Tíltide

Las mejores exposiciones en Madrid de esta temporada 2024/2025.

2024-10-12T20:29:00.202+02:00

FUNDACIÓN MAPFRE.

Hasta el 5 de enero de 2025.

Paul Durand-Ruel y los últimos destellos del impresionismo.

Paul Durand-Ruel fue un destacado marchante y mecenas que protegió y promovió el arte desde su galería en París, así como desde sus sedes en Londres y Nueva York. Esta muestra da a conocer su figura y relevancia al tiempo que pone en valor el trabajo de cinco artistas de la generación postimpresionista, Albert André, Georges D'Espagnat, Gustave Loiseau, Maxime Maufra y Henry Moret.

FUNDACIÓN CRISTINA MASAVEU.

Hasta el 20 de junio

Arte español del siglo XX. De Picasso a Barceló.

Una selección de las 100 obras más importantes de la Colección Masaveu, que se podrán visitar en la Fundación María Cristina Masaveu. La gran mayoría de las piezas nunca se han expuesto ante el público, por lo que la muestra es una ocasión imprescindible para descubrir obras desconocidas de los artistas españoles más importantes de las vanguardias y la época contemporánea.

La selección incluye trabajos de Miquel Barceló, Picasso, Chillida, Soledad Sevilla, Cristina Iglesias, María Blanchard y Antoni Tàpies, entre muchos otros artistas. Además de disfrutar de la calidad de las obras, los visitantes descubrirán los criterios y el proceso de selección que han estructurado el trabajo de coleccionismo de la familia Masaveu durante décadas.

FUNDACIÓN TELEFÓNICA

Hasta el 4 de mayo.

Materia interior.

El Espacio Fundación Telefónica alberga una muestra que reúne un total de 15 obras escultóricas del artista plástico español, que abarcan más de 35 años de su trayectoria profesional, desde los primeros años de la década de 1990 hasta hoy en día.

La selección de obras que podrán verse en la exposición abarcan más de 35 años de trayectoria profesional, desde los primeros años de la década de 1990 hasta hoy en día. Mediante expresiones más abstractas y conceptuales en las obras de los primeros años, y valiéndose de representaciones más figurativas y sensuales con el paso de los años, el conjunto de obras analiza desde varias perspectivas la profunda reflexión sobre la condición humana que sufre toda la producción del artista.

GALERIA DE COLECCIONES REALES. Planta 3.

Hasta febrero .

Sorolla, cien años de modernidad.

La sala de exposiciones temporales de la Galería de las Colecciones Reales acoge desde mediados de octubre y hasta febrero del 25 “Sorolla, cien años de modernidad”, la gran muestra que clausura el centenario de la muerte del pintor valenciano. La exposición está organizada por Patrimonio Nacional y Light Art Exhibitions en colaboración con el Museo Sorolla y la Fundación Museo Sorolla y reúne por primera vez 77 obras del artista, desde las más célebres a otras que rara vez o nunca han sido vistas en España.

Las pinturas expuestas proceden de las instituciones que atesoran las mejores colecciones del artista, como el Museo Sorolla y la Fundación Sorolla, la Hispanic Society of America, el Museo del Prado o el Museo de Bellas Artes de Asturias, Colección Pedro Masaveu. La exposición también incluye obras de grandes museos como el Musée d’Orsay, de fundaciones como Colección Carmen Thyssen-Bornemisza o Banco Santander y de colecciones particulares nacionales e internacionales, entre otras, de México y Estados Unidos.

Sorolla, cien años de modernidad está comisariada por Blanca Pons-Sorolla, bisnieta del artista valenciano y máxima experta en su obra, Consuelo Luca de Tena, exdirectora del Museo Sorolla, y Enrique Varela Agüí, actual director del Museo Sorolla, cuyo cierre temporal por las obras de rehabilitación y ampliación permite el traslado de algunas de sus piezas más emblemáticas.

MUSEO THYSSEN

Hasta el 9 de febrero.

Gabriele Münter. La gran pintora expresionista.

Gabriele Münter (1877-1962) fue una de las fundadoras de El Jinete Azul (Der Blaue Reiter), el legendario grupo de artistas expresionistas con sede en Múnich. En sus obras, de líneas precisas y colores intensos, la pintora alemana sumerge al espectador en su mundo privado. Fruto de su aguda mirada, amantes, amigos, objetos cotidianos, paisajes o ella misma son reducidos a su esencia.

