、風通しの良いアレンジに溶け込んでいるように感じられますが、史上最強の作品であるにもかかわらず、優雅な距離感に悩まされている。音楽を完全に受け入れようとすると、蜃気楼を追いかけるような、あるいは目覚めた後に夢を思い出すような、幻想的でありながら儚い印象を受ける。手を伸ばして掴もうとすると、まるで手のひらの上で消えてしまうかのような感覚。
33. Bill Ryder-Jones – Iechyd Da
これまでで最も野心的な作品であり、美しくプロデュースされ、豊かな広がりを持っています。時には陽気で壮大に、時には親密で悲痛な表現が織り交ぜられています。過去数年間に他のアーティストのプロデュースに費やした経験が、キッズ・クワイアや優しいストリングス、ディスコ・サンプルの劇的な再コンテクスト化を通じて、新たな領域への拡大を促す優しい後押しとなりました。人生にはさまざまな出来事がありましたが、この作品は私に計り知れない幸福をもたらした。
32. Metz – Up On Gravity Hill
時間が経過するにつれて、私たちはつながりの喜びが喪失の虚無感と対照的に存在すること、愛の永続性が人生の無常と共鳴すること、そして暗闇を恐れずに進まなければ光を得ることはできないという基本的な真理を理解するようになる。かつては歓喜に満ちた激しい音楽で知られていたバンドが、音の質感をよりアトモスフェリックに変化させる方法を模索しているのは、バンド自身の成長を反映しているだけでなく、理解と生存のために微妙な感情と思いやりを求める社会の変化をも反映しているからである。
31. Drahla – angeltape
アート・ロックの実験主義者たちは、曲作りの過程において独自の好奇心を持ち、聴衆に対して魅力的な世界を提供することに成功している。従来のメロディックな構造を避け、最新作に見られる不確実性を受け入れる姿勢は、バンドが経験した困難な過渡期をファンに静かに伝える役割を果たしている。悲しみやトラウマをテーマにしつつ、感傷的な瞬間や困難な時期の支えを祝福することは、アーティストと聴衆の双方にとって挑戦であり、同時に慰めをもたらし、最終的には報われる結果を生む。
30. Meryl Streek – Songs For The Deceased
アイルランドの社会政治的な視点に基づいているものの、そのテーマは国境を越えて多くの人々の共感を得ており、個人的な体験から歴史的な悲劇に至るまで多岐にわたる。これは、私の故郷であるダブリンにおける裏切り、殺人、不正、腐敗に関する物語を集めたものです。アイルランドに限らず、世界中で発生している現象であるにもかかわらず、私たちはそれを受け入れるべきなのでしょうか？政治的な要素が色濃く、音楽には活気があり、これはアイルランドに関する声明であると同時に、世界への呼びかけでもある。
29. High Vis – Guided Tour
タクシーのドアが大きな音を立てて閉まり、車のエンジンが轟音を響かせる中、リズミカルなビートが心地よく流れる冒頭の数秒から、バンドは新たな高みへと到達したことが感じられる。彼らの音楽はダイナミックで、まさに洗練された印象を与える。経験や仲間意識、社会的な不満が融合し、現代のギター音楽の多様なスペクトルを表現している。活気に満ちたストリート・パンクから、独特のインディの卑屈さ、重厚なオルタナ、シューゲイザー風のスポークンワードに至るまで、グループの化学反応はどのスタイルも彼ら独自の力強さに変換する。
28. Kim Gordon – The Collective
このアルバムでは、直感的な言葉のコラージュと印象的なマントラが、コミュニケーションや商業的な昇華、感覚の過剰を喚起する一方で、ライゼンの損傷を受けたダブとトラップの構成がその表現に深みを与え、構築を促進している。真実が何であるかは誰にも明らかではなく、事実が必ずしも人々の感情に影響を与えるわけではなく、各自が自らの主張を持ち、パラノイア的な共通の感覚を生み出す瞬間が存在している。ドラッグ、テレビ、ショッピング、インターネットはすべてが容易で滑らか、便利であり、ブランド化されています。この状況は私を混乱させ、未知のものを追い求めさせ、時には失敗を招く可能性すらあるのだ。
27. Julia Holter – Something in the Room She Moves
