UC Riverside

Diagonal: An Ibero-American Music Review

Title
Melodías para versos silenciosos: Bailes, danzas y canciones para violín en el Manuscrito de
Salamanca (ca. 1659)

Permalink
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Journal
Diagonal: An Ibero-American Music Review, 3(1)

ISSN
2470-4199

Author
Lombardía, Ana

Publication Date
2018-07-11

License
CC BY 4.0

Peer reviewed

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University of California
Melodías para versos silenciosos: Bailes, danzas y canciones para violín en el
Manuscrito de Salamanca (ca. 1659)

ANA LOMBARDÍA
Instituto Complutense de Ciencias Musicales

 
Abstract  
The   Salamanca   Manuscript   (ca.   1659),   preserved   in   the   Biblioteca   Nacional   de   España   but   virtually  
unknown  to  date,  is  the  earliest  Spanish  violin-­‐music  source  that  has  been  located.  It  contains  ten  
melodies   of   bailes   (popular   dances),   danzas   (courtly   dances),   and   canciones   (songs)   from   Spain,  
Portugal,   Italy   and   Latin   America.   Most   of   this   repertoire   was   sung,   played   and   danced  
simultaneously.  The  manuscript  includes  five  dance  types  of  which  Iberian  melodic  examples  prior  
to  1700  were  hardly  known  to  date:  folijón,  morisca,  zarambeque,  chaconne  and  Spanish  galliard.  In  
addition,  it  contains  examples  of  three  schemata  that  are  better  known:  ruggiero,  jácara  and  canario.  
The  music  is  written  in  tablatures  that  symbolize  violin  fingerings,  but  not  the  rhythm  or  harmony,  
so   the   transcription   is   very   problematic.   The   article   contains   a   codicological   study   of   the   source   and  
a  “historically  informed  re-­‐composition”  that  departs  from  various  sources,  not  only  musical  (e.g.,  
Sanz  and  Ruiz  de  Ribayaz),  but  also  iconographic  (e.g.,  Velázquez)  and  literary  (e.g.,  Cervantes).  The  
proposed   transcriptions   allow   for   refining   the   musical   prototypes   of   the   eight   aforementioned  
bailes  and  danzas  so  far  extant.  This  small  music  selection  shows  the  intense  internationalization  of  
popular  repertory  in  the  mid  seventeenth  century.  
Keywords:  Salamanca  Manuscript;  violin;  tablature;  Spanish  music;  seventeenth  century.  
 
Resumen  
El   Manuscrito   de   Salamanca   (ca.   1659),   conservado   en   la   Biblioteca   Nacional   de   España   pero  
prácticamente   desconocido   hasta   ahora,   es   la   fuente   española   de   música   para   violín   más   antigua  
localizada.  Contiene  diez  melodías  de  bailes,  danzas  y  canciones  procedentes  de  España,  Portugal,  
Italia  y  Latinoamérica.  Se  trata  mayoritariamente  de  repertorio  popular  que  era  cantado,  tocado  y  
bailado  simultáneamente,  incluyendo  cinco  bailes  y  danzas  de  los  que  apenas  se  conocían  ejemplos  
melódicos  ibéricos  anteriores  a  1700:  el  folijón,  la  morisca,  el  zarambeque,  la  chacona  y  la  gallarda  
española.   Junto   a   ellos,   están   representados   tres   esquemas   mejor   conocidos:   el   ruggiero,   la   jácara   y  
el   canario.   La   música   está   escrita   en   “cifras”   (tablaturas)   que   representan   las   digitaciones   del   violín,  
pero   no   el   ritmo   o   la   armonía,   por   lo   que   su   transcripción   resulta   muy   problemática.   El   artículo  
contiene  un  estudio  codicológico  de  la  fuente  y  una  “recomposición  históricamente  informada”  que  
parte  de  fuentes  diversas,  no  sólo  musicales  (ej.  Sanz  y  Ruiz  de  Ribayaz),  sino  también  iconográficas  
(ej.   Velázquez)   y   literarias   (ej.   Cervantes).   Las   transcripciones   propuestas   permiten   refinar   los  
prototipos   musicales   existentes   hasta   ahora   para   los   ocho   bailes   y   danzas   mencionados.   Esta  
pequeña  selección  musical  pone  de  manifiesto  la  intensa  internacionalización  del  repertorio  popular  
a  mediados  del  siglo  XVII.  
Palabras  clave:  Manuscrito  de  Salamanca;  violín;  tablatura;  música  española;  siglo  diecisiete.  
 
 
2

V
elázquez  representa  en  Los  tres  músicos  (Sevilla,  ca.  1617)  una  escena  aparentemente  realista,  
pero   en   el   fondo   alegórica   (Fig.   1).   El   retrato   de   los   tres   protagonistas   y   la   minuciosa  
representación  de  los  objetos,  destacados  por  el  claroscuro,  son  de  una  nitidez  asombrosa.  El  
niño  mira  al  espectador  y  le  sonríe  con  picardía,  pero  los  dos  adultos  parecen  ajenos,  absortos  en  la  
música  que  cantan  y  acompañan  con  instrumentos,  uno  al  violín  y  el  otro  a  la  guitarra,  con  la  mirada  
perdida.  Sobre  la  mesa  hay  pan,  vino  y  un  trozo  de  madera  con  un  cuchillo  clavado,  el  cual  proyecta  
su   sombra   como   un   reloj   de   sol,   casi   temblando   con   el   instante   que   pasa.1   La   música   encaja   muy   bien  
con   esta   idea   de   lo   efímero,   en   especial   cuando   se   trata   del   repertorio   popular,   de   transmisión  
fundamentalmente  oral,  y  cuyo  sonido,  por  tanto,  se  desvanece  apenas  ha  sido  producido.2  
 

 
 
Fig.  1:  Diego  Velázquez,  Los  tres  músicos  (Sevilla,  ca.  1616-­‐1618).      
Staatliche  Museen  zu  Berlin,  Gemäldegalerie;  photo  Jörg  P.  Anders.  

1
 Esta  obra  puede  interpretarse  simultáneamente  como  pintura  satírica  y  moralizante,  según  Cherry,  1999;  y  Rey,  2000.  
Para  Cherry,  se  puede  considerar  una  “pintura  de  risa”  (como  la  denominaba  Francisco  Pacheco,  maestro  de  Velázquez),  
que  ridiculizaba  a  las  clases  bajas,  incapaces  de  controlar  los  vicios  carnales.  El  mensaje  didáctico  lo  señala,  detrás  del  
niño,  un  mono,  símbolo  antiguo  de  comportamiento  humano  negativo  y  de  imitación:  el  niño  imita  a  los  adultos  bebiendo  
vino,  algo  reprochable  según  el  código  ético  de  la  época.  Según  la  interpretación  de  Rey,  el  trozo  de  madera  circular  con  
el  cuchillo  clavado  es  un  reloj  de  sol,  y  el  cuadro  en  su  conjunto  una  vanitas  que  refleja  el  pensamiento  neo-­‐estoico  en  
boga  en  la  época.  
2
 “La  música  se  alimenta  y  vive  del  tiempo  y,  más  en  concreto,  de  instantes  que  se  suceden  y  a  los  que  ella  dota  de  
sentido.  Por  eso  muere  en  cuanto  cesa  de  sonar.  Soni  pereunt,  “los  sonidos  perecen”,  dejó  escrito  San  Isidoro,  otro  
sevillano,”  en  palabras  de  Rey,  2000:  sección  2.  
3

  Esta   pintura   refleja   la   práctica   habitual   en   la   España   del   siglo   XVII   de   acompañar   canciones,  
“bailes”   y   “danzas”   con   violín,   una   práctica   documentada   sobre   todo   en   contextos   cortesanos   y  
teatrales.3  En  la  corte  real  de  Madrid,  los  instrumentos  de  la  familia  del  violín  (denominados  entonces  
“violones”)  se  empleaban  para  interpretar  música  de  danza  desde  mediados  del  siglo  XVI,4  y  desde  
los   primeros   años   del   XVII   se   documenta   su   intervención   en   espectáculos   de   teatro   cortesano   y   en   la  
liturgia  de  la  Real  Capilla,  donde  su  presencia  se  intensifica  a  partir  de  1677.5  Significativamente,  un  
memorial  firmado  ese  año  por  el  Patriarca,  máxima  autoridad  de  la  institución,  hacía  referencia  a  las  
“extrañas  canciones  y  tañidos”  de  los  nuevos  violinistas  italianos  contratados  por  iniciativa  de  Juan  
José  de  Austria,  como  Pandolfi  y  Lonati.6  Más  allá  de  la  música  cortesana,  en  el  último  cuarto  del  XVII  
este   instrumento   era   habitual   en   las   representaciones   teatrales   de   Madrid,   a   menudo   a   través   de  
personajes  músicos  que  intervenían  directamente  en  la  escena,  donde  podían  acompañar  el  canto  y/o  
el   baile,   pero   también   en   preludios   e   intermedios   puramente   instrumentales.7   Probablemente   en  

3
 En  España,  durante  el  siglo  XVII  se  diferenciaba  entre  los  términos  “danza”  y  “baile”.  Tratadistas  como  González  de  
Salas  y  Esquivel  Navarro  distinguen  las  “danzas”  cortesanas,  de  movimientos  recatados  y  centrados  en  los  pies,  de  los  
“bailes”,  de  raíz  popular,  enérgicos  y  que  implicaban  el  uso  de  todo  el  cuerpo.  Véase  una  panorámica  sobre  ello  en  
Torrente,  2016:  215-­‐33.  No  obstante,  no  es  una  distinción  clara,  y  muchas  tipologías  coreográficas  inicialmente  
consideradas  “bailes”  terminaron  siendo  consideradas  “danzas”  que  se  enseñaban  en  las  escuelas  cortesanas,  por  
ejemplo  la  chacona,  como  se  explica  en  Esquivel,  1642:  ff.  26v,  30v,  31,  41;  cit.  Brooks,  2003:  137.  Las  distintas  músicas  de  
los  bailes  y  danzas  se  solían  denominar  genéricamente  “tonos”  o  “sones”,  aunque  lo  más  frecuente  era  referirse  a  cada  
tipo  por  su  nombre  específico  (jácara,  chacona,  etc.).  
4
 Sobre  los  inicios  del  violín  en  la  corte  española  véase  Robledo,  1987.  El  término  “violín”  no  se  consolida  en  España  hasta  
finales  del  siglo  XVII,  pero  desde  principios  de  ese  siglo  se  llamaba  “violín”  al  instrumento  soprano  de  la  familia  de  los  
“violones”,  en  oposición  a  las  “vihuelas  de  arco”  (violas  de  gamba).  Se  documentan  músicos  de  violín  contratados  de  
forma  permanente  en  la  Danzería  de  la  Reina,  creada  en  1560,  y  después  en  el  grupo  de  Violones  italianos  del  Rey,  
integrado  administrativamente  en  la  Real  Capilla  en  1601.  
5
 Miembros  de  la  Danzería  de  la  Reina  y  de  los  Violines  del  Rey  participaron  conjuntamente  en  una  función  teatral  con  
“música  de  violines”  en  1605,  según  relata  Baltasar  Porreño;  cit.  Robledo,  1987:  72-­‐73.  A  partir  de  1601,  los  “violones”  
(instrumentos  de  la  familia  del  violín)  se  introducirían  progresivamente  en  la  Capilla  Real,  sustituyendo  poco  a  poco  a  las  
“vihuelas  de  arco”  (de  la  familia  de  la  viola  de  gamba)  en  sus  intervenciones  en  los  servicios  litúrgicos  de  mayor  
relevancia.  Véase  Robledo,  1987;  Id.,  1994;  Id.,  1999-­‐2002:  124.  
6
 Durante  el  reinado  de  Carlos  II,  Juan  José  de  Austria  fue  uno  de  los  impulsores  de  la  contratación  de  violinistas  italianos;  
ver  Rodríguez  2003:  354-­‐80.  Giovanni  Antonio  Pandolfi  publicó  Sonate  per  chiesa  e  camera  (Innsbruck,  1660)  y  Sonate  cioè  
Balletti  (Roma,  1669).  Carlo  Ambrogio  Lonati  compuso  sonatas  en  trío  localizadas  en  manuscritos;  ver  Allsop,  1993.  
7
 A  lo  largo  del  siglo  XVII  las  compañías  de  teatro  madrileñas  solían  tener  en  su  plantilla  a  dos  músicos  especializados,  el  
“músico  principal”  y  el  “arpista”,  como  se  documenta  en  Flórez,  2015:  238-­‐49.  Los  instrumentos  más  comunes  en  el  teatro  
eran  la  guitarra  y  el  arpa,  frecuentemente  acompañando  el  canto  y/o  introduciéndolo  con  un  preludio  (Id.,  pp.  301-­‐11,  333),  
Puntualmente  se  podía  contratar  a  otros  instrumentistas,  como  músicos  de  clarín,  trompeta,  caja  y,  sobre  todo  a  partir  del  
último  cuarto  del  siglo,  “violones”  (familia  del  violín)  y  oboes  (Id.,  pp.  341-­‐42).  Estos  instrumentos  podían  intervenir  tanto  
dentro  de  escenas  determinadas  como  en  los  cambios  de  escena,  cumpliendo  tres  funciones  principales:  “Anunciar  la  
presencia  de  un  determinado  personaje  sobre  el  tablado,  acompañar  el  canto,  baile  y  danza  y  disimular  el  ruido  de  las  
tramoyas  son  las  tres  funciones  que  con  mayor  frecuencia  parece  haber  desempeñado  la  música  instrumental,  casi  
siempre  en  estrecha  relación  con  la  música  vocal”  (Id.,  p.  330).  Por  ejemplo,  en  1656  en  el  Coliseo  del  Buen  Retiro  se  
representó  la  Loa  de  Pico  y  Canente  con  preludios  e  interludios  a  cargo  de  varios  instrumentos,  entre  ellos  el  “violone”  
(especie  de  violonchelo),  el  “mezzo  violino”  (especie  de  viola)  y  el  “quarto  di  violino”  (violín)  (pp.  329-­‐330).  Personajes  
con  violines  aparecen  en  la  mojiganga  Relación  y  compendio  de  las  reales  fiestas  de  máscara  (Madrid,  1693),  publicada  en  
Buezo  (ed.),  1993-­‐2005:  II,  68-­‐84  (Orfeo  en  la  p.  76);  y  el  entremés  La  boda  y  los  violines  (sin  fecha),  donde  algunos  
personajes  se  disfrazan  de  violinistas  italianos  y  hacen  un  baileto;  ver  Cotarelo,  1911:  cxviii.  
4

contextos   populares,   más   difíciles   de   documentar,   también   se   usaría   el   violín   para   interpretar   los  
sones   de   moda   desde   principios   de   dicho   siglo,   no   sólo   en   Madrid   sino   también   en   otras   ciudades  
españolas,   como   Sevilla.   Allí   Velázquez,   al   margen   de   inspirarse   en   los   modelos   pictóricos   que  
llegaban  de  Flandes  e  Italia,  pudo  basar  sus  escenas  de  taberna  en  situaciones  reales  de  alguno  de  los  
“bodegones”  locales.8  
  Entre  mediados  del  siglo  XVII  y  principios  del  XVIII,  se  produjo  una  transformación  profunda  en  
el  lenguaje  aplicado  al  violín,  que  pasó  de  utilizarse  para  interpretar  piezas  sencillas  intercambiables  
entre  voces  e  instrumentos  a  adquirir  un  vocabulario  propio,  idiomático.  Dicha  transformación  tuvo  
lugar  sobre  todo  a  través  de  los  géneros  de  sonata  (a  solo  y  en  trío),  gestados  en  el  actual  territorio  
de   Italia   (entonces   fragmentado   en   múltiples   dominios)   y   difundidos   por   toda   Europa.9   Su  
introducción   en   Castilla   se   documenta   desde   la   década   de   1670,   en   especial   en   la   corte   real.10   Dada   la  
alta  movilidad  de  los  músicos  de  entonces,  estas  novedades  alcanzaron  rápidamente  toda  la  España  
peninsular,   llegando   a   localidades   tan   alejadas   de   la   capital   como   Santiago   de   Compostela.11  
Asimismo,   en   esos   años   se   documenta   en   la   vertiente   mediterránea   una   presencia   intensa   de   música  
y  músicos  de  violín  procedentes  de  Italia.12  
  Las   fuentes   musicales   españolas   sobre   la   práctica   del   violín   anterior   a   esa   revolución   que   trajo  
la   sonata   italiana   son   muy   escasas.   Hasta   la   fecha,   la   más   temprana   conocida   es   la   que   he  
denominado   “Manuscrito   de   Salamanca”,   pues   incluye   un   texto   fechado   en   esa   ciudad   en   1659.  
Contiene   diez   fragmentos   de   música   para   violín   copiados   no   en   pentagrama,   sino   en   tablatura   o  
“cifra”   (como   se   llamaba   entonces   en   los   territorios   hispanos),   siendo   por   ahora   el   ejemplo   más  
temprano   conocido   de   este   tipo   de   notación   aplicada   al   violín   en   España.   Se   trata   de   tablaturas  
esquemáticas,   carentes   de   indicaciones   rítmicas   o   armónicas,   que   sólo   reflejan   el   esbozo   de   la  
melodía  y,  en  algunos  casos,  divisiones  entre  frases.  Desde  la  década  de  1980,  los  investigadores  del  
repertorio   para   guitarra   Neil   Pennington   y   Maurice   Esses   llamaron   la   atención   sobre   esta   fuente.  
Pennington   publicó   una   brevísima   descripción   del   manuscrito   junto   a   una   copia   supuestamente  
diplomática   de   las   tablaturas,   en   realidad   con   errores   y   omisiones:   falta   el   título   de   dos   piezas   (Nº   1   y  
Nº   6)   y   hay   errores   en   los   números   de   las   digitaciones   (ej.   Nº   9).13   Partiendo   de   esa   publicación,   Esses  