La exposición propone, a través de más de un centenar de pinturas, dibujos, grabados y fotografías, descubrir a una artista que se rebeló contra las limitaciones que se cernían sobre las mujeres de su época y que consiguió convertirse en una de las figuras sobresalientes del expresionismo alemán a comienzos del siglo XX. Comienza con un extenso capítulo dedicado a sus inicios como fotógrafa amateur y analiza cómo su relación con este medio de expresión moderno, menos codificado que las tradicionales bellas artes, fue fundamental para su desarrollo posterior.

Continuación, la muestra con un recorrido cronológico-temático que se inicia con las obras realizadas durante sus viajes por Europa y el Norte de África junto a su pareja Wassily Kandinsky, y prosigue con un extenso capítulo dedicado a sus obras maestras del periodo de El Jinete Azul. Para finalizar, se centra en su exilio en Escandinavia durante la Primera Guerra Mundial y los distintos caminos de expresión que encontró tras su regreso a Alemania.

A lo largo de su larga carrera, Münter demostró en numerosas ocasiones su capacidad de adaptación, su incansable deseo de experimentación y su falta de prejuicios ante lo nuevo o diferente.

MUSEO REINA SOFÍA

Hasta el 10 de Marzo.

Soledad Sevilla. Ritmos, Tramas y Variables.

Comisariada por Isabel Tejeda, esta gran retrospectiva acerca de la artista Soledad Sevilla, repasa su trayectoria con una estructura cronológica que permite apreciar la evolución de su trabajo. Centrada en la abstracción geométrica, la muestra comienza con las primeras obras de Sevilla, realizadas en el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid, hasta sus últimos trabajos (algunos de ellos realizados exprofeso para la exposición).

La artista siempre ha dicho que "ha pintado el mismo cuadro toda la vida": la selección realizada por Tejeda incide en este concepto, conectando lienzos de los años 60 con piezas de última producción. Además de obra pictórica, la exposición reúne algunas instalaciones clave en la trayectoria de Soledad Sevilla, quien comenzó a investigar este tipo de soportes en los años 80. En resumen, una ocasión única para descubrir a una artista fundamental en el campo de la abstracción geométrica y la plástica con base matemática.

MUSEO DEL PRADO.

Hasta el 23 de Febrero.

'Ecce Homo'. El Caravaggio Perdido.

El misterioso, desconocido y generoso propietario del Ecce Homo de Caravaggio ha cedido en préstamo durante nueve meses esta obra, que permanecerá expuesta al público desde el 28 de mayo en una sala con iluminación tenebrista y claroscuro caravaggiesco dedicada solo a él.

Desde su aparición en una sala de subastas de Madrid hace ya tres años, la obra ha supuesto uno de esos escasos y mágicos descubrimientos de la historia del Arte. El cuadro, que formó parte de la colección privada de Felipe IV, fue pintado por el gran artista italiano hacia 1605-09 durante su época tardía.

FUNDACIÓN MAPFRE

Hasta el 5 de enero .

31 mujeres. Una exposición de Peggy Guggenheim.

En 1943 la célebre coleccionista de arte Peggy Guggenheim organizó, en su galería neoyorkina una de las primeras muestras en Estados Unidos en la que se exponía íntegramente obra realizada por mujeres, europeas y norteamericanas bajo el título Exhibition by 31 Women. La muestra fue concebida por Guggenheim en colaboración con Marcel Duchamp, y la selección de artistas estuvo a cargo de un jurado entre cuyos miembros se encontraban André Breton, Max Ernst o el propio Duchamp. Guggenheim, en su calidad de única mujer del jurado, ocupaba una posición privilegiada para aportar una perspectiva femenina al proceso.

Estas mujeres, ligadas en su mayoría al surrealismo o a la abstracción, mantuvieron con ambas tendencias una posición ambigua. En muchos casos se sirvieron de estos lenguajes para reformularlos y cuestionarlos, manteniendo su independencia y poniendo de relieve los presupuestos patriarcales en los que estos movimientos se asentaban.

CENTROCENTRO

Hasta mayo de 2025.

Madrid Metropoli. El sueño de Antonio Palacios.