記憶や夢のような未来を探求することが多かったが、より深い存在感の追求にシフトしている。プロダクションの選択とアレンジは、滑らかなヴォーカル・メロディと対比を成すフレットレス・エレクトリック・ベースの音程の連続体を構築し、ラインは温かみのある管楽器とリードと絡み合う。流れるようなサウンドは、水のように、体内の音の世界を想起させる。何が美味で、何が全知全能であるのか？訪れる円環の魔法とは何か？ホルターの言葉を借りれば、その瞬間に存在すること、そしてその瞬間が何であるか。
26. Clarissa Connelly – World of Work
長年にわたり、聖地や神話の探求を行い、ケルト文化や北欧文化から多くのインスピレーションを得てきた。スカンジナビアの風景を巡りながら、キリスト教以前の古代遺跡からメロディーを引き出している。このアルバムは国際的に高く評価され、権威ある北欧音楽賞を受賞。彼女のプロデュース能力と作曲能力を強く示す音の刺繍を創出し、受容と成長のテーマを深く探求している。
25. Martha Skye Murphy – Um
バロック様式の美しさとエレクトロニック・ノイズの対立が融合し、オーガニックと人工、ハイファイとローファイが交互に現れるテクスチャーを取り入れている。古代ローマの手製本の拷問からタップ・ルーティンに至るまで、さまざまな要素からインスピレーションを受けたイメージを喚起する歌詞が展開される。深い憧れと失われた遠い記憶の反響が感じられ、非常に親密な家庭の空間にいるかのような感覚と、その後に位置づけが難しい、まったく異なる環境に押しやられるような絶え間ない緊張感が漂う。人々はベッドルームの親密さによってエロティックに充電された後、砂漠へと飛ばされるような体験をする。
24. Nilufer Yanya – My Method Actor
メソッド演技は、個人の人生において重要な影響を与える思い出を探求することに基づいている。この演技手法がトラウマを引き起こしたり、精神的に不安定な状態をもたらすことがあるのは、常に過去の特定の瞬間に戻るからである。良い経験も悪い経験も含まれ、そのエネルギーは自己を定義する要素として活用され、キャラクターに没入する助けとなる。このプロセスは、ミュージシャンが演奏中に初めて曲を書いたときの感情やエネルギーを再現しようとすることに似ている。演奏の瞬間において、そのエネルギーや感情を呼び起こすことが求められるのである。
23. Faye Webster – Underdressed at the Symphony
アトランタ交響楽団のコンサート会場において、観客の中に溶け込み、自身を見失うという彼女の強迫観念からインスパイアを受けた作品である。仲間や気晴らしを求める一方で、賑やかな群衆の中での匿名性にも魅力を感じており、しばしばギリギリになってから公演チケットを購入することがあった。この作品は明確な答えを提示するものではなく、癒しやセルフケアの壮大な旅を描いているわけでもない。むしろ、彼女はただ生きることを選び、傷心や滑稽な瞬間を隣り合わせに記録し、それらが曖昧になり始めるまで、私たち全員が共感できるほどリアルなものとして表現している。
22. glass beach – plastic death
クジラの死骸が海底に数千フィートも沈むと、その死骸は冷たい水によって保存され、深海生物にとっての生命の源となる。この現象は「クジラの落下」として知られている。アルバムのちょうど中間地点には、バンド自身の「クジラの滝」という曲が位置している。この曲を中心に据えた理由は明確である。インディー・ロック、ジャズ、プログレ、ハードコア、メタル、エクスペリメンタルなど、さまざまな音楽ジャンルの要素を融合させた、見事に多様性に富んだ作品である。全曲にわたって、アレンジや音色、テクスチャーの一つ一つが、意図と可能性に満ちている。
21. Respire – Hiraeth
今日、あなたは私たちに対して憎しみを抱くかもしれません。しかし、明日には、かつての先祖たちと同様に、あなた方も去らざるを得ない状況に直面するかもしれません。私たちを隔てる障壁は、あなたが想像するよりも遥かに薄いのです。私たちが互いに争い、兄弟姉妹同士で対立している間に、世界は炎に包まれ、森林は枯れ果て、富裕層は略奪を続け、私たちの未来は消失していきます。地球の緩やかな死は、人種や性別を問わず、誰にでも影響を及ぼします。私たちの罪を他者に押し付けることはできません。世界を滅ぼしたのは誰か、鏡を見ればその答えは明らかです。目を覚ましましょう。私たちは皆、罪を犯しているのです。そして、私たちは皆、救済の可能性を持っています。