8
 Sobre  el  término  polisémico  “bodegón”  (un  tipo  específico  de  taberna  y  un  género  pictórico)  y  la  importación  de  
pinturas  en  la  Sevilla  de  Velázquez,  véase  Cherry,  1999.  El  tamaño  pequeño  del  violín  de  Los  tres  músicos  no  es  un  indicio  
de  falta  de  realismo,  pues  en  esa  época  las  medidas  del  instrumento  no  estaban  estandarizadas.  
9
 En  este  texto,  los  términos  “Italia”  e  “italiano”  se  refieren  al  conjunto  de  territorios  que  pertenecen  a  dicho  estado  en  la  
actualidad.  
10
 Rodríguez,  2003:  345-­‐80;  Marín,  2007.  
11
 Entre  1680  y  1710  el  maestro  de  capilla  de  la  Catedral  de  Santiago  José  de  Vaquedano,  que  había  trabajado  antes  en  
Madrid,  compuso  la  Sonata  a  tres  más  temprana  conocida  de  un  compositor  español,  editada  en  López  Calo,  ed.,  1990.  
Sobre  su  contexto  compositivo  véase  Rodríguez,  2003:  345-­‐80.  
12
 Una  fuente  musical  temprana  sobre  la  introducción  de  sonatas  en  la  zona  mediterránea  es  el  manuscrito  E-­‐Bc  M  387,  
con  piezas  de  Francesco  Foggia  adaptadas  a  conjunto  instrumental,  descrito  en  Mendes,  2013.  En  1701,  con  el  
establecimiento  de  la  corte  del  Archiduque  Carlos  de  Austria  en  Barcelona  se  instaló  allí  un  grupo  de  músicos  venidos  de  
Nápoles;  ver  Sommer-­‐Mathis,  1996.  Sobre  Valencia,  véase  Bombi,  2002.  
13
 Pennington,  1981:  I,  115-­‐19.  Todas  las  referencias  a  Pennington  en  este  texto  se  refieren  a  las  mismas  páginas.  
5

transcribió   ocho   de   las   piezas   (Nº   2   -­‐   Nº   9)   en   su   valioso   estudio   sobre   danzas   y   diferencias  
(variaciones)  instrumentales.  Sin  embargo,  en  este  caso  no  justificó  sus  criterios  de  transcripción  ni  
consultó  directamente  el  manuscrito  o  reproducciones  del  mismo,  aun  admitiendo  que  su  notación  
resultaba  “muy  problemática”.14    
  Revisar   esas   reconstrucciones   melódicas   y   contextualizarlas   son   dos   de   los   objetivos  
principales   del   presente   trabajo,   el   cual   pretende   poner   en   valor   esta   fuente,   hasta   la   fecha  
inadvertida   en   los   estudios   históricos   sobre   el   violín.   Se   incluyen   un   estudio   codicológico   del  
manuscrito  con  una  discusión  de  su  contexto  de  producción  (Parte  I)  y  una  transcripción  razonada  de  
la   música   que   contiene   (Parte   II).   Para   esta   segunda   tarea   ha   sido   empleada   una   metodología  
interdisciplinar,  combinando,  por  un  lado,  el  análisis  de  ejemplos  musicales  coetáneos  de  cada  tipo,  
en   busca   de   rasgos   melódicos   prototípicos   (en   la   mayoría   de   casos,   no   definidos   en   estudios  
anteriores),   y,   por   otro   lado,   un   ejercicio   de   “re-­‐composición   históricamente   informada”,   por   así  
denominarla,  experimentando  con  diferentes  soluciones  musicales.  Así,  se  ofrece  una  propuesta  de  
transcripción  abierta,  que  no  pretende  ser  definitiva  sino  más  bien  ilustrativa.  En  última  instancia,  se  
aspira  a  profundizar  sobre  la  praxis  musical  que  acompañaba  a  los  versos  de  jácaras,  chaconas  y  otros  
esquemas   poéticos   muy   abundantes   en   la   literatura   del   Siglo   de   Oro.   Aunque   en   algunos   casos   se  
conocían  los  acordes  y  ritmos  del  acompañamiento  para  guitarra,  en  lo  que  respecta  a  la  melodía  la  
mayoría  de  estos  poemas  permanecían  hasta  ahora  en  silencio.  
 
I.  El  Manuscrito  de  Salamanca:  descripción  y  contexto  
  El   Manuscrito   de   Salamanca   es   un   conjunto   de   tres   hojas   sueltas   conservadas   junto   a   un  
manuscrito  musical  posterior,  el  número  M/2618  de  la  Biblioteca  Nacional  de  España.  Este  contiene  la  
parte  de  tiple  de  la  colección  Canttadas  [sic]  a  lo  humano  de  el  P.  M.  Fr.  Anselmo  de  Lera,  Predicador  de  
su   Magestad   en   Sn.   Martin   de   Madrid,   fechada   en   1737,   que   incluye   23   piezas   fundamentales   para  
comprender  la  asimilación  de  la  cantata  de  cámara  italiana  en  Madrid,  según  ha  estudiado  Juan  José  
Carreras.15   Esta   fuente   presenta   formato   de   cuarto   vertical,   con   una   encuadernación   de   cuero   que  
lleva   inscritas   las   iniciales   “BOZ”   y,   en   el   interior,   la   signatura   antigua   “Dd.   215”,   quizá   procedente   de  
alguna   colección   del   siglo   XVIII.16   Una   de   las   cubiertas   tiene   encolada   una   hoja   de   papel   grueso,   a  
modo  de  sobre,  donde  se  guardan  tres  hojas  más  pequeñas  descritas  por  Anglès  y  Subirà  en  1946.17  
Tanto   por   la   cronología   como   por   el   repertorio   musical   que   contienen,   estas   hojas   deben   ser  

14
 Esses,  1992-­‐94:  I,  331-­‐34.  “E  Mn  M  2618  does  not  employ  accidental  signs,  barlines  or  durational  symbols.  Thus  the  
transcription  of  its  pieces  is  highly  problematical”  (p.  334).  
15
 Carreras,  1997.  
16
 La  signatura  “Dd.  215”,  que  por  su  similitud  con  la  caligrafía  del  título  podría  ser  del  siglo  XVIII,  no  se  corresponde  con  
otros  ejemplares  de  la  Biblioteca  Nacional  de  España,  según  el  personal  de  la  Sala  Barbieri.  
17
 “Además  de  lo  descrito  [23  cantatas],  dentro  de  este  volumen  hay  tres  hojas  sueltas  de  papel,  muy  deterioradas,  con  
apuntes,  en  notación  cifrada,  de  Chacona  portuguesa,  Jachara,  Chacona  castellana,  Carambeque,  Morisqua  y  Rugero  
[entre  otras  piezas],  y  unas  breves  instrucciones  ‘para  saber  templar  la  guitarra’.  Una  de  esas  hojas  perteneció  a  un  
documento  del  año  1659”.  Anglès  &  Subirá,  1946:  I,  291-­‐93.  
6

consideradas  como  una  fuente  musical  independiente.18  Una  de  ellas  está  fechada  en  Salamanca  en  
1659,   y   la   caligrafía   y   los   contenidos   confirman   estas   coordenadas   espacio-­‐temporales,   como   se  
mostrará.   Las   tres   hojas   son   del   mismo   tipo   de   papel,   de   grosor   medio,   sin   marcas   de   agua   y   en  
formato  de  octavo  vertical,  con  unas  medidas  aproximadas  de  150  por  200  mm  (frente  a  los  280  por  
193  mm  del  volumen  de  cantatas).  Tienen  los  bordes  deteriorados  y  están  escritas  por  las  dos  caras.  
Se  trata  de  una  fuente  mixta,  musical  y  documental  al  mismo  tiempo,  de  contenido  misceláneo,  y  en  
la  que  se  detectan  cuatro  manos  diferentes  (Tabla  1  y  Tabla  2).    
  En   el   folio   1   aparece   un   párrafo   en   latín   que   comienza   con   las   palabras   “Unde   hoc   non   est  
specialis  pertinet  ad  eas…”  (f.  1r),  escrito  por  la  Mano  1,  cuya  letra  es  pequeña  y  que  deja  márgenes  
amplios  a  ambos  lados  del  texto.  Encima  de  este  párrafo  la  Mano  2,  distinta,  escribió  lo  que  podría  ser  
el   título   de   una   obra   literaria:   “Las   Trovesias   de   Nállez   y   Mata   m[aest]ro”   (f.   1r).   Seguidamente,  
aparecen   dos   párrafos   con   instrucciones   para   afinar   el   violín   con   la   guitarra   (f.   1r),   copiados   por   la  
Mano   2.   Este   copista   es   el   que   escribió   todos   los   contenidos   musicales:   los   párrafos   sobre   afinación   y  
diez  tablaturas  breves  que  representan  melodías  para  violín  (ff.  1v,  2v  y  3r).    
  En  los  folios  2r,  3r  y  3v  se  distingue  la  Mano  3,  cuya  caligrafía  es  más  redondeada  y  de  mayor  
tamaño.  El  folio  2r  se  puede  dividir  en  dos  secciones,  ambas  copiadas  por  esta  mano.  En  la  superior  
aparecen  palabras  sueltas,  algunas  de  ellas  tachadas,  y  varias  repeticiones  superpuestas  del  símbolo  
vítor,   propio   de   los   doctores   por   la   Universidad   de   Salamanca.   En   la   sección   inferior,   aunque   están  
tachados,  se  pueden  distinguir  dos  párrafos  sobre  “Cuentas  que  tengo  este  domingo…”  y  “Cuentas  
desde   mañana   martes…”   (f.   2v).   El   folio   3r   también   se   puede   dividir   en   dos   secciones,   pero   de  
copistas   diferentes.   En   la   parte   superior   hay   dos   tablaturas   musicales   copiadas   por   la   Mano   2,  
mientras   en   la   inferior   se   detecta   la   Mano   3,   con   caligrafía   especialmente   cuidada,   en   el   siguiente  
texto:  
 
“Año   del   nasimiento   de   nuestro   Señor   Jesusxto   [sic]   de   mil   e   seiscientos   e   sinquenta   e   nueve  
años   [1659]   nesta   ilustre   Ciudad   de   Salamanca,   e   por   tanto   hago   asaber   a   todos   los   Señores  
Corregidores,   Juezes,   Justicias   offeciales,   as   personas   deste   Regno   por   quanto   apareció   ante   min  
Fran[cis].co   Pérez   morador   en   el   lugar   de   los   Villares   que   ante   mim   dio   Su   testigo   e   por   quallar   [?]  
en   verdad   informe   [?]   M.   V.   Digo   que   no   pagando   la   quantidad   que   es   costumbre   parezca   ante  
mim.  Pare…[hoja  rota]”  (f.  3r).  

 
  Claramente,   se   trata   de   un   texto   de   carácter   legal.   El   “Francisco   Pérez”   mencionado   no   ha  
sido   identificado,   pero   podría   estar   vinculado   al   manuscrito,   pues   una   especie   de   firma   que   dice  
“Fran…”,  con  caligrafía  similar  a  la  de  la  Mano  3,  se  distingue  junto  a  una  serie  de  sumas,  en  posición  
invertida  con  respecto  a  los  demás  textos  (f.  1r).  En  el  reverso  del  folio  3  se  aprecian  varias  palabras  
sueltas   escritas   por   la   Mano   3,   entre   ellas   “Dize   domingo”,   “María   concebida”,   una   serie   de   letras  

18
 En  el  catálogo  de  la  Biblioteca  Nacional  de  España  el  Manuscrito  de  Salamanca  aparece  bajo  la  misma  signatura  que  el  
volumen  de  cantatas.  Véase  la  reproducción  digital  completa  en  Biblioteca  Digital  Hispánica,    
<http://bdh-­‐rd.bne.es/viewer.vm?id=0000113424&page=1>  acceso  2-­‐4-­‐2017,  páginas  5-­‐10  del  PDF.  
7

mayúsculas  (AA,  BB,  CC,  BB)  y  el  nombre  “Gaspar”,  quizá  también  una  firma.  En  total  aparecen  tres  
nombres  en  el  manuscrito:  Gaspar,  Francisco  y  Blas  (ver  Tabla  1).  Quizá  alguno  de  los  copistas  tuviera  
uno  de  estos  nombres,  pero  resulta  arriesgado  afirmarlo.    
 
Tabla  1:  Manuscrito  de  Salamanca.  Contenidos  (*)  
 

f.**   Contenidos  (transcripción  diplomática)   Música   Mano   Esses  

1r   “Las  Trovesias  de  Nállez  y  Mata  m[aest]ro”     2    
[9]   “Unde  hoc  non  est  specialis  pertinet  ad  eas…”     1    
“Para  saber  templar  hase  de  poner…”     2    
“Para  saber  templar  la  gitarra…”     2    
Sumas/  Firma  “Fran…[cisco?]”  [en  posición  invertida]     3?    
1v   “dos  reales  de  vellón”     4    
[10]   Foligones  foligones  [sic]   #1   2   -­‐  
“ut  habita  santas/  ut  habita  i  servetor”  [superpuesto  a  la  tablatura]     2?    
Morisqua   #2   2   D309  
Rugero   #3   2   D371  
2r   Palabras  sueltas  en  diferentes  tamaños,  algunas  superpuestas:  “buen     3    
[5]   Gaspar,  Blas…”/  Vítor  
“Cuentas  que  tengo  este  domingo…”     3    
“Costa  me  debe  asta  hoy  quinze  reales”     3    
“Cuentas  desde  mañana  martes…”  [textos  tachados]     3    
2v   Jachara   #4   2   D252  
[6]   “bc  Iber  (?)”  [texto  pequeño,  superpuesto  a  la  tablatura]     2?    
Chacona  castellana   #5   2   D51  
Quiereste  aluegriar  carretero/  quero  miña  señora  quero   #6   2   D495  
Carambeque  [çarambeque,  sarambeque,  zarambeque]   #7   2   D492  
Canario   #8   2   D31  
3r   Chacona  portuguessa  -­‐  diferencia   #9   2   D52  
[7]   Gallarda   #10   2   D184    
esbozo  
“Año  del  nasimiento  de  nuestro  Señor…”     3    
3v   “Dize  domingo  […]  per  p./  YY,  DDD,  D  por  D/  AA,  BB,  CC,  BB/maria     3    
[8]   concebid[a]/  Gaspar”  
 
(*)  Cada  fila  de  la  tabla  representa  un  párrafo  o  sección  del  folio.  (**)  Se  indica  el  número  de  folio  según  el  
orden   establecido   por   Pennington   y   seguido   por   Esses   y,   entre   corchetes,   el   número   de   imagen   en   la  
reproducción  disponible  en  PDF  en  la  Biblioteca  Digital  Hispánica.  La  última  columna  índica  el  número  de  la  
transcripción  en  Esses,  1992-­‐94:  II.  

 
8

Tabla  2.  Manuscrito  de  Salamanca.  Biblioteca  Nacional  de  España,  M/2618.  Manos.  
Las  diferencias  se  aprecian  especialmente  en  las  letras  L,  M,  N,  P  y  S.  
 

Mano  1,  f.  1r:  “Unde  hoc  non  est  specialis  pertinet…”   Mano  2,  f.  1r:  “Para  saber  templar  la  gitarra…”  

   

Mano  3,  f.3r  (“Año…”)  y  f.  2r  (vítor).   Mano  4,  f.  1v:  “dos  Reales  de  vellón”.  