CentroCentro ha abierto al público la última exposición del año, Vida del Palacio de Cibeles, dedicada a la historia de su sede. Comisariada por el arquitecto Jacobo Armero, se trata de una muestra permanente que acerca al público los más de 100 años de historia de este edificio, inaugurado como sede central de Correos en 1919, Bien de Interés Cultural, sede del Ayuntamiento de Madrid desde 2007 y de CentroCentro desde 2012.

La exposición, que se despliega a lo largo de las plantas 2, 4, 6 y el Mirador, se apoya por un lado en el propio edificio, que se convierte en la principal obra expuesta, y, por otro, en el material historiográfico que define su biografía: los documentos técnicos, las imágenes, las opiniones, los sucesos históricos de los que ha sido testigo.

SALA CANAL DE ISABEL II. (Santa Engracia)-

Hasta el 30 de marzo

Caprile Lorenzo.

La exposición parte de la premisa de separar al modista de la persona para así entender su trayectoria y sus creaciones desde el origen, desde la esencia, desde sus inspiraciones, obsesiones, influencias y pasiones. Cuenta con más de 100 piezas de Alta costura, acompañadas de una importante selección de obras de arte de grandes maestros de la pintura como Francisco de Zurbarán, Juan Pantoja de la Cruz, Antonio Joli de Dipi, Federico de Madrazo, Erasmus Quellinus, Agustín Esteve o Ramón Casas y Carbó que acercan a un particular concepto de belleza que permitirá entender mejor su pulsión creativa, su trayectoria en la Moda, y con todo ello, a él mismo.

Sus vestidos y creaciones más icónicas se presentan de un modo orgánico, sin atender a un criterio cronológico, buscando un constante diálogo entre ellas, al margen de la categoría a la que correspondan (moda nupcial, artes escénicas, alfombra roja, etcétera) o el año de su creación, para unirse en el espacio expositivo a partir de su fuente inspiradora: Italia, el Barroco, el teatro, el cine, el glamour, los grandes maestros del XX....

Inspiraciones todas ellas que han forjado al modista que es hoy, y que tienen su reflejo en una serie de obras provenientes de otros ámbitos creativos como la pintura, las artes decorativas, la fotografía o elementos propios de la escenografía en las artes escénicas. Alta costura y arte que de forma intuitiva ordenan el relato expositivo. Todo se refleja, se esconde, se fusiona, se afirma o se contradice en su obra. Caprile es Lorenzo, y Lorenzo es Caprile en cada vestido.

Tíltide

C/ Fernando el Católico, 28

28015 Madrid.

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Comienza un nuevo curso.

2024-09-30T19:21:00.011+02:00

Bienvenidos a Tíltide.

Tíltide

es un espacio de ARTE y CULTURA.

Taller artístico

Sara Fernández

José Luis Fernández

Desde el año 2000, fecha en que se fundó, Tíltide ha reunido a quienes han querido disfrutar de exposiciones, tertulias, conferencias, viajes..., realizadas tanto en su sede como en distintos lugares, según los acontecimientos culturales del momento.

Nuestra sede. En Madrid, calle Fernando El Católico, 28.

Con el paso de los años se ha ido transformando: ha conocido a nuevos creadores, la compartido las últimas tendencias y ha aprendido a encontrar en la tradición elementos imperecederos.

En Tíltide se ha podido contemplar la obra de todos los artistas que aparecen en este Blog:

Agustín Martín Francés

Ernesto Pedalino
Francisco Casal
Francisco Recuero
José Luis Fernández

Julián Vegas
La Avispa Verde

Luchi Rodríguez-Valdés
Manolo Lafora

Marta Martinez Villaverde
Margarita Sanz de Andino
Pedro Martínez-Avial

Pilar Carpio
Rafael Castex

Sara Fernández.

Obra de José Luis Fernández, La huella del aire. Su estudio se encuentra en Tíltide.

TILTIDE es además un espacio multidisciplinar en el que no solo se realizan exposiciones, también ACTIVIDADES CULTURALES que se desarrollan en esta sede, y en los Museos y en las salas de exposiciones más importantes de Madrid. También se han impartido conferencias, presentado libros...

En la presentación del libro Enrique de Mesa, cantor del Guadarrama,

Federico Suarez y José Luis Fernández, autores del libro.

Octubre de 2012.

Instalación en el Espacio Cultual Telefónica.