20. Gouge Away – Deep Sage
活動休止以外の選択肢は存在しなかった。彼らは国内のさまざまな地域に移り住み、私生活に専念することを選び、その結果、楽曲が日の目を見ることはないと受け入れた。しかし、楽曲は再発見を待つファイルとして生き続け、時折再び聴きたいという衝動に駆られることがあった。2022年の大晦日が近づく中、彼らは再び連絡を取り合い、アルバムの執筆を完了させることを決意した。バンドにとっては3年ぶりのライブであり、その反応からエネルギーを得た彼らは、楽曲を完成させた。最終的なトラックリストから楽曲を次々と削除し、アイデアは豊富にあった。彼らは定評のある緊迫感と擦れた質感をさらに磨き上げるだけでなく、メロディの特徴も拡充させた。
19. SPRINTS – Letter To Self
自身の内面的な葛藤に真摯に向き合い、不平等や身近な問題、女性の身体の自律に関する継続的な闘争、自己受容、アイデンティティ、メンタルヘルスの課題、セクシュアリティ、カトリック教の罪悪感との対峙などを、自らのプラットフォームを通じて発信する。デビューアルバムに向けて、バンドは「負のエネルギー」を共同体のカタルシスと癒しの機会へと転換することに取り組んでいる。中心となるメッセージは、どのような環境に生まれ、どのような経験を経ても、そこから抜け出し、自らの内面で幸せを見出す方法が存在するというものである。
18. DIIV – Frog In Boiling Water
資本主義の末期と圧倒的な技術革新がもたらす厳しい現実を探求するスナップショットのコレクションです。10曲のダークで魅惑的なトラックを通じて、その壮大で催眠的なシューゲイザーの要素を拡張し、希望や美、再生の感覚を運ぶ官能的な作品を創出するために、独自の感性と深い目的意識をもって、さまざまな視点から崩壊の様相を記録している。
17. Wild Pink – Dulling The Horns
アルバムの中心には明確なパラドックスが存在する。時間の経過がもたらした影響を感じる一方で、彼の新たな音楽はまるで再生したかのように響く。その結果、アルバム全体の雰囲気は自己との葛藤を反映している。野生動物の角が摩耗することを示唆する表現を選び、音楽業界における試練について考察している。しかし、父親となった今、年齢を重ねることは単なる消耗を意味するのではなく、新たな喜びをもたらすことも示している。これは原始的な叙事詩というよりも、広範囲にわたる、制御不能な噴火のような作品である。
16. Waxahatchee – Tigers Blood
カンザス・シティで数年間禁酒し、安定した生活を築いていた彼女は、仕事と旅に自らを捧げた結果、これまでで最も力強いソングライティングに到達した。彼女の歌は、苦労を経て得た自己受容の視点から語られる認識の物語である。書くことは、忘却と闘う行為である。彼女の歌詞は、まるで回想録のようであり、「あなた」という言葉は生の親密さや脆さを想起させる。「お前には運がなかったが、優しさは見る人の目の中に存在し、俺には俺なりの考えがあったが、結局お前を肩に担いだ」というメッセージが込められている。
15. Naima Bock – Below a Massive Dark Land
作曲は主に孤独なプロセスである。しかし、これは一見すると矛盾しているように思えるかもしれない。多くのミュージシャンを起用した力強く意図的なアレンジは、包容力のある空間と温かい光に満ちている。10人編成のバンド、3人編成のバンド、あるいはソロパフォーマンスにおいても、ナイマが演奏する際には、ステージ上のミュージシャンと観客との間に特別な絆が形成される。各曲の後には盛大な拍手と歓声が沸き起こり、これは通常のライブにおける形式的な反応とは異なるものであり、パフォーマーとアーティストの関係は、より深く、個人的なものであると強調される。
14. Chat Pile – Cool World