           

   
 
  Por  otra  parte,  la  Mano  4,  distinta  de  las  anteriores,  escribió  con  tinta  más  cargada  “dos  reales  
de   vellón”   en   la   esquina   superior   derecha   de   una   de   las   hojas   (f.   1v).   Ya   que   no   hay   sumas   en   esa  
misma   cara   del   papel,   se   puede   especular   que   este   es   el   precio   asignado   a   las   propias   hojas   del  
manuscrito,  tal  vez  vendidas  a  un  coleccionista  del  siglo  XVIII  que  las  conservó  junto  al  volumen  de  
cantatas.   De   hecho,   a   mediados   de   ese   siglo   dos   reales   habría   sido   un   precio   normal   para   un  
documento  sobre  música  o  danza  de  pocas  páginas,  como  ejemplifican  los  anuncios  comerciales  de  
Pablo  Minguet.19  No  obstante,  la  unión  de  ambos  manuscritos  también  podría  haberse  producido  en  
época  más  reciente.  
  En  cualquier  caso,  parece  claro  que  el  grueso  de  los  contenidos  de  estas  tres  hojas  fue  copiado  
alrededor  de  1659.  Da  la  impresión  de  que  el  copista  de  música  (Mano  2)  reutilizó  papeles  empleados  
previamente   para   otros   menesteres   por   al   menos   dos   personas   del   entorno   salmantino   (Mano   1   y  
Mano  3).  Varios  indicios  sugieren  que  la  Mano  3  es  la  de  una  persona  con  un  elevado  nivel  cultural,  tal  
vez   un   funcionario   o   un   estudiante   universitario:   la   calidad   de   su   caligrafía,   el   contenido   de   los   textos  
y   el   uso   del   símbolo   vítor.   Los   contenidos   musicales   del   manuscrito,   con   piezas   procedentes   de  
Castilla  y  Portugal,  refuerzan  la  idea  de  que  estas  hojas  fueron  copiadas  en  Salamanca,  y  la  caligrafía  
de  las  tres  manos  mencionadas  es  propia  de  la  segunda  mitad  del  siglo  XVII.  
  La  motivación  del  copista  de  música  para  escribir  las  cifras  de  violín  parece  haber  sido  su  uso  
personal,   por   varias   razones:   son   copias   de   fragmentos   iniciales   (no   de   piezas   completas),   algunos  
están   escritos   de   manera   descuidada   y   apretada   (ej.   Nº   10)   y   las   anotaciones   sobre   afinación  
evidencian   que   pretendía   recordar   cómo   preparar   el   violín   partiendo   de   sus   conocimientos   previos  
19
 Por  ejemplo,  Quadernillo  de  diferentes  Danzas,  y  Contradanzas  q.[ue]  se  estilan,  demonstradas  por  media  Choregraphia:  en  
10  Laminas  finas,  publicado  por  Pablo  Minguet,  se  anunciaba  por  4  reales  en  la  Gazeta  de  Madrid  el  20-­‐10-­‐1767;  citado  en  
Sustaeta,  1993:  III,  200.  Contenía  diez  láminas  ilustradas,  seguramente  en  tamaño  de  bolsillo  (dieciseisavo),  para  poder  
leerlas  y  bailar  al  mismo  tiempo,  al  igual  que  otras  publicaciones  sobre  danza  de  Minguet  recopiladas  en  el  ejemplar  de  la  
Biblioteca  Nacional  de  España  E-­‐Mn,  R/4203.  
9

sobre   la   guitarra   de   cinco   órdenes.   De   hecho,   esta   fuente   revela   una   conexión   muy   estrecha   entre   el  
repertorio  y  la  notación  para  ambos  instrumentos.  Tres  rasgos  lo  evidencian  claramente.  En  primer  
lugar,  las  instrucciones  sobre  afinación  indican  correctamente  la  correspondencia  estándar  entre  las  
cuerdas  de  los  dos  instrumentos:  
 
Para   saber   templar   la   gitarra   prima,   con   prima.   Igualmente,   segunda   del   violin,   con   quinta   de   la  
gitarra,   igualmente,   tercera   del   violín   con   quarta   de   la   gitarra,   igualmente   quarta   del   violin   con  
tercera  de  gitarra.20  

 
  En   segundo   lugar,   el   uso   del   sistema   de   tablatura   en   lugar   de   la   notación   en   pentagrama   es  
revelador  en  sí:  era  adecuado  para  los  usuarios  habituados  a  los  métodos  de  guitarra  y  no  requería  
conocimientos  de  notación  musical.  Por  último,  el  repertorio  contenido  coincide  parcialmente  con  el  
de  antologías  para  guitarra  de  fecha  próxima,  como  Instrucción  de  música  de  Gaspar  Sanz  (1674)  o  Luz  
y  norte  musical  de  Lucas  Ruiz  de  Ribayaz  (1677).    
  Más  concretamente,  el  repertorio  del  Manuscrito  de  Salamanca  consiste  en  canciones,  bailes  y  
danzas   que   formaban   parte   de   la   tradición   ibérica   del   XVII,   aunque   su   origen   geográfico   inicial   es  
dudoso  en  la  mayoría  de  casos.  Aparecen  bailes  y  danzas  muy  habituales  en  el  teatro  del  Siglo  de  Oro,  
como   la   jácara   (Nº   4),   la   chacona   (Nº   5   y   Nº   9),   la   gallarda   (Nº   10)   y   el   canario   (Nº   8);   junto   a   otros  
menos  frecuentes  como  el  folijón  o  folión  (Nº  1).  Se  trata  mayoritariamente  de  bailes  y  danzas  cuyo  
esquema   musical   se   empleaba   para   variaciones   o   “diferencias”   instrumentales   (como   se   llamaban  
entonces).  Esta    flexibilidad  los  hacía  idóneos  para  acompañar  escenas  o  cambios  de  escena  teatrales  
de   mayor   o   menor   duración,   adaptando   el   número   de   repeticiones.   Teniendo   en   cuenta   que   los  
instrumentos   más   usuales   en   el   teatro   castellano   del   XVII   eran   la   guitarra   y   el   arpa,   cuya   música   se  
solía   escribir   en   cifra,   es   posible   que   este   manuscrito   haya   pertenecido   a   algún   intérprete   de   estos  
instrumentos   familiarizado   con   el   repertorio   teatral,   quizás   incluso   un   miembro   de   una   compañía  
profesional.  21  
  Seguramente  el  copista  de  música,  el  recopilador,  el  intérprete  y  el  poseedor  del  manuscrito  
hayan  sido  una  misma  persona.  El  hecho  de  que  utilizara  el  sistema  de  notación  en  cifra  sugiere  que  
su  propósito  era  simplemente  recordar  cómo  ejecutar  melodías  que  conocía  bien  en  lo  que  respecta  
al  ritmo,  la  armonía  y  el  número  de  repeticiones.  Es  decir,  se  trata  de  un  sistema  de  escritura  rápido,  
con  un  fin  meramente  mnemotécnico.22  No  se  busca  la  precisión  que  podría  aportar  la  notación  en  

20
 Folio  1r,  párrafo  4.  La  primera  cuerda  del  violín  (mi)  se  corresponde  con  la  primera  de  la  guitarra,  la  segunda  (la)  con  la  
quinta  de  la  guitarra,  la  tercera  (re)  con  la  cuarta  y  la  cuarta  (sol)  con  la  tercera,  bien  entendido  que  se  producen  cambios  
de  octava.  Queda  fuera  de  la  explicación  la  segunda  cuerda  de  la  guitarra  (si),  que  no  coincide  con  ninguna  del  violín.  El  
párrafo  escrito  justo  encima  presenta  un  texto  similar,  pero  con  tachones,  como  si  el  copista  dudara  sobre  el  contenido:  
“Para  saber  templar  hase  de  poner  Prima,  con  prima,  igualmente  quinta  [sic]  segunda  del  violín  con  quinta  igualmente,  3ª  
del  violín  puesto  con  4ª  igual,  4ª  del  violín  con  3ª  de  g[u]itarra  igual.”.  
21
 Flórez,  2015.  Véase  la  nota  8.  
22
 Sobre  la  enseñanza  musical  en  la  España  del  siglo  XVII  y  distintos  sistemas  de  notación  abreviada  con  fines  
mnemotécnicos,  véase  Valdivia,  2014.  
10

pentagrama,   mensural   u   ortocrónica.   En   1659,   y   hasta   bien   entrado   el   siglo   XVIII,   en   España  
predominaba   el   sistema   mensural   (de   modo   particularmente   prolongado   con   respecto   a   otros  
países),  mientras  que  la  asimilación  del  nuevo  sistema  ortocrónico,  con  valores  rítmicos  “absolutos”  
(dentro   de   lo   que   la   naturaleza   flexible   de   la   música   permite),   fue   un   proceso   lento   que   estuvo  
directamente   ligado   a   la   introducción   de   los   géneros   modernos   de   música   italiana,   como   la   sonata  
para   violín   y   la   cantata,   y   del   sistema   tonal,   que   fue   sustituyendo   progresivamente   al   modal.   23   Así,   el  
Manuscrito   de   Salamanca   testimonia   la   situación   anterior   al   cambio   profundo   que   supuso   la  
introducción   de   esos   nuevos   géneros   italianos,   los   cuales,   además,   impulsaron   un   nuevo   uso  
idiomático  del  violín.  
  Las   tablaturas   de   esta   fuente   son   muy   esquemáticas,   pues   solamente   representan   las  
digitaciones,   sin   aportar   apenas   información   rítmica,   más   allá   de   las   líneas   verticales   que   separan  
algunas   de   las   diferencias.   El   sistema   empleado   adapta   los   principios   básicos   de   las   cifras   para  
guitarra,   con   la   primera   cuerda   representada   en   la   línea   inferior   y   las   siguientes   superpuestas   en  
paralelo  hacia  arriba.  Los  números  utilizados,  del  0  al  4,  se  corresponden  con  la  digitación  del  violín:  
cuerda   al   aire   (0),   dedo   índice   (1),   corazón   (2),   anular   (3)   y   meñique   (4).   Al   ser   un   instrumento   sin  
trastes,   no   se   están   representando   alturas   absolutas,   sino   sólo   el   “nombre”   de   las   notas,   sin   que   sea  
inmediato   deducir   si   son   naturales   o   alteradas.   Por   ello,   se   hace   necesario   averiguar   el   modo   o  
tonalidad  y  el  esquema  armónico  de  cada  pieza  para  realizar  una  transcripción.  
  En   España,   las   cifras   para   violín   conocidas   son   muy   escasas   y   más   tardías.   De   las   fuentes  
castellanas,  por  ahora  la  más  próxima  cronológicamente  es  casi  cien  años  posterior:  el  método  para  
diferentes   instrumentos   Reglas   y   advertencias   generales   de   Pablo   Minguet   (Madrid,   ca.   1754).24   El  
fascículo  sexto,  que  constituye  el  primer  tratado  didáctico  para  violín  impreso  en  castellano,  incluye  
dos   páginas   de   láminas   con   cifras   mucho   más   completas   que   las   del   Manuscrito   de   Salamanca:   se  
ayuda   al   usuario   presentando   en   paralelo   la   tablatura   y   el   pentagrama,   el   cual   resuelve   las   dudas  
sobre  notas  naturales  o  alteradas.  Minguet  indica  incluso  las  direcciones  del  arco,  abajo  y  arriba.  Otra  
fuente  española  con  cifras  para  violín,  pero  procedente  del  ámbito  mediterráneo,  es  el  cuaderno  de  
danzas  que  perteneció  al  Marqués  de  Bellpuig,  de  la  familia  mallorquina  Damato  (E-­‐Bc,  Mus.  3658).  
Contiene   piezas   para   guitarra,   violín,   “mandola”   (mandolina)   y   archilaúd.   Las   tablaturas   para   violín  
tienen  cuatro  líneas,  aunque  el  copista  utilizó  hojas  “pautadas”  con  cinco  líneas,  como  en  las  cifras  de  
guitarra.   Las   piezas   para   violín   son   dieciséis   y   responden   a   las   siguientes   tipologías:   chacona,  
españoleta,   canario,   marizápalos,   jácara,   tudesco,   pavana,   zarabanda,   burguesa   y   canción   (incipit  
“Para  ti  será  todo”).  Curiosamente,  en  todas  ellas  se  emplea  la  scordatura  sol-­‐re’-­‐la’-­‐re’’,  afinando  la  
primera  cuerda  un  tono  más  abajo  de  lo  habitual.  A  juzgar  por  el  tipo  de  notación  y  el  repertorio,  que  
es   predominantemente   español,   con   ausencia   de   las   danzas   francesas   generalizadas   en   las   fuentes  

23
 Ambas  cuestiones,  aplicadas  al  caso  de  Castilla,  son  estudiadas  con  detalle  en  Torrente,  2014b.  
24
 Existen  varios  ejemplares  en  la  Biblioteca  Nacional  de  España,  como  E-­‐Mn,  M/894,  reproducido  en  Biblioteca  Digital  
Hispánica,  cit.,  bdh0000161188.  El  privilegio  de  impresión  está  fechado  en  1752,  pero  en  las  portadas  de  los  fascículos  la  
fecha  más  antigua  es  1754.  
11

españolas   a   partir   de   1700   (minuet,   bourrée,   etc.),   se   puede   fechar   provisionalmente   este   manuscrito  
a  finales  del  siglo  XVII.25  
  Fuera   de   España,   el   uso   de   tablaturas   para   violín   con   números   es   relativamente   habitual   en  
colecciones  de  danzas  copiadas  en  Italia  desde  comienzos  del  siglo  XVII,  y  este  sistema  fue  exportado  
rápidamente  a  otros  lugares  como  Alemania  y  Francia.  Esses  da  noticia  de  cinco  de  estas  colecciones,  
fechables   entre   1613   y   1650   y   conservadas   actualmente   en   dos   manuscritos   en   Núremberg,   uno   en  
Zagreb  y  uno  en  Bolonia,  así  como  en  la  edición  impresa  Il  scolare  di  Gasparo  Zannetti  per  imparar  a  
suonare  di  violino  (Milán  1645).  Zannetti  anunciaba  en  la  portada,  como  reclamo  comercial,  el  sistema  
de   “intavolatura   de   numeri   non   più   datti   alla   stampa”   (tablatura   de   números   no   antes   dada   a   la  
imprenta).26   En   realidad,   para   entonces   dicho   sistema   ya   llevaba   décadas   utilizándose,   tanto   en   Italia  
como   en   Francia.   Prueba   de   ello   es   un   breve   manuscrito   procedente   del   Sur   de   Francia   y   datado   a  
principios   del   siglo   XVII,   el   cual   contiene   danzas   en   tablatura   italiana   con   números,   y   no   con   letras  
como  las  francesas.27    
  En   cuanto   a   la   convivencia   de   menciones   a   la   guitarra   y   al   violín,   detectada   tanto   en   el  
Manuscrito   de   Salamanca   como   en   el   del   Marqués   de   Bellpuig,   también   se   da   en   fuentes   italianas   del  
XVII.   Así   lo   evidencia   el   Manuscrito   Musical   116   de   la   Biblioteca   Nazionale   Centrale   de   Florencia,   un  
cancionero   que   contiene   un   repertorio   variado   (passacaglia,   balletti,   minuetto,   canario,   spagnoletta,  
gran  duca,  etc.)  con  acompañamientos  para  guitarra  escritos  en  alfabeto.  Incluye  numerosos  poemas  
en   dialecto   siciliano,   algo   habitual   en   cancioneros   italianos   contemporáneos,   por   lo   que   no   es   un  
signo   claro   de   procedencia   geográfica.   Uno   de   ellos   está   fechado   en   1681,   año   que,   a   juzgar   por   el  
tipo   de   notación   y   el   repertorio,   puede   ser   tomado   como   fecha   provisional   hasta   que   se   haga   un  
estudio   profundo   de   la   fuente.28   Algunas   de   las   piezas   están   escritas   en   tablatura   para   violín   sin  
indicaciones   rítmicas,   pero   sí   armónicas,   pues   el   copista   especificó   con   qué   acorde   de   base   se   tocaba  
cada  melodía  (ej.  Canario  sopra  E,  f.  113r).  En  algunas  páginas  se  explica  la  correspondencia  de  notas  
entre  el  violín  y  la  guitarra  partiendo  del  sistema  de  alfabeto.29  En  definitiva,  las  similitudes  entre  el  
manuscrito   salmantino   y   las   fuentes   italianas   de   “intavolatura”   no   dejan   lugar   a   dudas   sobre   la  
simultaneidad  de  repertorios  y  prácticas  musicales  a  ambos  lados  del  Mediterráneo.  
 

25
 Breve  mención  en  Yakeley,  1996:  “E-­‐Bc,  Mus.  3658.  Music  ms.  single  volume.  Various  intabulations  for  violine,  mandola,  
guitarra.  Italian  tablature  and  alfabeto  for  guitarra.  Late  17th  c./  early  18th".  Un  breve  estudio  global  del  manuscrito,  que  
llama  la  atención  sobre  la  presencia  de  una  pieza  para  archilaúd,  aparece  en  Valdivia,  2006.  Incluye  la  lista  de  piezas  para  
violín  y  la  transcripción  de  la  “Sarabanda”  del  f.  36r  (p.  10).  Valdivia  propone  datarlo  a  finales  del  siglo  XVII  basándose  en  
el  repertorio.  He  podido  examinar  fotos  de  este  manuscrito,  cuya  notación  y  caligrafía  son  verosímilmente  de  esos  años.  
26
 N-­‐gm,  Ms.  14976  M.  272  y  Ms.  33748  M.  271;  Z-­‐aa,  Ms  Ia.44,  ff.  98r-­‐99r;  I-­‐Bc,  Ms.  AA/360;  Zanetti,  1645  (edición  facsímil  de  
Archivum  Musicum,  Florencia,  1984).  Fuentes  citadas  en  Esses,  1992-­‐94:  I,  333.  Sobre  las  fuentes  de  Núremberg,  véase  
Tschernitschegg,  1930;  sobre  otras  tablaturas,  véase  Rônez,  2012,  vol.  II.  
27
 Manuscrito  en  F-­‐Pn,  R6s.  Vmb.  ms.  5;  comentado  en  Lesure,  1954:  53.  
28
 I-­‐Fn,  Mus.  Mss.  116;  descrito  brevemente  en  Bartoli  Bacherini,  2002.  Para  este  estudio  han  sido  examinadas  fotografías  
de  este  manuscrito.  
29
 Un  ejemplo  es  la  sección  “Per  sapere  le  lettere  della  chitarra  dove  stanno  al  violino”  (Para  saber  dónde  están  las  letras  
de  la  guitarra  en  el  violín,  f.  119v).  
12

II.  La  música  del  Manuscrito  de  Salamanca:  una  propuesta  

  El   Manuscrito   de   Salamanca   contiene   diez   melodías   de   tipologías   que   no   pueden   ser  
consideradas   exclusivamente   musicales,   sino   más   bien   manifestaciones   artísticas   poliédricas   que  
integraban   la   práctica   totalidad   de   las   artes   performativas:   poesía,   canto,   música   instrumental,  
movimiento   coreográfico   (“baile”   o   “danza”)   e   incluso,   en   determinados   contextos   de  
interpretación,   una   puesta   en   escena   teatral   con   el   consiguiente   aparato   visual   de   vestuario   y  
decorados.   En   consecuencia,   para   re-­‐construir   o   re-­‐crear   estas   manifestaciones     artísticas  
“integrales”   se   hace   necesario   contrastar   fuentes   heterogéneas   y   complementarias   entre   sí,   tanto  
musicales  como  literarias  e  iconográficas.    
  Se  puede  suponer  que  las  melodías  de  este  manuscrito  se  tocaban  con  violín  acompañado  de  
guitarra  y,  en  algunos  casos,  también  de  canto.  Las  dos  razones  principales  que  apoyan  esta  hipótesis  
son  los  vínculos  con  la  guitarra  comentados  en  el  apartado  anterior  y  el  hecho  de  que  el  título  de  la  
pieza   Nº   6   sea   un   íncipit   textual.   Por   ello,   la   reconstrucción   musical   ofrecida   en   las   siguientes   páginas  
se  basa  tanto  en  fuentes  de  música  instrumental  como  en  fuentes  poéticas  y  dramáticas.  En  ausencia  
de   estudios   detallados   sobre   fuentes   castellanas   contemporáneas   con   música   para   violín,   se   ha  
recurrido   a   manuscritos   e   impresos   para   guitarra,   arpa   e   instrumentos   de   teclado.30   En   cuanto   a  
fuentes   literarias,   se   han   seleccionado   aquellas   vinculadas   directamente   con   los   bailes   y   danzas  
mencionados  en  los  títulos  de  las  piezas:  folijón  (Nº  1),  morisca  (Nº  2),  ruggiero  (Nº  3),  jácara  (Nº  4),  
chacona  (castellana,  Nº  5,  y  portuguesa,  Nº  9),  zarambeque  (Nº  7),  canario  (Nº  8)  y  gallarda  (Nº  10).  
Las   fuentes   consultadas   son   predominantemente   de   la   segunda   mitad   del   siglo   XVII,   recurriendo  
siempre   que   ha   sido   posible   a   fuentes   de   fecha   próxima   a   1659.   Algunas   de   las   recopilaciones   más  
útiles  han  sido  las  antologías  para  guitarra  de  Sanz  (1674),  Ribayaz  (1677)  y  Guerau  (1694),  copiadas  
en  cifra.31  En  cuanto  a  ejemplos  vocales,  las  melodías  de  bailes  cantados  copiadas  en  pentagrama  en  
el  siglo  XVII  y  localizadas  hasta  2016  se  reducían,  según  Álvaro  Torrente,  a  “apenas  dos  jácaras,  una  
chacona,  un  zarambeque  y  una  versión  de  marizápalos.”32  Este  dato  da  una  idea  de  la  gran  relevancia  
histórica  del  manuscrito  salmantino.  
  El   origen   geográfico   de   la   mayoría   de   los   bailes   y   danzas   representados   en   esta   pequeña  
recopilación  es  dudoso,  aunque  existe  consenso  en  la  literatura  musicológica  en  asociar  el  folijón  con  
Portugal,   el   ruggiero   con   Italia,   la   jácara   y   el   canario   con   España   y   el   zarambeque   con   los   esclavos  