Con nuestras profesoras Carmen Manso de Zuñiga y Sara Férnández, Licenciadas en Historia de Arte por la UCM, os acercaréis a la obra de artistas de imprescindibles como Goya, El Bosco, Dalí, Picasso, Monet... así como a las últimas tendencias del arte y los artistas del siglo XX y XXI: Chagall, Amalia Avia, Leonora Carrington, Bruno Munar o Isabel Quintanilla.

Aprender y disfrutar son las mejores asignaturas de la vida.

Ahora en Tíltide comparten estudio Sara Fernández, SaraLaAvispa, y José Luis Fernández. Aquí se encuentra sus obras, junto con algunas de nuestros artistas amigos artistas. Aquí veremos trabajar a Sara y José Luis y podréis charlar con ellos, os explicarán su obra, y compartiréis con ellos vuestros conceptos de Arte. Solo tenéis que acordar un día y una hora.

Os agradecemos a todos vuestro interés, y esperamos que sigáis encontrando en nuestro Espacio de Arte y en este Blog, contenidos interesantes y atractivos.

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Confirmad vuestra visita.

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Zapadores: Museo del siglo XXI. Y Pilar Carpio

2024-07-09T10:44:00.009+02:00

Con la triste noticia de que cierran el museo madrileño de Zapadores, hoy vuelvo a editar esta entrada que ya apareció en el blog hace algunos años, el 26 abril de 2021 (con una mención muy especial a la obra de Pilar Carpio).

Quiere ser un homenaje a los que lo hicieron posible: a sus directores Francisco Brives y Néstor Prieto, y a todos los artistas que han contribuido con su esfuerzo y trabajo, a que el museo fuera un referente del arte y la cultura en Madrid.

Ubicado en el antiguo cuartel del ejército de Fuencarral, se encuentra el MUSEO ZAPADORES, Museo del siglo XXI. Quiere ser una "ciudad del arte" que acoja a toda clase de artistas, galeristas, asociaciones y museos. Busca crear un espacio de reflexión y de apuesta por las nuevas voces del arte.

Los zapadores son soldados, que en tiempos de guerra, construyen puentes y estructuras para que la vanguardia avance. Y esta metáfora da sentido a un proyecto que se basa en principios de economía circular, recursos éticos, que propone utilizar los edificios sin demolerlos, revisando la arquitectura menor de los mismos para descubrir nuevos usos.

Entre los artistas presentes en sus salas están Antonio Alvarado, Carlos Rivera, Ciria, Almudena Tapia, Jacqueline Bonacic-Doric Rodriguez ... y PILAR CARPIO.

Una vista del museo del ala del primer piso, donde están las obras de Antonio Alvarado.

La obra de Pilar Carpio ocupa un lugar de excepción en este espacio.

Esculturas de Pilar Carpio.

Pilar Espinosa Carpio , es una artista valenciana que estudió publicidad en la Escuela de Artes y Oficios Artísticos de Valencia en 1969, diseño en la Escuela Massana de Barcelona en 1975, y en la Escuela Superior de Bellas Artes (hoy Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Valencia) donde se especializó en escultura. Durante sus años de formación, conoció y compartió experiencias con otros artistas valencianos como Miquel Navarro y Carmen Calvo. En 1992, se doctoró con una tesis sobre la obra religiosa de artistas valencianos.

Desde esos primeros años de formación hasta nuestros días, su obra, presentada a concursos y certámenes nacionales e internacionales, ha sido premiada en reiteradas ocasiones: desde premios de escultura otorgados por la Facultad de Bellas Artes de Valencia al Primer Premio en Pintura y en Escultura (1986 y 1988 respectivamente) otorgado por el Comité Olímpico Internacional en Lausanne (Suiza) o el Premio Nacional de Cerámica del Ministerio de Agricultura y Pesca. También ha sido nombrada Académica de Honor y premiada por de Academia Internacional de Ciencias, Tecnología, Educación y Humanidades (2014/2017), entre otros muchos galardones.

La artista ha participado igualmente en numerosas exposiciones colectivas en galerías de arte, centros culturales y museos (Museo Postal y Telegráfico de Madrid, 1998, Fundación Bancaja de Valencia, 2000, Estampa, Salón Internacional del Grabado de Madrid, 2003…) así como exposiciones individuales (Instituto de Cultura de Burjassot (Valencia), 1999, Coliseo de la Cultura Príncipe de Asturias de Villaviciosa de Odón, 2001, Coliseo de la Cultura Escuela Madrileña de Cerámica de la Moncloa, 2004, Centro de Arte Villa de Móstoles, 2006…). Además su obra está presente en importantes colecciones públicas y privadas, en España y en muchos museos del del mundo: de Europa (París, Suiza, Irlanda.) y de América (Los Ángeles, Caracas). Y también hemos podido contemplarla en la Galería de Arte Tíltide. Seguro que nuestros amigos y visitantes la recordarán porque es una obra muy especial e inconfundible.