このレコードは、滅びゆく惑星のビジョンを喚起するだけでなく、バンドの前作からの進化を示している。現代の倦怠感を描写する範囲を「神の国」から人類全体へと拡大する、厳密な二重表現が際立っている。前作と同様のテーマを扱いながらも、ミクロからマクロの視点で、特に国内外の災害とその相互作用について深く考察している。この作品は、明らかにアウトサイダー的でフォーク・アート的なエッジを捉え、それをさらに強調している。
13. Frail Body – Artificial Bouquet
目を奪われるような速さでゲートを飛び出し、不協和音のメロディーの流れに身を委ねる。脈動するテンポの変化と異端的なヘヴィリフが展開される。彼らの音楽的混沌は、見事な干満の叙事詩として表現され、方法論を示す。ポスト・ハードコアとメロディック・ブラックメタルの境界を曖昧にする必死の試みがなされている。骨の髄まで響くクレッシェンドが展開され、感情のタンクを空にする楽曲が生まれる。そのすべてが生々しく、美しさと制御不能さを兼ね備えている。このサブジャンルはかつて休眠状態にあったが、今や進化を続け、世界中でその名を知られるようになった。
12. IDLES – TANGK
かつては世界に対して挑戦し、強靭な意志で永遠の権利者に立ち向かい、個人的なトラウマをリアルタイムで表現することを目指していましたが、この新たな活動では、そのような忍耐の成果を提供することに至った。ポスト・パンクの先駆者としての評判に反して、彼らは内面的な感情を鍛え上げた魂で歌い上げ、それぞれの欲望に満ちた誓いや連帯の訴えを、真のポップ・ソングとして、すなわち、皆で共有し、共に楽しむためのものとして、不満を克服するための共同体の賛歌として提示している。
11. Peel Dream Magazine – Rose Main Reading Room
ニューヨークの象徴的な施設であるアメリカ自然史博物館やグランド・セントラル・ステーションを背景に、個々の物語が自然界の広大な舞台に織り込まれ、本能、動物性、進化といったテーマが探求されている。ドローンやさまざまな電子機器と共に、森林の音の多様なパレットが呼び起こされる。挑戦的に相互確証破壊を提起し、自身の内に秘めた無限性を探求し、身近に感じる閉塞感を解消することを目指している。これらはすべて、アルバムの表現力の一部であり、その重要な要素を形成している。
10. SPIRIT OF THE BEEHIVE – YOU’LL HAVE TO LOSE SOMETHING
独自の美学を追求してきた。サンプルを分析し、再構築し、再び表現する過程は、まるで雛鳥が巣立つかのようである。ロック界における最も独特で優れた脱構築主義者としての地位を確立してきた。このバンドの美学は、特に人間関係の終焉とそれに伴う不安定さについての深い考察を反映している。緻密で美しい楽曲は、静かに心に響くものであり、しばしばハリケーンの中でウォークマンを聴くような体験や、スケートボードの事故で手首を骨折した後にベッドで18時間視聴するYouTube動画のような感覚をもたらす。
9. Vampire Weekend – Only God Was Above Us
このアルバムは、過去を受け入れることの難しさと、その過程における葛藤をテーマにしている。アーティストたちは、物質主義的な世界に対する疑念を深め、その背後にある意味を探求しようとしている。彼らは、単なる表面的な価値から離れ、真実に迫ることを目指している。そして、そうした重い問いから一時的に距離を置いた後、地球や愛についての即興演奏を行う。ここで彼らは、「今、私がつながれないのは本当におかしいのか？」と問いかけ、その問いに対して音楽を通じて応答し、近づくことはできても、過去に戻ることはできないという示唆を与えている。
8. Father John Misty – Mahashmashana
アルバムは、主に二つの親しみやすいスタイルに分類される。ひとつは野心的なミッドテンポからアップテンポの楽曲であり、もうひとつは絶望的なメロドラマを表現したバラードである。物語の中心には、ナレーターが自らの正気を疑わず、周囲の人々が狂気に陥っていることを理解しているというテーマがある。彼はある瞬間、無表情で歌い上げ、「アメイジング・グレイス」を解体し（「見つかったものは失われた」）、ティールが支援した売国的な文化経済に合わせて「ハウル」を現代的に再構築する。世代の偉大な人物たちは、喜んで戦争に参加させられた。世界は腐敗しており、真実と虚構の境界は、この世とあの世の境界と同様に曖昧である。彼は、完璧な嘘は永遠に存続すると宣言する。