30
 La  fuente  castellana  con  música  para  violín  más  próxima  en  el  tiempo  conocida  por  ahora  es  el  Manuscrito  Gusarañas  
(Real  Academia  Española,  Fondo  Rodríguez  Moñino,  RM-­‐9322),  aún  pendiente  de  un  estudio  y  transcripción  completos  
que  permitan  tomarlo  como  referencia.  Seguramente  fue  copiado  en  Madrid  hacia  1680-­‐1700,  como  se  argumento  en  el  
primer  estudio  global  del  manuscrito,  que  aparece  en  Lombardía,  2015.  Este  estudio  incluye  la  contextualización  del  
manuscrito,  la  descripción  de  sus  contenidos  y  la  edición  crítica  de  dos  series  de  piezas  (pavanas  y  sonadas).  
Posteriormente  Jesús  Fernández  Baena  (grupo  musical  La  Galanía)  y  Iago  Mejuto  (Real  Conservatorio  Superior  de  Música  
de  Madrid)  han  realizado  transcripciones  musicales  parciales,  por  ahora  inéditas.  En  2019  este  manuscrito  será  objeto  de  
un  estudio  pormenorizado  gracias  a  una  Berenson  Fellowship  concedida  a  Ana  Lombardía  por  Harvard  University’s  Villa  I  
Tatti.  
31
 Sanz,  1674;  Ruiz  de  Ribayaz,  1677;  Guerau,  1694;  transcripciones  en  Esses,  1992-­‐94:  II.  
32
 Torrente,  2016:  218.  
13

africanos   que   trabajaban   en   las   colonias   iberoamericanas.33   El   propio   manuscrito   hace   referencia   a   la  
coexistencia  de  música  de  Castilla  y  Portugal  en  los  títulos  de  la  Chacona  castellana  (Nº  5)  y  la  Chacona  
portuguesa   (Nº   9),   lo   cual   parece   lógico   teniendo   en   cuenta   la   ubicación   geográfica   de   Salamanca,  
centro  de  cultura  próximo  a  las  ciudades  del  norte  luso,  como  Coimbra  y  Braga,  así  como  a  la  capital  
castellana,  Madrid.  Por  ello,  se  justifica  la  comparación  de  esta  fuente  con  otras  procedentes  de  los  
lugares  mencionados.  Viene  a  colación  recordar  los  comentarios  que  hacía  Esquivel  en  1642  sobre  la  
elevada  movilidad  de  los  maestros  de  danza  en  la  Península  Ibérica,  lo  cual  permite  suponer  que  la  
música  bailable  también  habría  circulado  rápidamente.34    
  A   continuación   se   propone   una   interpretación   de   cada   una   de   las   diez   tablaturas   del  
Manuscrito   de   Salamanca,   por   orden   de   aparición   en   la   fuente,   argumentando   los   criterios   para   su  
transcripción.   Como   se   ha   mencionado,   la   notación   es   muy   esquemática,   recogiendo   solamente   las  
digitaciones   y   las   divisiones   de   fraseo   entre   los   distintos   módulos   y/o   diferencias.   Estas   divisiones  
están   representadas   con   líneas   verticales   (que   no   son,   por   tanto,   líneas   divisorias   de   compás,   ni  
coinciden  necesariamente  con  éstas  en  la  transcripción).  Dado  que  la  mayoría  de  los  bailes  y  danzas  
recogidos  en  el  manuscrito  eran  objeto  de  un  número  flexible  de  diferencias,  se  puede  suponer  que  
estas  no  son  melodías  completas,  sino  simplemente  fragmentos  iniciales  que  continuarían  con  otras  
diferencias  instrumentales  y,  en  su  caso,  otros  versos  cantados.  Además,  teniendo  en  cuenta  que  el  
copista   no   poseía   grandes   conocimientos   de   técnica   violinística   o   lenguaje   musical   (como  
demuestran   los   párrafos   sobre   afinación   y   el   propio   uso   de   tablaturas),   se   puede   asumir   que   las  
digitaciones  del  violín  emplean  solamente  la  primera  posición  de  la  mano  izquierda.  Seguramente  el  
copista,  como  otros  músicos  del  ámbito  popular,  tampoco  tuviera  conocimientos  de  contrapunto.  A  
este  respecto,  lo  más  probable  es  que  en  el  repertorio  popular  no  se  siguieran  las  normas  recogidas  
por  los  teóricos  de  la  época.  Por  ello,  no  resulta  sorprendente  que  en  estos  ejemplos  se  den  varios  
casos  de  quintas  y  octavas  paralelas  entre  el  bajo  y  el  violín.  En  la  transcripción  se  emplean  criterios  
editoriales  y  símbolos  uniformes.35  

33
 Algunas  referencias  básicas  sobre  los  bailes  y  danzas  practicados  en  la  Península  Ibérica  durante  el  siglo  XVII  son  Esses,  
1992-­‐94;  Russell,  1995;  Gándara,  2009;  Budasz,  2001;  Valdivia,  2015;  Torrente,  2016:  215-­‐32.  
34
 Esquivel  relata  que  había  trabajado  como  maestro  de  danza  en  Madrid  antes  de  trasladarse  a  Sevilla  en  1637:  “[…]  Y  
assi  yo,  el  año  de  treinta  y  siete,  recien  venido  de  la  Corte  a  esta  Ciudad  [de  Sevilla]  […]”;  en  Esquivel,  1642,  f.  43r.  Incluye  
dos  listados  de  “Maestros  [de  danza]  que  hoy  hay  en  Madrid”  (ff.  46v-­‐47r)  y  “Más  Maestros  de  Madrid”  (f.  47r)  que  en  
realidad  mencionan  también  a  profesionales  activos  en  otras  ciudades,  como  Alcalá  de  Henares,  Toledo,  Málaga  y  Cádiz.  
Precisamente  Esquivel  menciona  tres  sones  presentes  en  el  Manuscrito  de  Salamanca  que,  aunque  inicialmente  se  
consideraban  “bailes”  populares,  adquirieron  tal  aceptación  que  llegaron  a  ser  integrados  en  las  escuelas  de  “danza”  
cortesana:  la  chacona,  la  jácara  y  el  canario  (f.  30v).  Véase  un  estudio  completo  sobre  el  tratado  de  Esquivel  en  Brooks,  
2003.  
35
 Criterios  editoriales  de  los  ejemplos  musicales:  Para  la  elección  de  compases,  se  ha  optado  por  aquellos  más  comunes  y  
de  lectura  más  fácil  en  la  notación  actual.  Todos  los  añadidos  editoriales  están  diferenciados  gráficamente:  los  bajos  en  
tamaño  pequeño,  las  líneas  divisorias  con  trazo  discontinuo,  y  las  armaduras,  signos  de  compás,  notas  y  cualquier  otro  
símbolo  añadido  entre  corchetes.  Las  líneas  divisorias  y  dobles  barras  continuas  reproducen  las  líneas  verticales  del  
manuscrito.  En  el  final  de  cada  ejemplo,  se  ha  optado  por  utilizar  doble  barra,  pero  es  de  suponer  que  la  música  
continuaría  con  otras  diferencias  sobre  el  bajo  correspondiente.  La  línea  del  bajo,  salvo  indicación  contraria,  representa  
las  notas  fundamentales  de  cada  acorde,  no  necesariamente  la  más  grave  (se  podrían  tocar  los  acordes  en  distintas  
inversiones).  Leyenda:  Vn.=  Violín;  B.=  Bajo;  *=  lugares  donde,  en  el  manuscrito,  se  sitúan  líneas  verticales  no  mantenidas  
en  la  transcripción;  !=  notas  o  acordes  modificados  con  respecto  al  manuscrito  o  al  modelo  armónico  seleccionado.  
14

  Nº  1.  Foligones  [Folijones,  Foliones]  

  El  “folijón”  o  “folión”  es  un  baile  cantado  de  origen  portugués  emparentado  con  la  folía.  Su  
existencia  se  conoce  a  través  de  obras  dramáticas  como  las  mojigangas.  Fue  identificado  por  Emilio  
Cotarelo:  “Folión  (Baile).  En  la  mojiganga  de  este  título  (hacia  1660),  se  declara  su  origen  portugués”.  
36
 Dicha  obra,  de  la  cual  Cotarelo  cita  algunos  versos  sin  especificar  el  autor,  es  la  Mojiganga  del  Folión  
(¿Madrid?,  ca.  1662)  de  Juan  Matos  Fragoso,  publicada  por  Catalina  Buezo.37  El  título  hace  referencia  
al  baile  con  el  que  finaliza  la  obra,  cantado  en  una  especie  de  portugués:  “Si  vos,  miña  may/  pelejáis  
conmigo…”.38   En   este   punto   los   actores   no   sólo   cantan,   sino   que   también   tocan   instrumentos   de  
percusión  (sonajas,  tambor  y  pandero)  y  bailan  sin  descanso  hasta  “hacerse  rajas”.  Buezo  identifica  
varios   ejemplos   de   “folijón”   o   “folión”   cantado   y   bailado   por   personajes   portugueses   en   otras  
mojigangas   españolas   de   fecha   cercana.39   Otro   sinónimo   es   seguramente   “enfolijadita”,   que   aparece  
en  la  obra  anónima  de  Navidad  II  Nocturno,  Villancico  V  (Toledo,  1653),  cuando  unos  “negros”  bailan  
“la  chacona  y  la  zalabanda  [sic],  y  la  enfolijadita  de  Portugal.”40    
  La   definición   más   antigua   de   “folijones”   es   la   del   Diccionario   de   Autoridades,   de   1732:   “El  
tañido  llamado  folias  [sic],  tocado  sin  orden  ni  concierto”.41  Se  mantiene  inalterada  en  los  diccionarios  
de  la  Real  Academia  Española  hasta  el  de  1791,  que  aporta  algunos  datos  más:  “Folijones:  Son  y  danza  
que  se  usaba  en  Castilla  la  Vieja  con  arpa,  guitarra,  violín,  tamboril  y  castañuelas”.42  Esta  descripción  
encaja   perfectamente   con   el   ejemplo   musical   del   Manuscrito   de   Salamanca,   de   origen   castellano   y  
vinculado  a  la  guitarra,  lo  cual  parece  indicar  que  dichas  prácticas  existían  ya  más  de  un  siglo  antes.  En  
el   actual   estado   de   la   investigación,   este   parece   ser   el   único   fragmento   musical   conocido   de  
“folijones”.  De  hecho,  no  aparece  ningún  ejemplo  musical  con  este  título  en  las  fuentes  estudiadas  
sobre   la   guitarra   de   cinco   órdenes   en   Portugal   y   España,   o   sobre   la   folía   y   sus   variantes.43   Salinas  
(1577)  y  Covarrubias  (1611)  hacían  referencia  al  origen  portugués  de  la  folía,  lo  cual  podría  ser  cierto  
para  el  esquema  musical  de  la  primera  de  las  tres  etapas  definidas  por  Hudson  (hasta  ca.  1600).  Sin  
embargo,   el   ejemplo   de   Salamanca   data   del   periodo   de   convivencia   de   los   esquema   que   Hudson  

36
 Cotarelo,  1911:  ccxlvi.  
37
 Autógrafo  en  Biblioteca  Nacional  de  España  (E-­‐Mn,  Ms.  16505);  cit.  Buezo  (ed.),  1993-­‐2005:  II,  29.  Descripción  y  edición  
crítica  de  la  obra  en  Buezo  (ed.),  1993-­‐2005:  II,  467-­‐73,  donde  se  sugiere  la  fecha  ca.  1662  basándose  en  circunstancias  de  
los  actores  mencionados  en  la  fuente.  Probablemente  la  obra  fue  escrita  en  Madrid,  donde  solían  actuar  las  compañías  de  
Diego  de  Osorio  y  Pedro  de  la  Rosa  (mencionados  en  el  manuscrito),  según  González,  2010  
38
 Edición  crítica  en  Buezo  (ed.),  1993-­‐2005:  II,  467-­‐73  (ver  p.  472,  versos  103-­‐116).  
39
 Se  baila  el  folión  en  La  manzana  (Francisco  Antonio  de  Monteser,  ca.  1668)  y  Los  alcaldes  (Manuel  León  Merchante,  ca.  
1680).  Ver  Buezo  (ed.),  1993-­‐2005:  I,  346-­‐47;  ediciones  en  Id.:  II,  322-­‐36  y  403-­‐14.  
40
 Buezo  (ed.),  1993-­‐2005:  II,  283-­‐87  (cita  en  la  p.  285).  
41
 Real  Academia  Española,  Diccionario  de  la  lengua  castellana,  Madrid,  1732:  773.  
42
 Real  Academia  Española,  Diccionario  de  la  lengua  castellana,  Madrid,  1791:  431.  
43
 Sobre  la  guitarra  de  cinco  órdenes  en  Portugal  y  Brasil,  véase  Budasz,  2001.  Sobre  España,  véase  Esses,  1992-­‐94.  Sobre  la  
folía,  véanse  Hudson,  1982  (estudio  global);  Fiorentino,  2013  (primera  etapa,  s.  XVI).  
15

denomina   “folía   temprana”   (ca.   1600   –   ca.   1670)   y   “folía   tardía”   (desde   ca.   1670),   los   cuales   suelen  
asociarse  en  las  fuentes  de  la  época  respectivamente  a  España  e  Italia.44  
  Para   realizar   esta   transcripción,   se   ha   recurrido   a   los   patrones   armónicos   y   células   rítmicas  
predominantes  en  los  ejemplos  de  folía  para  guitarra  de  fuentes  ibéricas  cronológicamente  próximas,  
en  concreto  dos  de  Sanz  (1674),  dos  de  Ruiz  de  Ribayaz  (1677)  y  uno  de  Guerau  (1694).45  Todos  están  
en  Re  menor  y  emplean  una  estructura  de  16  compases.46  Predomina  el  esquema  de  “folía  tardía”,  
con   la   única   excepción   del   ejemplo   de   Ribayaz,   que   emplea   el   esquema   de   “folía   temprana”.   En  
cuanto   a   células   rítmicas,   en   los   cinco   ejemplos   se   utilizan   recurrentemente   las   siguientes,   en   3/4:  
blanca   con   puntillo,   blanca-­‐negra,   tres   negras,   negra   con   puntillo-­‐tres   corcheas   y   negra-­‐cuatro  
corcheas.  El  fragmento  de  Salamanca,  sin  líneas  verticales,  refleja  claramente  una  frase  musical  cuyo  
centro   tonal   es   re,   asumiendo   que   el   violinista   emplea   solamente   la   primera   posición   de   la   mano  
izquierda.   Se   repiten   varias   veces   consecutivas   las   notas   fa   al   inicio   (apropiado   sobre   el   acorde   de  
tónica),   sol   (apropiado   sobre   el   acorde   de   séptimo   grado)   y   la   (dominante),   antes   de   finalizar   con   un  
giro   cadencial   re-­‐mi-­‐do   [sostenido]-­‐re.   Esta   melodía   encaja   con   el   esquema   de   “folía   tardía”,  
utilizando   las   tres   células   rítmicas   más   recurrentes   en   los   ejemplos   mencionados.   Dado   que   hay   26  
notas  para  16  compases,  el  resultado  es  un  tanto  estático,  especialmente  en  la  segunda  mitad,  donde  
abundan   las   blancas   con   puntillo.   Es   posible   que   el   copista   omitiera   algunos   números   de   digitación   al  
realizar  la  transcripción,  pero  en  ausencia  de  otros  ejemplos  melódicos  de  folijones  contemporáneos,  
no  se  puede  afirmar  con  seguridad.  
 