Aquí tenemos una muestra de la obra de Pilar Carpio que ocupa, permanentemente, una sala en el Museo Zapadores.

Sara Fernández, directora y comisaria de Tíltide, con la obra de Pilar Carpio,
en el Museo Zapadores.

El centro cuenta con la colección permanente del Museo C.A.V. La Neomudéjar, ubicada en una gran sala de 4.000 metros cuadrados situada en la segunda planta del edificio. Esta colección se compone de obras de artistas como Rafael Peñalver, Paz Muro, Antonio Alvarado, Mahé Boissel, Jacqueline Bonacic-Doric, Orest Antoshkiv, Ana Dévora, Ze Carrión, Marc Janus, Jimena Aragonés, Johana Kirby, Fardou Keuning o Guy Deuning, entre muchos otros

Asimismo, acoge una ciudadela de artistas donde se muestran los estudios de artistas autogestionados, una zona Lab de Asociaciones, que cuenta con sus propios espacios de trabajo y una nave específica donde desarrollar sus actividades, como conferencias, exposiciones, talleres o debates.

Además, dispone de espacios independientes para galerías que quieran desarrollar sus propias exposiciones y actividades.

Vista del museo con la obra de Carlos Rivera Lauría.

Otra vista del museo con la obra de Pilar Carpio.

Exposición del artista Ciria, titulada Tiranía de la igualdad:"El arte no significa nada si la vida no lo rebasa."...

De nuevo la obra de Carlos Rivera Lauría. en esta imagen y la posterior.

Galería de Arte TÍLTIDE

C. Fernando el Católico 28.

28015 Madrid.

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La obra de Rosario de Velasco en el Thyssen.

2024-07-05T18:41:00.018+02:00

El verano de Madrid nos trae una exposición dedicada a la pintora figurativa española Rosario de Velasco (Madrid, 1904 - Barcelona, 1991). Podemos verla en el Museo Thyssen hasta el 15 de septiembre. Otra vez una sinsombrero entra a formar parte de nuestro actual panorama cultural.

Comisariada por Miguel Lusarreta y Toya Viudes de Velasco, sobrina nieta de la artista, la muestra reúne treinta pinturas de los años 20 a los 40 del siglo pasado, y una sección dedicada a su trabajo como ilustradora gráfica. Y así, se exponen por primera vez obras guardadas en la familia y en colecciones particulares, algunas hasta ahora en paradero desconocido y que se han ido localizando y recuperando en los últimos años, con muchas dificultades.

LA VIDA DE LA PINTORA.

La artista concurrió por primera vez a la Exposición Nacional de Bellas Artes en 1924 con dos óleos titulados Vieja segoviana y El chico del cacharro, y en 1931 estuvo presente en el primer Salón español de Dibujantas, destacando entre las representadas como digna de mención según el crítico Manuel Abril.

En 1932 obtuvo la segunda medalla de pintura en la Exposición Nacional de Bellas Artes con el óleo Adán y Eva que hoy podemos ver en el Museo Reina Sofía, obra representativa del retorno al clasicismo, o «retorno al orden», experimentado por las vanguardias europeas en el periodo de entreguerras. La artista presentará esta misma pintura en las muestras organizadas por la Sociedad de Artistas Ibéricos en Copenhague. de la que forma parte, y en la galería Flechteim de Berlín, entre diciembre de 1932 y enero de 1933.

Con El baño, presentado en 1931 en el Salón de otoño, participó en 1935 en la exposición que la Librería Internacional de Zaragoza dedicó exclusivamente a jóvenes mujeres artistas y escritoras, con la colaboración de Carmen Conde, Menchu Gal y Josefina de la Torre, entre otras, y otra vez nos encontramos con las sinsombrero en nuestro recorrido.

En 1934 expuso en Carnegie Institute de Pittsburgh y en 1936 en la Exposición de Arte Español que tuvo lugar en el Musée des Écoles Etrangères Contemporaines de París.