7. Adrianne Lenker – Bright Future
著名なソングライターが、フレーズの転回と韻律の流れを通じて明確に表現している。あなたは私の心を奪った//私はそれを取り戻したい。この作品はアナログで正確に記録され、コラボレーションの実験として始まり、心の帰還を示す証拠となった。ソロ音楽と大泥棒を愛する人々は、彼女の確かな才能を驚くほど鮮やかに捉えた、磁力のような作品を明るい未来において楽しむことができるだろう。
6. Jessica Pratt – Here In the Pitch
西海岸出身のアーティストは、4枚目のアルバムにおいて、彼女の芸術的表現の幅を広げ、スペクトラルな60年代ポップ、ハリウッド・サイケデリア、ボサノヴァなどの影響を受けた、これまでで最も鋭い楽曲を創出した。2019年のアルバム『Quiet Signs』がエーテルの中で優雅に漂っていたのに対し、『Here in the Pitch』はそのタイトルが示す通り、より地に足のついた特徴を持ち、彼女の技術は新たな発見によって重厚さを増し、より大胆な表現へと進化している。
5. Being Dead – EELS
その動物の名称が示す通り、楽曲は穏やかであり、レコードは濁った水面や奇妙な夢の中を漂うような印象を与え、その動きは神秘的かつ美しく、揺らめく光沢に反射している。各楽曲を聴くたびに、新たな洞窟を発見するかのように、未知の深淵に飛び込む感覚を覚え、何が明らかになるかに対して完全に心を開いているように感じる。アルバムのアートワークには、奇妙な妖怪が描かれており、これはアルバムの本質を的確に表現しており、歓迎的で遊び心に満ちたエネルギーを放っている。たとえ何か不吉なものが青白い影の向こうに潜んでいたとしても。
4. Magdalena Bay – Imaginal Disk
彼らの本質は雲の中に存在し、合成されたノスタルジアやキッチュな魅力、歪んだネオ・フックなど、独自性を持ちながらも親しみやすい周波数を発信している。この時代に適応し、既存の要素と新たな感覚を革新的な音の風景に融合させている。スタイル化されたオンラインの美学は、彼らの音楽を補完し、一貫した芸術的ビジョンを形成している。この統合的なアプローチは「世界構築」と呼ばれ、彼らの芸術性の核心を成している。
3. MJ Lenderman – Manning Fireworks
高級肉店の前での関係の崩壊から、地元のハリス・ティータでフットボールのスター、ダン・マリーノを目撃した出来事まで、空港のTシャツ売店を舞台にしたラブソングや、雨の中での錆びたグリルの倦怠感に至るまで、これらはアルバムに収められた一部に過ぎません。肩をすくめるようなオフザカフのギター・リフが曖昧に響き、ペダル・スティールとロックンロールの歪みが絡み合い、最終的にはオルタナティブ・カントリー的な不協和音で締めくくられるそのソングライティングは、シンプルでありながら真実味を帯びている。物語は、のんびりとした気楽な雰囲気で展開され、ぼんやりとした記憶の絵葉書のように、金物屋の垂木から聞こえる鳥のさえずりや、予測不可能な断片やディテールが、物語を豊かに彩っている。
2. Fontaines D.C. – Romance
間違いなく、これまでで最も自信に満ち、独創的で音響的に冒険的な作品である。初期の作品においては、敵対的なパンクの感覚を前面に出していたバンドの音楽は、グランジ風のブレイクビーツ、ディストピア的なエレクトロニカ、ヒップホップのパーカッション、さらには夢のようなテクスチャへと進化しており、ファンにとって驚きの要素となるかもしれない。この作品は、良くも悪くもファンタジーを感じさせるものであり、その忘却の彼方へと進むことを歓迎している。
1. Mannequin Pussy – I Got Heaven
このアルバムは、バンドにとってこれまでの作品の中で最も高い完成度を誇るものである。熱烈なパンクから魅力的なオルタナポップへと急激に変化する野心的なトラック群は、欲望や孤独の力、そして冷淡で無情な世界の中での生き方に深く関わっている。バンドは揺るぎない絆を強化し、激しさとスリルに満ちた、まさに生きている証を示す作品を創り上げた。このように美しいものを創造しようとする行為は、過激な挑戦のように感じられる。このバンドの理念は、常に人々を結びつけることである。