 
 
 
 
 

44
 Otra  denominación  que  alude  al  el  Noroeste  de  la  Península  Ibérica  es  “folía  gallega”,  que  emplea  Santiago  de  Murcia  
en  un  ejemplo  del  Códice  Saldívar  nº  4  (ca.  1732),  editada  en  Russell,  1995:  II,  198-­‐201.  No  parece  tener  relación  con  
Portugal,  sino  más  bien  con  la  “gaita”  o  “gaita  gallega”,  caracterizada  por  notas  pedal  equivalentes  al  bordón  de  una  
gaita,  como  en  las  “folías  agaitadas”  de  Fernández  de  Huete,  1702:  lámina  11  (transcripción  en  Esses,  1992-­‐94:  II,  D124).  
45
 Sanz,  1674:  18r  (transcripción  en  Esses,  1992-­‐94:  II,  D110)  y  40r  (Id.,  D117);  Ruiz  de  Ribayaz,  1677:  66  (Id.,  D111)  y  112-­‐14  (Id.,  
D123);  Guerau  1694:  51r-­‐53r  (Id.,  D118).  En  cuanto  a  fuentes  portuguesas,  los  ejemplos  conocidos  para  guitarra  y  teclado  
han  sido  fechados  después  de  1700.  Para  guitarra  hay  ejemplos  que  responden  al  esquema  “folía  tardía”  en  el  Códice  de  
Coimbra  (principios  del  s.  XVIII)  y  el  manuscrito  del  Conde  de  Redondo  (mediados  del  s.  XVIII);  ver  Budasz,  2001:  80,  106-­‐
108  y  402-­‐404.  Para  teclado  hay  ejemplos  del  mismo  esquema  en  manuscritos  conservados  en  Oporto  (P-­‐Pm  Ms.  1577  Loc.  
B,  5;  ca.  1712)  y  Braga  (P-­‐B  Ms.  964;  ca.  1720);  ver  Esses,  1992-­‐94:  I,  265-­‐71;  Id.,  II,  D135  y  D137.  Tampoco  aparece  el  folijón  en  
estudios  sobre  el  siglo  XVIII  portugués,  como  Budasz,  2011.  
46
 En  los  ejemplos  castellanos  conocidos  de  folías  del  siglo  XVI  también  se  emplea  la  estructura  de  16  compases,  
correspondiéndose  con  cada  estrofa  cantada  de  cuatro  versos  octosílabos  o  heptasílabos.  Asimismo,  en  las  melodías  
abunda  la  célula  blanca-­‐negra  (dos  notas  por  compás,  favoreciendo  que  encaje  la  estructura  poética  mencionada).  Véase  
Fiorentino,  2013:  36-­‐39  (esquemas  extraídos  del  Cancionero  de  Palacio),  150-­‐53  (esquema  de  “folía  temprana”  
instrumental).  
16

Ej.  1:  Foligones  [Folijones,  Foliones].  (Imagen:  Biblioteca  Nacional  de  España,  M/2618).  

 
  Nº  2.  Morisqua  [Morisca]  
  La   “morisca”   o   “moresca”   (como   se   denominaba   en   la   mayoría   de   países)   era   una   danza  
teatral,  empleada  al  menos  desde  el  siglo  XVI  en  escenas  bélicas  entre  “moros”  y  cristianos.47  En  las  
fuentes   musicales   ibéricas   del   XVII,   los   ejemplos   conocidos   son   muy   excepcionales.   Sin   embargo,  
algunos   manuscritos   de   otras   procedencias   han   permitido   completar   la   información   musical  
suficiente  para  proponer  algunas  reconstrucciones,  como  las  de  Francisco  Valdivia.48  Según  Valdivia,  
la  fuente  ibérica  más  antigua  de  la  morisca  es  “Dança  o  entrada  de  sarao  español”  de  Briceño  (1626),  
que  aporta  el  texto  lírico  y  los  acordes  del  acompañamiento  en  cifra:  i-­‐VII-­‐III-­‐VII-­‐III-­‐VII-­‐III-­‐VIb-­‐VII-­‐III  |  III-­‐
VII-­‐i-­‐iv-­‐V-­‐i-­‐iv-­‐V-­‐I.49   En   la   Biblioteca   Nacional   de   Francia   se   conserva   otra   versión   ligeramente   diferente,  
copiada   en   tablatura   con   ritmo   de   rasgueado   (F-­‐Pn,   Ms   Rés   1402).   Su   secuencia   armónica   un   poco  
más  extensa,  aunque  omite  el  VI  grado,  cosa  que  también  ocurre  en  el  Códice  Saldivar  4  de  Santiago  
de  Murcia   (ca.  1732).  En  cuanto  al  ritmo,  en  compás  ternario  (se  puede  transcribir  en  3/4)  se  alternan  
insistentemente   dos   motivos,   uno   punteado   (negra   con   puntillo-­‐corchea-­‐negra)   y   otro   yámbico  
(negra-­‐blanca).  Combinando  estas  dos  fuentes,  Valdivia  propone  una  reconstrucción  de  la  morisca  en  
dos  frases  de  diez  compases  cada  una,  la  primera  en  Fa  Mayor  (grado  III  de  Re  menor)  y  la  segunda  
en   Re   menor   (centro   tonal   principal).   Dos   elementos   de   esta   trascripción   parecen   especialmente  

47
 Sutton,  Julia,  ‘Moresca  [morisca]’,  Grove  Music  Online.  
48
 Valdivia,  2015:  227-­‐29.  
49
 Briceño,  1626:  f.  13v;  comentario  y  reconstrucción  en  Valdivia,  2015:  227-­‐29.  
17

apropiados   para   escenas   teatrales   bélicas:   los   ritmos   punteados   y   los   saltos   de   cuarta   asignados   al  
bajo  (fa-­‐do),  a  modo  de  fanfarria.50  
  Otros  ejemplos  musicales  de  moriscas  del  XVII  están  en  Re  Mayor.  Es  el  caso  de  la  que  aparece  
en  el  Manuscrito  M-­‐471  de  Braga  (1690-­‐1704),  concretamente  en  el  Balle  de  las  danças  (I,  ff.  273-­‐77),  
pieza   teatral   donde   son   personificados,   entre   otros,   tres   bailes   que   aparecen   en   el   Manuscrito   de  
Salamanca:  la  morisca,  la  chacona  y  el  zarambeque.51  Junto  al  texto  (“Morisca  cantando  y  dançando:  
La  morisca  lleva  las  palmas/  bien  lo  saben  bayles  y  danças”)  está  copiado  un  “guião”  (guión)  para  el  
acompañamiento  musical.  Es  un  esquema  de  nueve  pulsos  en  Re  Mayor,  en  ritmo  ternario  con  una  
hemiola,   sobre   la   armonía   I-­‐V-­‐IV-­‐V-­‐I.   Dentro   de   la   música   culta   de   Francia   e   Italia,   las   morescas  
conocidas  del  XVII  también  están  en  compás  ternario  y  modo  mayor,  como  las  de  Monteverdi  (1607),  
Praetorius   (1612)   y   Mersenne   (1636-­‐37).52   Estos   ejemplos   comparten,   además,   la   insistencia   en   la  
mencionada   célula   rítmica   punteada   (negra   con   puntillo-­‐corchea-­‐negra),   pero   la   célula   yámbica   se  
sustituye   por   una   trocaica   (blanca-­‐negra).   Por   otra   parte,   se   conoce   un   ejemplo   de   finales   del   siglo  
XVI  en  compás  binario,  recogido  por  Arbeau  (1588).  
  La   cifra   de   violín   de   Salamanca   fue   transcrita   por   Esses   en   compás   binario,   lo   cual   no   se  
justifica  para  la  época  del  manuscrito.  Además,  Esses  no  partía  de  la  fuente,  sino  de  la  copia  realizada  
por   Pennington,   que   presenta   varios   defectos:   omite   las   notas   10   y   15   (fa)   y   escribe,   como   último  
número,   un   3   en   la   primera   cuerda   (la)   en   lugar   de   la   segunda   (re),   lo   cual   tiene   consecuencias   de  
peso   en   la   sensación   tonal.   Por   ello,   se   hace   necesaria   una   nueva   transcripción.   La   cifra   salmantina  
contiene   varias   líneas   verticales   después   de   las   notas   do   (dedo   2   en   la   segunda   cuerda),   fa   (1   en   la  
primera   cuerda)   y   re   (3   en   la   segunda   cuerda),   lo   cual   coincide   con   los   puntos   principales   de   la  
secuencia   armónica   de   Briceño,   en   compás   ternario   y   Re   menor.   En   cuanto   a   la   melodía,   las  
digitaciones   del   manuscrito   salmantino   indican   la   insistencia,   en   la   primera   frase,   en   los   saltos   de  
cuarta   (fa-­‐do),   igual   que   en   la   reconstrucción   de   Valdivia.   Por   ello,   parece   razonable   basar   esta  
transcripción   en   el   modelo   de   Briceño,   aunque   ello   requiere   adaptar   ligeramente   la   secuencia  
armónica,   omitiendo   el   acorde   de   tónica   inicial   y   el   de   sexto   grado,   como   ocurre   en   otras   fuentes  
mencionadas  (Ej.  2).  
 
 
   

50
 Otra  reconstrucción  ligeramente  distinta,  que  se  basa  en  los  dos  mismos  motivos  rítmicos,  se  propone  en  García,  2015:  
27-­‐29.  
51
 P-­‐BRd,  M-­‐471,  recopilado  por  Felipe  Jacome  de  Sousa  entre  1690  y  1704.  Es  una  fuente  muy  relevante  sobre  el  teatro  
breve  y  su  música  en  el  norte  de  Portugal,  pues  incluye  notación  musical  para  42  de  los  67  “bailes”  teatrales  que  contiene.  
Véase  un  estudio  completo  en  Gándara,  2009.  Sobre  el  Balle  de  las  danças  véanse  las  pp.  75-­‐76  (comentario),  393-­‐98  
(edición  filológica)  y  768-­‐76  (edición  musical).  
52
 Véase  Sutton,  Julia,  ‘Moresca  [morisca]’,  Grove  Music  Online,  que  incluye  ejemplos  musicales  de  Arbeau  
(Orchésographie,  1588)  y  Mersenne  (Harmonie  universelle,  1636-­‐37,  II,  p.  171,  “La  Moresque”,  en  3/2).  Otros  ejemplos  
similares  a  Mersenne  se  encuentran  en  Monteverdi  (Orfeo,  1607,  “Moresca”,  danza  final,  en  6/8)  y  Praetorius  
(Terpsichore,  1612,  “La  Moresque”,  XLII  y  XVIII,  en  3/2).  
18

Ej.  2:  Morisqua  [Morisca].  (Imagen:  Biblioteca  Nacional  de  España,  M/2618).  

 
 
  A   esta   propuesta   se   puede   incorporar   incluso   el   texto   cantado.   El   rango   limitado   de   la  
melodía,  de  una  sexta,  es  apropiado  para  una  canción  popular,  si  bien  la  tesitura  ha  de  ser  una  octava  
más  grave  para  la  voz  que  para  el  violín,  sobre  todo  si  pensamos  en  cantantes  con  una  técnica  más  
“natural”  que  operística.  El  registro  resultante  sería  cómodo  para  voz  de  contralto  o  barítono.  En  el  
fragmento   de   Salamanca   la   primera   frase   musical   es   demasiado   corta   para   abarcar   al   completo   la  
primera  estrofa  recogida  por  Briceño,53  de  modo  que  en  esta  reconstrucción  se  suprimen  los  versos  3  

53
 “Y  danza  morica[,]/bayla  morica[,]/  bayla  como  dançare/  como  dançare.//Al  son  de  la  biyuela[,]/  como  bien  sabréis[,]/  
como  bien  sabréis[,]/  como  bien  sabréis[.]".  Briceño,  1626:  f.  13v.  
19

y   4.   La   segunda   frase   musical,   más   extensa,   permite   asignar   a   la   voz   todo   el   texto   de   la   segunda  
estrofa,   con   ligeras   adaptaciones   como   el   uso   de   melismas   (compás   13)   o   la   unión   de   notas   de   altura  
igual  (compás  14).  Se  ha  procurado  seguir  la  prosodia  en  lo  posible,  con  algunos  ajustes  como  los  de  
la  palabra  “como”.  Más  allá  de  la  utilización  de  este  texto  u  otros  para  el  canto,  no  cabe  duda  de  que  
el  Manuscrito  de  Salamanca  es  de  gran  valor  para  reconstruir  la  “morisca  a  la  española”,  aportando  el  
eslabón  hasta  ahora  perdido:  el  de  la  melodía.  
 
  Nº  3.  Rugero  [Ruggiero]  
  Este  esquema  armónico-­‐rítmico  es  muy  abundante  en  las  antologías  para  vihuela  o  guitarra  de  
los   siglos   XVI   y   XVII.   Aunque   su   nombre   y   probablemente   su   origen   sean   italianos,   su   presencia   en  
recopilaciones   de   autores   españoles   se   da   desde   el   siglo   XVI.54   El   esquema   armónico   de   Ortiz   se  
detecta   sin   grandes   cambios   en   diversos   manuscritos   instrumentales   de   finales   del   siglo   XVI   y  
principios  del  XVII:  modo  mayor,  compás  binario  (transcribible  en  4/4),  módulos  cortos,  generalmente  
de   dos   compases   y   en   número   par   (cuatro   u   ocho   módulos,   sumando   respectivamente   ocho   o  
dieciséis   compases)   y   plan   armónico   general   I…V   |   V…I   ||,   con   el   cambio   a   la   dominante   hacia   el  
compás   7-­‐8   y   el   retorno   a   la   tónica   en   el   16.   La   riqueza   armónica   dentro   de   este   esquema   general  
varía   según   los   ejemplos.   En   cuanto   al   patrón   rítmico   de   la   melodía,   existen   ejemplos   téticos   y  
anacrúsicos.55  
  En   fuentes   españolas   de   la   época   del   Manuscrito   de   Salamanca,   son   destacables   los   dos  
ejemplos  que  recoge  Sanz  con  el  título  rugero  o   rujero,  uno  de  rasgueado  (f.  18r)  y  otro  punteado  (f.  
41r).56  Ambos  se  ajustan  al  modelo  general  apenas  descrito:  Re  Mayor,  compás  binario  (4/4),  módulos  
de  dos  compases  y  frases  de  cuatro  compases  (4+4+4+4  en  el  primer  ejemplo  y  4+4+8  en  el  segundo).  
Sanz  enriquece  la  armonía  con  subdominantes  ocasionales  (grados  II  y  IV).  También  Ribayaz  incluye  
tres   piezas   tituladas   rugero.   Dos   están   en   Re   Mayor,   una   (p.   67)   en   ritmo   ternario   y   estructura   de  
8+8+6  compases,  algo  inusual,  y  la  otra  (pp.  78-­‐79)  siguiendo  el  mismo  modelo  que  Sanz.  La  tercera,  
más   extensa   y   elaborada   (pp.   126-­‐28),   consta   de   tres   diferencias,   la   primera   de   las   cuales   refleja   el  
modelo   general   binario   en   Sol   Mayor,   con   melodías   anacrúsicas.57   Sanz   y   Ribayaz   coinciden   en  
emplear   células   rítmicas   básicas   de   subdivisión   binaria,   como   una   blanca,   dos   negras   o   cuatro  
corcheas.  
  La   tablatura   de   Salamanca   presenta   patrones   repetidos   de   digitación   y   líneas   verticales   que  
muestran   claramente   la   repetición   de   determinados   módulos,   siguiendo   la   estructura   aabcdbcd.   La  
insistencia   en   la   nota   re   (inicial   y   final)   indican   el   uso   de   Re   Mayor.   Se   ha   transcrito   esta   pieza   con   los  
rasgos   predominantes   en   Sanz   y   Ribayaz.   El   ritmo   podría   ser   tético   o   bien   anacrúsico,   como   propone  

54
 Aparece,  por  ejemplo,  en  El  Maestro  de  Luis  de  Milán  (Valencia,  1536),  como  “pavana”,  y  en  el  Tratado  de  glosas  de  
Diego  Ortiz  (Roma,  1553),  como  “tenor  italiano”.  
55
 Gerbino,  Giuseppe  and  Silbiger,  Alexander,  “Ruggiero”,  Grove  Music  Online.  Un  ejemplo  prototípico  con  anacrusas  es  el  
del  manuscrito  italiano  I-­‐Bc  Q34,  (principios  del  s.  XVII;  nº  2  en  Grove  Music  Online).  
56
 Transcripciones  en  Esses,  1992-­‐94:  II,  D365  y  D367.  
57
 Transcripciones  en  Esses,  1992-­‐94:  II,  D366  (R.  de  Ribayaz,  p.  67),  D368  (Id.,  78-­‐79)  y  D369  (Id.,  126-­‐28).  
20

Esses  en  su  versión.  La  segunda  opción  es  retenida  en  esta  propuesta.58  La  armonía  implícita  es  muy  
sencilla,   basada   en   los   grados   I   y   V   (ver   el   bajo   añadido   en   tamaño   pequeño,   que   se   inspira   en   el  
ejemplo  rasgueado  de  Sanz).  

Ej.  3:  Rugero  [Ruggiero].  (Imagen:  Biblioteca  Nacional  de  España,  M/2618).  
 

 
 
  Nº  4.  Jachara  [Jácara]  
  La   jácara   fue   sin   duda   uno   de   los   bailes   cantados   más   populares   en   la   España   del   siglo   XVII,  
como   demuestran   las   numerosas   menciones   en   obras   dramáticas   de   la   época.59   La   bibliografía   sobre  
este  baile  es  ya  relativamente  amplia.  Sus  características  musicales  generales  han  sido  estudiadas  por  
Craig   Russell   y   Leonardo   Waisman,   mientras   que   la   relación   música-­‐texto,   con   ejemplos   concretos   de  
transcripciones,  se  analiza  en  trabajos  más  recientes  de  Francisco  Valdivia  y  Álvaro  Torrente.60  Russell  

58
 En  el  compás  8,  la  nota  1  es  un  Si,  pero  Esses  escribió  Do  por  un  error  previo  en  la  publicación  de  Pennington,  quien  
había  escrito  la  digitación  2  en  lugar  de  1.  
59
 Para  una  panorámica  general,  véase  Torrente,  2016:  227-­‐30.  
60
 Russell,  1995:  26-­‐30;  Waisman,  1996  (inédito,  cit.  Torrente,  2014);  Valdivia,  2012;  Torrente,  2014.  
21

y   Waisman   coinciden   en   la   recurrencia   de   Re   menor   y   del   compás   ternario   (ambos   escriben   sus  
ejemplos   en   3/4),   así   como   en   la   existencia   de   al   menos   dos   patrones   melódicos   prototípicos,   un  
Melotipo  1  de  perfil  ondulante  que  va  de  la  tónica  a  la  sensible  (re  mi  fa  mi  re  do#)  y  un  Melotipo  2  de  
perfil  ascendente  que  va  de  la  tónica  a  la  dominante  (re  mi  fa  sol  la).  Ambos  siguen  un  patrón  rítmico  
constante   en   negras,   casi   siempre   acéfalo,   empezando   en   la   segunda   parte   del   compás,   aunque  
puede   haber   ejemplos   téticos   si   la   melodía   empieza   con   la   repetición   de   la   tónica   (re   re   mi   fa…).  
Russell   establece   dos   patrones   armónicos   básicos   de   cuatro   compases,   donde   los   dos   últimos   tienen  
frecuentemente   una   hemiola.   El   Tipo   1   alterna   la   tónica   menor   y   la   dominante   mayor,   i   |   i   |   V   |   V   ||,  
mientras  que  el  Tipo  2  es  más  elaborado,  i  |  (III)  -­‐  VI  |  V  -­‐  i  |  V  ||.  
  La  tablatura  de  Salamanca  se  divide  en  dos  módulos,  “Jachara”  y  “Diferencia”.  La  “Jachara”  
se   corresponde   con   el   Melotipo   1   en   su   versión   tética,   terminando   con   repeticiones   de   la   sensible.  
Esta  melodía  encaja  perfectamente  con  el  bajo  Tipo  1.  Si  se  tocan  todas  las  notas  en  arcos  separados,  
las  negras  do  sostenido  de  los  compases  3-­‐4  y  7-­‐8  coincidirían  siempre  con  el  arco  abajo,  gesto  que  
provoca  acentos  de  modo  natural,  generando  hemiolas.  La  “Diferencia”  se  mantiene  en  un  registro  
cómodo  del  violín  en  primera  posición,  pero  esta  vez  con  perfil  descendente  de  dominante  a  tónica,  y  
termina   de   nuevo   con   la   repetición   insistente   de   la   sensible.   No   cabe   duda   de   que   el   copista   de  
Salamanca  estaba  tratando  de  recordar  simplemente  el  comienzo  con  el  que  poder  arrancar  una  serie  
de   variaciones   más   o   menos   improvisadas.   Cuando   estuviera   disponible   una   guitarra   acompañante,  
ésta   seguramente   marcaría   con   el   rasgueado   los   cambios   de   acentuación.   Este   ejemplo   tan  
prototípico  confirma  la  validez  de  los  modelos  propuestos  en  estudios  anteriores  para  la  música  de  la  
jácara.  
 

Ej.  4:  Jachara  [Jácara].  (Imagen:  Biblioteca  Nacional  de  España,  M/2618).  
 

 
22

  Nº  5.  Chacona  castellana  

  La  chacona,  también  de  ritmo  ternario,  fue  otro  de  los  “grandes  éxitos”  de  la  música  popular  
ibérica   del   XVII.   Seguramente   proceda   de   Hispanoamérica,   a   juzgar   por   las   referencias   a   Las   Indias  
que   hacen   Quevedo,   Cervantes   y   Lope   de   Vega.61   Aunque   la   chacona   está   muy   presente   en   las  
fuentes   literarias,   los   ejemplos   musicales   conocidos   son   escasos.   El   único   ejemplo   localizado   con  
melodías  en  pentagrama  es  la  pieza  polifónica  “A  la  vida  bona”  de  Juan  de  Arañés  (1624),  que  al  ser  
una  composición  culta  no  puede  ser  tomada  como  representativa  de  un  estereotipo  popular,  aunque  
seguramente   guarde   similitudes   con   éste.62   Otros   ejemplos   más   cercanos   cronológicamente   al  
Manuscrito   de   Salamanca   son   los   de   las   antologías   de   Sanz   (1674)   y   Ribayaz   (1677),   que   incluyen  
melodía  y  armonía.63    
Ante   la   escasez   de   ejemplos   melódicos   hispanos   anteriores   a   1700,   resulta   arriesgado   proponer   un  
prototipo   musical   para   la   chacona.   Por   ahora,   se   pueden   tomar   como   referencia   los   rasgos   generales  
señalados   por   Álvaro   Torrente:   compás   ternario,   modo   mayor,   módulos   (entendidos   como  
semifrases   y   frases)   de   cuatro,   ocho   o   dieciséis   compases,   versos   octosílabos   y   esquema   armónico  
básico  de  cuatro  compases,  siguiendo  la  secuencia  I-­‐V-­‐vi-­‐V  (Tipo  1).  Este  esquema  presenta  variantes  
que  incorporan  acordes  de  tercer  y  cuarto  grado:  I-­‐V-­‐vi-­‐IV-­‐V  (Tipo  2)  y  I-­‐V-­‐vi-­‐iii-­‐IV-­‐V  (Tipo  3).64  Torrente  
señala  que  puede  haber  excepciones,  como  en  la  pieza  de  Arañés,  donde  el  bajo  alterna  dos  módulos,  
el  primero  ajustado  a  un  modelo  similar  al  Tipo  2  (I-­‐V-­‐vi-­‐V-­‐IV-­‐V)  y  el  segundo  a  modo  de  respuesta  que  
termina   en   tónica   (I-­‐IV-­‐V-­‐vi-­‐V-­‐I).65   En   cuanto   a   las   células   rítmicas,   parece   que   no   existía   una   norma  
fija,  a  juzgar  por  la  variedad  de  ritmos  internos  detectados  en  los  ejemplos  de  Arañés,  Ruiz  de  Ribayaz  
y  Sanz,  aunque  en  los  dos  primeros  casos  abundan    las  células  acéfalas  en  los  comienzos  de  frase  y  las  
hemiolas  en  los  finales.66  
  La  Chacona  castellana  del  Manuscrito  de  Salamanca  consta  de  dos  módulos  separados  por  una  
línea   divisoria,   el   segundo   denominado   “Diferencia”.   Cada   uno   contiene   trece   cifras   de   digitación,  
equivalentes  a  trece  notas.  A  la  luz  de  los  ejemplos  mencionados  del  XVII,  se  puede  suponer  que  la  
melodía  no  sería  excesivamente  estática,  sino  que  habría  predominantemente  dos  o  más  notas  por  
compás.  Por  ello,  trece  notas  sería  un  número  apropiado  para  cuatro  compases  de  3/4  con  mayoría  
de   negras   y   alguna   corchea   o   blanca.   La   digitación   insiste   en   las   notas   sol   y   re,   siendo   las   notas   inicial  
y  final  sol-­‐sol  en  el  primer  módulo,  y  si-­‐sol  en  el  segundo,  según  las  líneas  verticales  del  manuscrito.  
Dado  que  los  esquemas  armónicos  típicos  de  chacona  finalizan  en  dominante,  se  podría  pensar  que  

61
 Para  una  panorámica  general,  con  citas  de  los  escritores  mencionados,  véase  Torrente,  2016:  215-­‐21.  
62
 Arañés,  1624:  22-­‐23;  transcripción  de  los  compases  1-­‐23  y  comentario  en  Torrente,  2016:  225-­‐26.  
63
 Sanz,  1674:  f.  41r  (transcripción  en  Esses,  1992-­‐94:  II,  D41);  Ruiz  de  Ribayaz,  1677:  109-­‐110  (Id.,  D43).  
64
 Torrente,  2017.  
65
 Torrente,  2016:  219-­‐26.  
66
 La  variedad  rítmica  de  la  chacona  también  se  refleja  en  fuentes  castellanas  de  la  primera  década  del  siglo  XVIII.  Véanse  
las  chaconas  de  Flores  de  Música,  recopilado  por  Antonio  Martín  y  Coll  entre  1706  y  1709  (transcripción  en  Esses,  1992-­‐94:  
II,  D44-­‐D47),  y  del  Libro  de  diferentes  cifras  de  guitara,  anónimo  de  ca.  1705  (transcripción  en  Esses,  1992-­‐94:  II,  D40).  
Aparecen  tanto  chaconas  téticas  con  ritmos  regulares,  frecuentemente  punteados,  como  chaconas  con  ritmos  acéfalos  y  
hemiolas.  
23

se  trata  de  una  melodía  en  Do  Mayor,  pero  no  funcionaría,  dado  que  el  segundo  módulo  empieza  con  
la  nota  si  repetida,  que  generaría  una  disonancia  con  el  do  del  bajo  (acorde  de  tónica);  además,  sólo  
hay   una   nota   do   en   toda   la   melodía,   lo   cual   resultaría   extraño.   Parece   más   lógico   que   la   melodía   esté  
en  Sol  Mayor,  pero  para  que  encaje  con  un  bajo  estándar  es  necesario  desplazar  al  segundo  módulo  
la   nota   sol   que   el   copista   escribió   antes   de   la   línea   vertical.   En   la   solución   propuesta,   esta   melodía  
encaja  con  un  bajo  estándar  del  Tipo  1.67  Podría  ser  cantada  con  los  versos  octosílabos  que  Miguel  de  
Cervantes  escribió  para  la  chacona  de  La  ilustre  fregona  (1613):  “El  baile  de  la  chacona/  encierra  la  vida  
bona.”68   En   esta   adaptación   musical,   se   destaca   la   acentuación   las   palabras   principales   (baile,  
chacona,  vida,  bona).  El  violín  doblaría  a  la  voz  en  la  octava  superior  de  modo  casi  idéntico,  pero  no  
exacto   (ej.   compás   6,   la   voz   liga   tres   notas   de   la   misma   altura,   mientras   que   el   violín   las   toca  
separadas).   La   tesitura   vocal,   transportando   la   melodía   una   octava   por   debajo   del   violín,   sería  
apropiada  para  contralto  o  barítono.  
 
Ej.  5:  Chacona  castellana.  (Imagen:  Biblioteca  Nacional  de  España,  M/2618).  

 
 
 

67
 Esta  transcripción  difiere  de  la  de  Esses,  especialmente  en  el  segundo  módulo,  pues  Esses  partía  de  una  lectura  errónea  
de  Pennington:  éste  escribió  como  última  digitación  un  2  en  segunda  cuerda  (do)  en  lugar  de  un  3  en  tercera  cuerda  (sol).  
Ver  Pennington,  1981;  Esses,  1992-­‐94:  II,  D51.  
68
 Cervantes,  1613:  f.  172v;  cit.  Torrente,  2016:  225.  Es  apropiado  utilizar  un  texto  de  chacona  casi  50  años  anterior,  pues  los  
patrones  métricos  de  esta  forma  apenas  cambiaron  a  lo  largo  del  XVII;  ver  Torrente,  2017.  
24

  Nº  6.  “Quiereste  aluegriar  carretero”  

  La   pieza   titulada   “Quiereste   aluegriar   carretero   quero   miña   señora   quero”   (sic,   f.   2r)   es  
seguramente   una   canción   que   comienza   con   estos   dos   versos,   a   modo   de   diálogo   entre   dos  
personajes,  una  señora  y  un  carretero:  “[¿]Quiéreste  aluegriar,  carretero?  [/]  Quero[,]  miña  señora[,]  
quero.”  Ella  habla  castellano  y  él  portugués,  con  palabras  como  “miña”,  que  aparece  en  boca  de  los  
portugueses  en  la  mencionada  Mojiganga   El   Folión  de  Juan  Matos  Fragoso  (ca.  1662).  A  la  luz  de  este  
ejemplo,   es   posible   que   estos   versos   pertenezcan   a   una   obra   literaria   de   autor   castellano,   aunque   su  
íncipit   textual   no   ha   sido   localizado   en   los   corpus   existentes.69   Se   trata   de   versos   eneasílabos,  
empleados   en   bailes   cantados   castellanos   cuya   norma   general   era   el   uso   de   octosílabos,   como   la  
zarabanda,   la   jácara   y   la   chacona.70   Estos   tres   bailes   están   en   compás   ternario   y,   por   lo   general,   cada  
verso   se   corresponde   con   cuatro   compases,   coincidiendo   la   última   sílaba   acentuada   con   el   tiempo  
fuerte  del  cuarto  compás.  
  La   pieza   Nº   6   del   manuscrito   salmantino   presenta   dos   módulos   separados   por   una   línea  
divisoria,   el   segundo   denominado   “Diferencia”.   Cada   módulo   contiene   nueve   cifras,   equivalentes   a  
nueve  notas  que  pueden  distribuirse  en  cuatro  compases  de  3/4.  La  melodía  insiste  sobre  la  nota  re  
(dedo   3   en   la   segunda   cuerda),   indicando   claramente   este   centro   tonal.   Dado   que   Re   Mayor   es  
especialmente  idiomático  para  el  violín,  y  que  el  fragmento  textual  sugiere  un  diálogo  de  seducción  
propio  de  bailes  cantados  que  están  casi  siempre  en  modo  mayor,  como  la  zarabanda  y  la  chacona  
(no   así   la   jácara),   en   esta   transcripción   se   ha   optado   por   el   modo   mayor.   El   hecho   de   que   haya  
exactamente  nueve  notas  para  cada  verso  de  nueve  sílabas  hace  suponer  que  el  fragmento  textual  se  
corresponde   con   la   música   representada   en   la   tablatura   (y   no   con   un   momento   posterior   de   la  
canción).   En   la   transcripción   se   han   distribuido   las   notas   en   las   partes   fuertes   y   débiles   del   compás  
tomando  como  criterio  prioritario  la  acentuación  del  texto.  
  La   melodía   resultante   toma   forma   de   pregunta   (señora,   verso   1)   y   respuesta   (carretero,   verso  
2),  ambas  finalizadas  en  tónica.  Esto  no  encajaría  sobre  un  bajo  estándar  ni  de  chacona  (I-­‐V-­‐vi-­‐V)  ni  de  
zarabanda  (I  –IV-­‐I-­‐V)  en  Re  Mayor,  ni  tampoco  sobre  el  bajo  de  jácara  (i-­‐i-­‐V-­‐V)  en  Re  menor.  En  cuanto  
al  perfil  melódico,  ambos  módulos  comienzan  con  las  mismas  notas  (re-­‐fa-­‐mi-­‐re-­‐do),  lo  cual  sugiere  la  
simetría  de  la  pregunta  y  la  respuesta.  Aunque  no  se  trate  de  una  chacona,  una  posible  solución  es  
aplicar   las   células   acéfalas   y   yámbicas   empleados   en   las   chaconas   de   Arañés   y   Ruiz   de   Ribayaz.   En  
cuanto   al   bajo,   ha   sido   creado   un   esquema   con   acordes   básicos   (I-­‐V-­‐I-­‐II-­‐V-­‐I   |   I-­‐V-­‐I-­‐IV-­‐V-­‐I).   Pese   a   que  
esta   pieza   no   se   corresponde   con   ninguna   de   las   tipologías   de   bailes   cantados   del   XVII   estudiadas  
hasta   la   fecha,   los   pocos   elementos   que   aporta   el   manuscrito   parecen   reflejar   la   estructura  
predominante   en   dichos   bailes:   4+4   compases   ternarios.71   Probablemente   se   trate   simplemente   de  
una  canción,  y  por  eso  el  copista  la  identificó  con  su  íncipit  textual.  

69
 Por  ejemplo,  no  aparece  en  Lambea  et  al.,  2012.  
70
 Sobre  la  métrica,  características  musicales  y  temática  textual  de  la  zarabanda,  la  jácara  y  la  chacona,  véase  Torrente,  
2016:  215-­‐33.  
71
 Esses,  sin  conocer  el  texto  de  la  pieza  (omitido  por  Pennington),  la  transcribió  con  esta  misma  estructura  básica  (4+4  
compases  ternarios),  en  modo  mayor  y  utilizando  recurrentemente  la  célula  trocaica  blanca-­‐negra,  sin  justificar  por  qué.  
Además,  omitió  la  sexta  nota  (sí  reproducida  por  Pennington).  Esses,  1992-­‐94:  II,  D495.  
25

Ej.  6:  Quiereste  aluegriar  carretero.  (Imagen:  Biblioteca  Nacional  de  España,  M/2618).  
 

 
 
  Nº  7.  Carambeque  [Zarambeque]  
  El  origen  preciso  del  zarambeque  es,  como  ocurre  con  la  mayoría  de  los  bailes  del  siglo  XVII  
ibérico,  objeto  de  controversia.  Sin  embargo,  todas  las  fuentes  de  la  época  coinciden  en  asociarlo  a  
los  esclavos  africanos  que  vivían  en  los  territorios  dominados  por  Portugal  y  España.  De  baile  cantado  
propio   del   grupo   humano   más   bajo   en   la   escala   social,   pasó   a   convertirse   en   un   objeto  
“transculturado”   que   adoptaron   los   colonos.72   Fueron   los   europeos   quienes   copiaron   las   primeras  
transcripciones  de  la  música  que  lo  acompañaba,  en  sus  propios  sistemas  de  notación  y  con  su  propia  
comprensión  o  adaptación  de  lo  que  sonaba.  Este  zarambeque  “europeizado”  aparece  en  multitud  
de  obras  dramáticas,  como  entremeses  y  mojigangas,  e  incluso  en  villancicos  religiosos.  Servía  como  
pretexto   ideal   para   introducir   personajes   “negros”,   asociados   a   la   desinhibición   y   los   movimientos  
alocados  del  cuerpo.  
  Hasta  fecha  reciente,  se  consideraba  que  el  ejemplo  musical  más  antiguo  de  este  baile  era  el  
de  la  comedia  Las  Amazonas  de  Antonio  de  Solís  (Madrid,  1655),  publicado  por  Pedrell,  quien  citaba  

72
 La  definición  más  antigua  es  “Zarambeque.  Tañido,  y  danza  mui  alegre,  y  bulliciosa,  la  qual  es  mui  freqüente  entre  los  
Negros”,  en  Real  Academia  Española,  Diccionario  de  Autoridades  (1726-­‐39):  III  (1732),  562.  Sobre  el  zarambeque  y  otros  
esquemas  musicales  asociados  a  los  “negros”  de  Iberoamérica,  como  el  cumbé,  el  paracumbé  y  el  guineo,  véase  Budasz,  
2007.  Por  ahora  el  estudio  más  completo  sobre  el  zarambeque  es  el  de  Salas,  2011,  tesis  de  licenciatura  que  considera  
aspectos  musicales,  dramáticos,  históricos  y  antropológicos.  Resulta  útil  para  recopilar  fuentes  y  extraer  algunas  ideas,  
pero  el  análisis  musical  (pp.  81-­‐111)  tiene  algunos  defectos:  busca  rasgos  comunes  en  un  repertorio  que  abarca  más  de  un  
siglo  y  dos  continentes  (tarea  arriesgada  y  cuestionable)  y  las  conclusiones  sobre  el  uso  del  modo  mixolidio  y  las  hemiolas  
no  se  corresponden  con  la  generalidad  de  los  17  ejemplos  analizados.  
26

cuatro   fuentes   musicales   que   no   contienen   ningún   zarambeque.   En   realidad,   como   ha   demostrado  
Pepe  Rey,  Pedrell  tomó  la  melodía  de  la  Historia  de  la  música  española  de  Soriano  Fuertes,  y  después  
realizó  modificaciones  y  añadió  un  bajo.   73  A  su  vez,  Soriano  había  tomado  la  melodía  de  la  Colección  
de  bailes  antiguos  recopilada  por  el  monje  jerónimo  José  Falguera  (1778-­‐1824),  activo  en  Murcia.74  Esa  
colección,  actualmente  no  localizada,  sería  de  los  años  de  vida  del  recopilador,  cuando  efectivamente  
el   zarambeque   era   ya   un   “baile   antiguo”.   Las   versiones   de   Pedrell   y   Soriano   sólo   pueden   ser  
consideradas   fuentes   secundarias,   sospechosas   de   modificaciones   no   declaradas,   por   lo   que   no  
resultan  excesivamente  útiles  para  reconstruir  el  esquema  musical  de  mediados  del  siglo  XVII.  Sí  que  
se   puede   considerar   de   1655,   no   obstante,   el   estribillo   de   Antonio   de   Solís,   que   empieza   con   una  
onomatopeya  percusiva  típica  de  este  baile:  “Teque,  teque,  teque;/  nuestro  día  es  este”.  
  Las  fuentes  musicales  castellanas  más  antiguas  conocidas  del  zarambeque  parecen  ser  los  dos  
ejemplos   de   Ribayaz   (1677),   uno   para   guitarra   y   otro   para   arpa,   y   los   tres   de   Fernández   de   Huete  
(1702).75  Responden  a  los  rasgos  básicos  de  este  baile,  según  Torrente:  compás  ternario,  modo  mayor  
(en  Do,  Re  o  Sol),  armonía  centrada  en  los  acordes  de  tónica  y  dominante  y  módulos  de  cuatro  y  ocho  
compases.76   El   bajo   más   convencional,   que   aparece   en   el   ejemplo   para   guitarra   de   Ribayaz,   alterna   la  
tónica  y  la  dominante  en  cada  compás;  en  adelante,  será  denominado  bajo  Tipo  1,  de  dos  compases.  
El  mismo  Ribayaz  enriquece  esta  armonía  incluyendo  la  subdominante  en  el  ejemplo  para  arpa,  que  
sigue   la   secuencia   I-­‐I-­‐IV-­‐V;   en   adelante   bajo   Tipo   2,   de   cuatro   compases.   En   estos   cinco   ejemplos  
castellanos   de   zarambeques   se   detecta   énfasis   rítmico   en   el   segundo   pulso   del   compás   mediante  
diferentes   técnicas:   células   yámbicas,   acorde   más   lleno,   trino,   silencio   en   el   primer   pulso,   etc.   Los  
ejemplos   de   Fernández   de   Huete   incluyen,   además,   notas   a   contratiempo,   siempre   en   el   segundo  
pulso  (ej.  silencio  de  negra  con  puntillo-­‐corchea-­‐negra).  Estos  rasgos  rítmicos,  que  aún  hoy  se  asocian  
a  música  “negra”  como  el  jazz,  parecen  apropiados  para  un  baile  de  origen  africano.  
  El   Carambeque   [sic]   del   Manuscrito   de   Salamanca   podría   estar   copiado   de   otra   fuente   en   la  
que  el  título  fuera  Çarambeque.  Otras  denominaciones,  como  zarambeque,  serembeque  y  serambeque,  
se  detectan  en  manuscritos  de  Coimbra  (P-­‐Cug  MM-­‐97;  ca.  1700-­‐1710)  y  Braga  (P-­‐BRd,  M-­‐471;  ca.  1690-­‐
1704).77  En  este  último,  el  mencionado  Balle  de  las  danças  contiene  letra  y  acompañamiento  musical  
para  este  baile,  cuyo  personaje  Sarambeque  canta  un  estribillo  típico  en  hexasílabos:  “Sarambeque  
teque/  lindo  sarambeque”.  El  acompañamiento  tiene  como  centro  tonal  la  nota  re,  oscilando  entre  el  

73
 “El  zarambeque  cantado  y  bailado  en  loa  de  la  comedia  Las  Amazonas,  de  autor  desconocido”,  en  Pedrell,  1897:  IV,  20.  
Las  Amazonas  se  estrenó  en  Madrid  el  7  de  febrero  de  1655  y  fue  publicada  en  Antonio  de  Solís,  Varias  poesías  sagradas  y  
profanas  (Madrid,  Antonio  Román,  1692).  Véase  Rey,  2014.  
74
 Soriano,  1855-­‐1859:  III,  Música,  Nº  7.  
75
 Dos  zarambeques  aparecen  en  Ruiz  de  Ribayaz,  1677:  72,  para  guitarra  de  cinco  órdenes,  y  109,  para  arpa  de  dos  
órdenes  (transcripciones  en  Esses,  1992-­‐94:  II,  D486  y  D488).  Tres  zarambeques  para  arpa  aparecen  n  Fernández  de  
Huete,  1702:  láminas  4,  5  y  7  (transcripciones  en  Esses,  1992-­‐94:  II,  D489-­‐491).  De  estos  cinco  zarambeques  hay  
transcripciones  distintas  en  Calvo,  1982;  empleadas  en  Salas,  2011.  
76
 Torrente,  2016:  220.  
77
 Manuscritos  estudiados  en  Budasz,  2001;  Gándara,  2009.  
27

modo  mayor  y  el  menor  e  insistiendo  en  los  acordes  de  tónica  y  dominante.  Su  ritmo  interno  contiene  
hemiolas,  células  acéfalas,  puntillos  y  contratiempos.78    
  Para  transcribir  el  ejemplo  de  Salamanca,  se  pueden  tomar  los  dos  tipos  de  bajo  de  Ribayaz.  La  
tablatura   de   violín   contiene   tres   módulos   que   empiezan   y   acaban   en   la   nota   re,   lo   que   indica  
claramente  la  tonalidad  de  Re  Mayor,  muy  idiomática  para  este  instrumento.  La  estructura  sugiere  un  
fraseo  anacrúsico,  ya  que  tanto  el  bajo  Tipo  1  como  el  Tipo  2  finalizan  en  la  dominante.  Esta  misma  
interpretación   hace   Esses,   quien   transcribe   el   fragmento   en   tres   módulos   de   dos   compases   donde  
está   implícito   el   bajo   Tipo   1.79   Aquí   se   proponen   dos   versiones   alternativas.   La   primera   (Ej.   7A)  
coincide  con  la  de  Esses,  a  excepción  del  tercer  módulo,  pues  en  el  penúltimo  compás  si  la  primera  
nota  fuera  re  se  generaría  una  cuarta  con  el  bajo  (la),  intervalo  que  se  puede  evitar  iniciando  en  mi.  
Otra  posibilidad  sería  transcribir  el  fragmento  en  tres  módulos  de  cuatro  compases,  con  el  bajo  Tipo  2  
y   usando   valores   rítmicos   más   largos,   silencios   y   notas   a   contratiempo   como   las   de   los   ejemplos  
castellanos  del  XVII  (Ej.  7B).  En  ambas  lecturas,  resultaría  forzado  añadir  los  versos  de  Solís  o  los  del  
Balle   de   las   danças,   por   muchas   veces   que   se   repitiera   la   onomatopeya   “teque”.   La   melodía   parece  
más  bien  instrumental,  quizá  un  interludio  que  se  interpretaba  entre  secciones  cantadas.  
 

Ej.  7:  Carambeque  [Zarambeque].  (Imagen:  Biblioteca  Nacional  de  España,  M/2618).  
 

A  

B  

78
 Edición  textual  en  Gándara,  2009:  397.  Edición  musical  en  Gándara,  2009:  775.  
79
 Esses,  1992-­‐94:  II,  D  492  (p.  575).  
28

  Nº  8.  Canario  
  Son  numerosos  los  ejemplos  conocidos  de  este  baile/danza,  supuestamente  originario  de  las  
Islas   Canarias,   en   fuentes   musicales   internacionales   del   siglo   XVII.80   Para   la   reconstrucción   del  
ejemplo  de  Salamanca  resulta  útil  la  comparación  con  los  tres  canarios  recopilados  por  Sanz  (1674):  
uno  en  Re  Mayor  (f.  23r,  el  más  conocido),  uno  en  Sol  Mayor  (f.  43r)  y  otro  en  La  Mayor  (f.  43r).81  Los  
tres   están   en   compás   de   6/8   y   comienzan   con   una   frase   anacrúsica   de   cuatro   compases   cuyo  
esquema  armónico  es  I  -­‐   IV|  I  |  IV  –  V|  I  ||  en  los  dos  primeros  casos  y  I  -­‐   IV|  I  -­‐   IV|  I  –  V|  I  ||  en  el  de  La  
Mayor.  Estas  frases  iniciales  sirven  de  estribillo,  a  intercalar  con  las  diferencias  recopiladas  por  Sanz.  
En  los  tres  casos,  predominan  tres  células  rítmicas:  tres  corcheas,  negra  con  puntillo  y  negra-­‐corchea.  
También  Ribayaz  incluyó  un  acompañamiento  de  canario  en  su  antología.  Este  ejemplo  se  centra  en  
los  grados  I,  IV  y  V,  en  Re  Mayor,  pero  a  lo  largo  de  ocho  compases:  I  |  I  |  I  |  IV  ||  I  |  I  |  I  -­‐  V|  I  ||.  
 
Ej  8:  Canario.  (Imagen:  Biblioteca  Nacional  de  España,  M/2618).  
 

 
 
  El   ejemplo   de   Salamanca   seguramente   representa   cuatro   compases   divisibles   en   dos   módulos  
de   comienzo   idéntico,   teniendo   en   cuenta   que   hay   un   total   de   20   cifras,   no   separadas   por   líneas  
verticales,  y  que  las  cifras  1-­‐3  coinciden  con  las  cifras  11-­‐13.  Las  cifras  5-­‐7  no  se  distinguen  claramente  
en  el  manuscrito,  pues  la  hoja  está  cortada.  Pennington  las  transcribió  con  interrogantes  y  Esses,  sin  
consultar  el  manuscrito,  hizo  una  propuesta  de  recomposición  que  se  asemeja  al  canario  en  Re  Mayor  
de   Sanz,   con   el   íncipit   re-­‐re-­‐mi-­‐fa-­‐mi-­‐fa-­‐sol-­‐la-­‐sol-­‐fa,   como   si   las   cifras   de   digitación   fueran  
3301[012]321.82  Sin  embargo,  el  examen  del  manuscrito  original  permite  distinguir  la  cabeza  de  estas  
cifras,   que   serían   3301[232]321.   Esses   transcribe   este   ejemplo   en   cinco   compases,   alternando   3/4   y  
6/8,   iniciando   con   un   motivo   tético   de   tres   negras.   A   la   vista   de   los   modelos   rítmicos   de   Sanz,   parece  
más   probable   que   el   copista   de   Salamanca   estuviera   tratando   de   recordar   un   estribillo   de   cuatro  

80
 Un  ejemplo  de  principios  del  XVII  se  encuentra  en  Praetorius,  1612:  XXXI,  “La  Canarie”;  edición  moderna  de  Günther  
Oberst,  Wolfenbüttel,  George  Kallmeyer,  1928,  pp.  40-­‐41.  
81
 Transcripciones  en  Esses,  1992-­‐94:  II,  D13  (Re),  D14  (Sol)  y  D15  (La).  
82
 Esses,  1992-­‐94:  II,  D31.  
29

compases  en  6/8,  anacrúsico,  con  el  bajo  prototípico  de  Sanz  y  con  dos  módulos  que  empiezan  con  la  
misma  célula  melódica  (Ej.  8).  
 
  Nº  9.  Chacona  portuguesa  
  Durante  el  siglo  XVII  la  chacona  gozó  de  gran  popularidad  en  la  Península  Ibérica,  no  sólo  en  
Castilla,   sino   también   en   Portugal.   Por   ejemplo,   al   final   de   la   comedia   O   Fidalgo   aprendiz  (1665)   de  
Francisco   Manuel   de   Melo   se   hace   una   mención   a   la   chacona,   cuyo   baile,   se   puede   suponer,   tiene  
lugar   entre   los   tres   personajes   que   comparten   estos   versos:   “Beltrão:   Vamos/   Afonso:   Vamos   a  
chacona./Gil:   Que   dirão   de   mim   na   corte/   preso   dom   Gil   desta   sorte?/   Beltrão:   Segui-­‐nos   senhora  
dona”.83  En  cuanto  a  fuentes  musicales  portuguesas,  la  más  temprana  conocida  parece  ser  Cifras  de  
viola  por  varios  autores  (ca.  1700-­‐1710),  con  música  en  cifra  y  alfabeto  para  distintos  instrumentos  de  
cuerda  pulsada.  Incluye  dos  ejemplos  estudiados  por  Rogério  Budasz,  “Chacoina  5º  tom  italiana”  (f.  
50v)  y  “Chacoina  6º  tom  italiana”  (f.  51r),  los  cuales  reflejan  las  características  propias  de  la  chacona  
ya   descritas,   en   modo   mayor   y   con   bajos   estándar.84   El   mismo   manuscrito   contiene   cuatro   piezas  
tituladas   Magana   ou   Chacoina   (ff.   48r-­‐50r)   que   reflejan   las   características   de   la   magana,   en   modo  
menor   y   con   un   patrón   armónico   muy   diferente   al   de   la   chacona   (i-­‐VII-­‐III-­‐V).85   Quizá   la   indicación   “ou  
chacoina”  sea  una  aclaración  del  copista  para  indicar  que  el  compás  es  ternario.  En  cualquier  caso,  en  
este   manuscrito   no   se   detecta   un   tipo   de   chacona   típicamente   portugués,   sino   más   bien   la  
asimilación  de  modelos  italianos  y  el  uso  flexible  de  las  denominaciones.  
  El  perfil  melódico  del  fragmento  de  Salamanca  comienza  en  la  y  termina  en  do.  Haciendo  un  
recorrido  de  tónica  a  dominante,  como  en  los  esquemas  de  chacona  y  magana,  el  centro  tonal  debe  
ser  fa.  Se  puede  descartar  Fa  menor,  con  cuatro  bemoles,  tonalidad  de  afinación  difícil  para  el  violín  y  
que  sería  rara  en  una  pieza  popular  para  este  instrumento.  Por  tanto,  esta  pieza  no  es  una  magana.  A  
falta   de   modelos   coetáneos   de   chaconas   con   sonoridad   “portuguesa”,   tiene   sentido   seguir   los  
mismos   criterios   de   transcripción   que   para   la   Chacona   castellana   (Nº   5).   En   este   caso,   la   tablatura  
presenta   dos   frases,   una   inicial   y   una   “Diferencia”,   cada   una   de   ellas   dividida   en   dos   módulos,   con  
nueve  o  diez  notas  cada  uno.  Esto  se  puede  interpretar  como  cuatro  módulos  de  cuatro  compases  
con   dos   o   tres   notas   por   compás,   de   modo   que   predominarían   las   negras   y   las   blancas.   Esses  
transcribe   esta   pieza   en   sólo   ocho   compases,   con   abundancia   de   corcheas,   y   con   dos   notas  
equivocadas   relacionadas   con   un   error   de   Pennington.86   Para   la   nueva   transcripción   ha   sido  
empleado  un  bajo  ostinato  convencional  de  chacona  que  hace  el  recorrido  de  tónica  a  dominante,  el  

83
 Melo,  1665.  
84
 P-­‐Cug  MM-­‐97.  Ver  Budasz,  2001:  109-­‐11  y  259-­‐60  (transcripción  de  Chacoina  6º  tom  italiana,  en  Fa  Mayor).  El  autor  sugiere  
la  datación  de  principios  del  siglo  XVIII.  La  fecha  ca.  1700-­‐1710,  es  sugerida  en  Gándara,  2009:  76,  nota  205.  En  el  
manuscrito  de  Braga,  el  Balle  de  las  danças  incluye  un  personaje  de  Chacona  que  habla  en  versos  octosílabos,  pero  no  se  
recoge  música  para  acompañarlo;  ver  Gándara,  2009:  768-­‐76.  
85
 Budasz,  2001:  81-­‐83  (contenidos  del  manuscrito)  y  108-­‐09.  
86
 Se  trata  de  las  notas  9  y  10,.  Cada  autor  comete  un  error  distinto.  En  la  nota  10,  Pennington  escribe  el  número  2  en  la  
segunda  cuerda  en  lugar  de  la  primera.  En  las  notas  9  y  10,  Esses  escribe  la  nota  Si  bemol,  que  corresponde  al  dedo  1  y  no  
al  2.  Ver  Pennington,  1981:  I,  115-­‐19;  Esses,  1992-­‐94:  II,  D52.  
30

Tipo   3   de   la   clasificación   de   Torrente.87   Las   células   rítmicas   empleadas   son   recurrentes   en   los  
ejemplos  de  Arañés  y  Ruiz  de  Ribayaz:  motivos  acéfalos  en  algunos  comienzos  de  módulo  y  ritmos  
yámbicos  (negra-­‐blanca).  Esta  música  encaja  con  los  versos  citados  de  O  Fidalgo  aprendiz  (1665),  en  
tesitura   de   contralto   o   barítono,   una   octava   por   debajo   del   violín,   destacando   la   última   palabra   de  
cada  verso  en  la  parte  fuerte  del  cuarto  compás  de  cada  módulo.88  Al  comienzo  de  los  dos  primeros  
módulos  (compases  1  y  5),  el  violín  empezaría  a  tocar  en  la  parte  fuerte,  un  pulso  antes  que  la  voz,  
dada  la  repetición  de  notas  que  indica  el  manuscrito  (ej.  compás  1,  el  violín  toca  la-­‐la-­‐la  y  la  voz  hace  
silencio-­‐la-­‐la)   (Ej.   9A).   Esta   transcripción   admite   una   versión   alternativa   con   hemiolas,   las   cuales  
afectan   también   al   bajo,   siguiendo   los   ejemplos   de   Arañés,   Ruiz   de   Ribayaz   y   Flores   de   música   (Ej.  
9B).89  
Ej  9:  Chacona  portuguesa.  (Imagen:  Biblioteca  Nacional  de  España,  M/2618).  
 

A)  Sin  hemiolas  

87
 Torrente,  2017.  Los  bajos-­‐tipo  son  tomados  del  Manuscrito  Palumbi  (Verona,  ca.  1600).  
88
 Este  rasgo  de  acentuación  se  destaca  en  Torrente,  2017.  
89
 Para  la  transcripción  A  se  ha  empleado  un  basso  ostinato  del  Manuscrito  Palumbi,  tomado  como  referencia  para  el  Tipo  
3  en  Torrente,  2017.  En  rigor,  el  bajo  de  la  transcripción  B  no  está  tomado  de  una  fuente  histórica,  pero  parece  verosímil  
teniendo  en  cuenta  los  bajos  con  hemiolas  de  los  ejemplos  ibéricos  mencionados.  En  Flores  de  música  aparece  un  “Aire  de  
chacona”  con  hemiolas  en  el  bajo  en  el  Volumen  I  (1706),  p.  90;  fuente  en  E-­‐Mn,  M/1357.  Los  ejemplos  de  Arañés  y  Ruiz  de  
Ribayaz  son  los  citados  con  respecto  a  la  chacona  castellana.  
31

B)  Con  hemiolas  

 
 
  Nº  10.  Gallarda    
  La   gallarda   es   uno   de   los   esquemas   armónico-­‐rítmicos   más   abundantes   en   la   música  
instrumental  española  desde  mediados  del  siglo  XVI  hasta  comienzos  del  XVIII.  Esses  recopila  un  total  
de  28  ejemplos  de  este  periodo,  de  los  cuales  26  responden  al  modelo  en  compás  binario  propio  de  la  
llamada  “gallarda  española”,  distinta  del  modelo  internacional  en  compás  ternario,  que  en  España  en  
ocasiones   se   denominaba   “gallarda   francesa”,   aunque   su   origen   parece   haber   sido   italiano.90   Los  
ejemplos   del   siglo   XVII   responden   invariablemente   al   modelo   español,   cuyo   patrón   general,   según  
Russell,   es   un   esquema   de   seis   compases   en   los   cuales   el   tercero   cadencia   en   la   dominante   y   el   sexto  
en   la   tónica,   con   una   progresión   típica   para   el   modo   mayor   y   otra   para   el   menor.   Seleccionando  
solamente   los   ejemplos   para   guitarra   de   la   segunda   mitad   del   XVII   (más   cercanos   al   Manuscrito   de  
Salamanca),   hay   por   lo   menos   siete:   tres   de   rasgueado   que   aportan   modelos   para   el  
acompañamiento  (Sanz,  1674,  f.  18r)  y  cuatro  de  punteado  que  aportan  modelos  para  la  melodía.  De  
estos  hay  uno  en  Sanz  (1674),  dos  en  Ribayaz  (1677)  y  uno  en  Guerau  (1694),91  los  cuatro  en  Re  menor  
y  compás  binario  (C|).  En  esta  misma  tonalidad  está  el  segundo  bajo  ostinato  de  Sanz,  que  coincide  
casi  exactamente  con  el  prototipo  extraído  por  Russell:  i-­‐III-­‐VII-­‐i-­‐V  |  V-­‐i-­‐iv-­‐V-­‐i  ||.92  Los  cuatro  ejemplos  

90
 Ejemplos  en  Esses,  1992-­‐94:  II,  D157-­‐D184.  Sólo  son  ternarias  las  gallardas  D157,  de  Mudarra  (1546),  y  D174,  de  Cabezón  
(1578).  Sobre  los  distintos  tipos  de  gallarda,  véase  Russell,  1999-­‐2002.  
91
 Sanz,  1674:  f.  18r,  tres  ejemplos  rasgueados  (transcripción  en  Esses,  1992-­‐94:  II,  D157-­‐D159)  y  f.  40r  (punteado,  id.,  D164);  
Ruiz  de  Ribayaz,  1677:  73  (id.,  D165)  y  108-­‐109  (id.,  D171);  Guerau,  1694:  49r-­‐51r  (id.,  D166).  
92
 Russell,  1999-­‐2002.  La  única  diferencia  es  que  Russell  escribe  el  grado  VII  alterado,  como  do  sostenido  en  lugar  de  
natural.  El  primer  bajo  de  Sanz  está  en  Re  Mayor,  I-­‐V-­‐I-­‐IV-­‐V|  V-­‐I-­‐IV-­‐V-­‐I||,  y  el  tercero  en  La  Mayor.  
32

melódicos   permiten   deducir   rasgos   generales   predominantes   para   los   ritmos   internos:   el   inicio   es  
anacrúsico,  la  primera  diferencia  tiene  un  ritmo  interno  más  lento,  con  predominio  de  blancas  (salvo  
en   Ruiz,   p.   73,   que   además   presenta   frases   de   ocho   compases   en   lugar   de   seis),   y   a   partir   de   la  
segunda   diferencia   se   pueden   utilizar   ritmos   más   variados   y   ligeros,   como   dos   negras,   cuatro  
corcheas,  negra-­‐dos  corcheas  o  negra  con  puntillo-­‐corchea.  
  La  tablatura  del  Manuscrito  de  Salamanca,  separada  en  cinco  secciones  por  líneas  verticales,  
indica  claramente  el  centro  tonal  de  re,  ya  que  antes  de  cada  línea  se  encuentran,  en  este  orden,  las  
notas   do,   re,   mi,   re   y   re,   sugiriendo   cadencias   en   la   dominante   (notas   do   y   mi)   o   la   tónica   (re).  
Pennington   copió   la   tablatura   de   manera   incompleta   (faltan   las   tres   notas   finales   de   la   tercera  
sección,   y   sobra   la   última   cifra   de   la   primera   sección)   y   Esses   realizó   solamente   un   esbozo   de   las  
cabezas  de  las  notas,  de  modo  que  aún  no  se  había  hecho  una  transcripción  propiamente  dicha  de  
esta   pieza.   La   versión   propuesta   sigue   el   esquema   mayoritario   de   los   ejemplos   analizados,   con   frases  
de  seis  compases  en  Re  menor,  empleando  el  bajo  de  Sanz.    
 
Ej.  10:  Gallarda.  (Imagen:  Biblioteca  Nacional  de  España,  M/2618).  
 

 
  La   transcripción   ha   resultado   muy   problemática:   tanto   en   modo   menor   como   en   mayor,   se  
hace  necesario  modificar  o  repetir  algunas  notas  para  que  encajen  con  los  bajos  estandarizados.  Da  la  
impresión  de  que  el  copista,  intentando  aprovechar  un  espacio  reducido  del  papel,  omitió  en  varias  
ocasiones   la   repetición   de   la   tónica,   re   (cifra   3   en   la   segunda   cuerda).   Asimismo,   parece   que   cometió  
un   error   en   la   última   nota   de   la   Diferencia   1.   Asumiendo   que   en   la   melodía   de   ésta   predominan   las  
33

blancas,  parece  razonable  que  se  corresponda  con  la  primera  sección,  que  contiene  15  cifras,  antes  de  
la   primera   línea   divisoria.   Sin   embargo,   no   es   posible   que   la   frase   termine   con   tres   notas   do   (dedo   2),  
sino  que  debe  terminar  en  re  (tónica,  dedo  3).  Teniendo  en  cuenta  los  giros  cadenciales,  parece  que  la  
segunda   sección   representa   la   Diferencia   2,   las   secciones   tercera   y   cuarta   representan   la   Diferencia   3  
y  la  última  la  Diferencia  4.  Como  se  ha  dicho,  esta  versión  no  pretende  ser  definitiva  sino  ilustrativa,  
pues  existen  otras  soluciones  posibles,  por  ejemplo  empleando  el  bajo  de  Sanz  en  Re  Mayor  (lo  cual  
también  haría  necesario  añadir  notas)  o  utilizando  otros  ritmos  internos  en  la  melodía.  
 
Conclusiones  
  El  Manuscrito  de  Salamanca  (ca.  1659)  es  un  documento  único,  siendo  la  fuente  más  temprana  
de   música   para   violín   copiada   en   España   conocida   hasta   la   fecha,   y   uno   de   los   escasos   ejemplos  
hispanos   localizados   de   “cifra”   o   tablatura   para   este   instrumento,   contemporáneo   a   ejemplos  
análogos   procedentes   de   Italia.   Las   diez   melodías   que   contiene   son   sin   duda   para   violín,   pero   los  
esquemas   musicales   y   el   sistema   de   notación   empleados   están   íntimamente   relacionados   con   las  
antologías   coetáneas   para   guitarra   de   cinco   órdenes,   como   las   de   Gaspar   Sanz   y   Lucas   Ruiz   de  
Ribayaz.  Esto,  junto  a  las  indicaciones  del  manuscrito  sobre  la  afinación  de  ambos  instrumentos  y  el  
propio  uso  de  cifras,  muestra  la  transferencia  directa  de  las  prácticas  de  la  guitarra  al  violín.  Así,  esta  
fuente   testimonia   un   momento   clave   en   la   historia   de   este   instrumento   de   arco   en   la   Península  
Ibérica,   cuando   se   asociaba   principalmente   a   contextos   de   baile,   danza   y   teatro.   Estos   estaban  
claramente   diferenciados   de   los   contextos   de   iglesia   y   cámara,   donde   se   introducirían   las   sonatas  
italianas,  asociadas  al  nuevo  estilo  idiomático  para  violín  y  a  la  notación  ortocrónica  en  pentagrama,  
apenas  veinte  años  después.  
  Además,  este  manuscrito  proporciona  información  muy  valiosa  para  reconstruir  o  refinar  los  
prototipos   musicales   de   cinco   bailes   y   danzas   cuyos   patrones   armónicos   y   textos   poéticos   se  
conocían   en   cierta   medida,   pero   de   cuyas   melodías   apenas   se   habían   localizado   ejemplos   ibéricos  
anteriores   a   1700:   folijón,   morisca,   chacona,   zarambeque   y   gallarda.   Algunos   de   ellos   son   muy  
frecuentes  en  la  poesía  y  el  teatro  del  siglo  XVII,  caso  de  la  chacona  y  el  zarambeque,  con  lo  que  estos  
fragmentos   musicales   vienen   a   cubrir   una   laguna   importante.   Además,   el   manuscrito   confirma   los  
prototipos   establecidos   en   investigaciones   anteriores   para   otros   tres   esquemas:   ruggiero,   jácara   y  
canario.  De  este  modo,  la  fuente  salmantina  aporta  información  complementaria  a  la  de  las  fuentes  
guitarrísticas   y   poéticas   conocidas   anteriormente.   No   obstante,   es   necesario   subrayar   que   las  
transcripciones   aquí   propuestas   no   pretenden   ser   soluciones   definitivas,   sino   simplemente  
recomposiciones   basadas   en   los   patrones   de   células   rítmicas   y   esquemas   armónicos   conocidos   hasta  
la   fecha.   Es   de   esperar   que   futuras   investigaciones   aporten   luz   sobre   nuevas   fuentes   que   permitan  
seguir  refinando  los  prototipos  de  los  ocho  esquemas  musicales  mencionados.    
  La   transmisión   de   los   bailes   y   danzas   representados   en   el   manuscrito   debió   de   ser   sobre   todo  
oral,   como   indica   el   hecho   de   que   las   fuentes   musicales   localizadas   sean   muy   escasas   y   la   mayoría   de  
ellas   estén   escritas   en   notación   esquemática   (cifra   o   alfabeto)   que   sólo   recoge   parte   de   la  
información   musical.   Esos   bailes   y   danzas   implicaban   canto,   música   instrumental   y   movimiento  
coreográfico,   aunque   no   necesariamente   estarían   presentes   los   tres   componentes   de   modo  
34

simultáneo  en  cada  ejecución.  En  el  caso  del  Manuscrito  de  Salamanca,  hay  piezas  que  seguramente  
serían   cantadas,   como   la   Nº   6,   cuyo   título   es   sin   duda   un   íncipit   textual,   pero   otras   tienen   un   carácter  
claramente  instrumental,  como  el  zarambeque  (Nº  7),  en  las  dos  versiones  propuestas.  En  cuanto  a  
las   transcripciones   con   una   parte   vocal   añadida   para   la   morisca,   la   chacona   castellana   y   la   chacona  
portuguesa,   no   pretenden   defender   que   siempre   se   cantaran,   sino   que   se   ha   recurrido   al   texto  
poético   como   mera   ayuda   para   recrear   las   células   rítmicas   de   cada   melodía.   Asumiendo   que   se  
transportarían   para   la   voz   una   octava   por   debajo   del   violín,   habrían   sido   apropiadas   para   voces   de  
contralto   o   barítono   en   un   registro   cómodo,   que   no   requiere   la   impostación   propia   del   canto  
operístico,  sino  que  se  pueden  cantar  con  una  técnica  digamos  “natural”,  apropiada  para  la  música  
popular.   El   uso   de   este   tipo   de   registro,   apropiado   para   los   actores   de   las   comedias   castellanas,  
refuerza   la   hipótesis   de   que   el   manuscrito   podría   estar   vinculado   a   alguna   compañía   teatral.   En  
cualquier  caso,  las  diez  recreaciones  musicales  aquí  propuestas  podrían  ser  de  utilidad  actualmente  
para  representaciones  de  teatro  del  Siglo  de  Oro.  
  Desde  una  perspectiva  más  amplia,  este  manuscrito  constituye  un  testimonio  relevante  sobre  
la   internacionalización   de   la   música   instrumental   asociada   al   canto   y   la   danza   a   mediados   del   siglo  
XVII.  A  juzgar  por  la  variedad  de  procedencias  geográficas  de  esta  pequeñísima  selección  de  piezas,  la  
circulación  de  este  repertorio  entre  España,  Portugal,  Italia  e  Iberoamérica  parece  haber  sido  intensa.  
Sin  embargo,  será  necesario  profundizar  en  estudios  coordinados  sobre  los  distintos  territorios  para  
poder   evaluar   hasta   qué   punto   fue   una   circulación   rápida,   y   en   qué   medida   los   distintos   esquemas  
musicales  fueron  mantenidos,  variados  o  sustituidos  por  otros  a  lo  largo  de  las  distintas  décadas.  La  
investigación  desarrollada  en  estas  páginas  pone  de  manifiesto  la  necesidad  de  estudiar  las  danzas  y  
bailes  del  XVII  de  modo  interdisciplinar,  combinando  fuentes  y  metodologías  de  naturaleza  diversa,  
no  sólo  musicales,  sino  también  literarias,  iconográficas  y  coreográficas.  Asimismo,  ya  que  la  música  y  
los   músicos   siempre   han   viajado   en   múltiples   direcciones,   especialmente   difíciles   de   documentar  
cuando   se   trata   del   repertorio   popular,   se   hace   necesario   escribir   una   historia   de   la   música   “en  
España”,   “en   Portugal”   o   “en”   cualquier   otro   territorio,   pero   siempre   con   la   mirada   abierta   al  
intercambio   y   la   hibridación   de   repertorios   entre   distintos   lugares,   en   busca   de   un   discurso   más  
integrador  y,  sobre  todo,  más  realista.  
 
Agradecimientos  
  La   autora   agradece   la   ayuda   prestada   durante   la   preparación   del   texto   a   Álvaro   Torrente,  
Gerardo   Arriaga,   Luis   Robledo,   Francisco   Valdivia,   Daniel   Zuluaga,   Belén   Nieto,   Miguel   Laborda,  
Carlota  González,  Juan  Carlos  Justiniano,  Saúl  Aguado,  Lluís  Bertran,  Josep  Martínez,  Javier  de  Diego,  
Natalia  González  y  Maigua  Suso.  La  investigación  ha  sido  financiada  por  una  ayuda  posdoctoral  Juan  
de   la   Cierva   (programa   del   Ministerio   de   Economía   y   Competitividad   de   España,   MINECO)   y   dos  
proyectos   de   I+D:   MadMusic.   Espacios,   géneros   y   públicos   de   la   música   en   Madrid,   siglos   XVII-­‐XX  
(Comunidad   de   Madrid,   2016-­‐2018,   S2015/HUM-­‐3483)   y   Musicología   aplicada   al   concierto   clásico   en  
España,  siglos  XVIII-­‐XXI.  Aspectos  históricos,  productivos,  interpretativos  e  ideológicos  (MINECO,  2015-­‐
2018,  ref.  HAR2014-­‐53143-­‐P).  
 
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[email protected]  

   
 
Winner  of  the  2017  Otto  Mayer-­‐Serra  Award.  
 
 
 
 

ANA   LOMBARDÍA.   “Melodías   para   versos   silenciosos:   Bailes,   danzas   y   canciones   para   violín   en   el  
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