En Madrid se rodeará de importantes intelectuales y artistas como Delhy Tejero, Concha Espina, Consuelo Berges, Carmen Conde, José Gutiérrez Solana, Alfonso Ponce de León o Matilde Marquina, y las ya citadas Carmen Conde o Menchu Gal.

Rosario se acercó a la Falange desde su profunda religiosidad, y formará parte de ella, siendo una de las primeras militantes desde 1933, pues se declaraba ferviente seguidora de José Antonio Primo de Rivera. Más adelante se afiliará, asimismo, a la Sección Femenina de su amiga Pilar Primo de Rivera. Abajo su autorretrato.

En casa del editor Gustavo Gili, conoció al que sería su marido, el médico Xavier Farrerons Co, con quien contrajo matrimonio en Barcelona en 1937. El matrimonio huyó a continuación a Francia, para pasar a la zona sublevada, donde nació su única hija, María del Mar, y colaboró con sus dibujos con la revista Vértice. Acabada la guerra civil la familia se estableció definitivamente en Barcelona, iniciando una etapa de intensa actividad pictórica, si bien se mantuvo siempre alejada de las corrientes artísticas y rodeada de buenos amigos como Dionisio Ridruejo, Eugenio d´Ors o Carmen Conde.

En 1944 fue seleccionada para el Segundo Salón de los Once, muestra organizada por la Academia Breve de Crítica de arte, impulsada por D´Ors para dar a conocer el arte de la primera posguerra.

En 1968 obtuvo el Premio Sant Jordi por La casa roja, obra característica de la evolución de la pintora, cuyo estilo, ahora de perfiles desdibujados a base de transparencias, se irá apartando del clasicismo sin renunciar nunca a la figuración. Pero es esta una obra posterior, que ya no entra en la exposición, que sólo comprende obras pertenecientes a las décadas de los años 20 al 40.

En la ilustración de libros, además de la citada colaboración con la revista Vértice, proporcionó las ilustraciones de Cuentos para soñar (1928) y La bella del mal amor (1930) de Maria Teres León y Princesas del martirio de Concha Espina (Gustavo Gili, Barcelona, 1940) o La bien Plantada de Eugenio d´Ors. La belleza de estas ilustraciones no nos deja indiferentes a los espectadores de la muestra.

LAS OBRAS

Óleos y obras de gran formato.

Era capaz de revisitar los temas y los estilos de la historiografía de una manera muy moderna, conviviendo con las influencias vanguardistas. Creo que esa fue la razón por la que se convirtió en una de las figuras más importantes del momento, dice Elena Rodríguez, coordinadora de la exposición.

Las primeras obras tienen un marcado carácter realista y tradicional, como este titulado los Maragatos, que ya pudimos ver en la exposición de Las sinsombrero el año pasado en el Centro Fernán Gómez de Colón. ¿La recordáis?

La sobrina nieta de la artista fue la que se propuso encontrar la obra de Rosario de Velasco, que estaba perdida. Gracias a la participación de muchas personas fueron apareciendo cuadros de la talla de Gitanos (1935), que se expuso en Pittsburg en 1935 y que estaba en la misma sala que Dalí, y Maternidad (1933), con la que participó en una de las ediciones de la Bienal de Venecia, ambas en posesión del mismo coleccionista; o las ilustraciones que realizó para la edición de Cuentos para Soñar de su amiga María Teresa León en 1928. Desde que empezó todo, se han recuperado 211 obras que estaban sin localizar y aún se espera que se encuentren muchas más gracias a la exposición, dice Toya Viudes de Velasco.

Esta obra titulada Adán y Eva, del año 1932 tiene ya un aire diferente: centrada en la representación de dos personajes, un hombre y una mujer, acostados en una pradera, sobre una tupida vegetación; presenta en la composición una de las principales constantes de la trayectoria plástica de la autora. Es la suya una producción figurativa que en el período anterior al año 1936, se aproxima al realismo de los colectivos identificados con la corriente europea de recuperación del clasicismo, como la Nueva Objetividad alemana o los italianos Valori Plastici.

Si bien la iconografía de Velasco se inspira siempre en los motivos pictóricos tradicionales: naturalezas muertas y composiciones con figuras, (como en el propio caso de Adán y Eva), la aproximación a esos temas se caracteriza por un innovador tratamiento formal, que incluye los aspectos técnicos y el empleo del color.

Así ocurre ocurre con Las Lavanderas (1934), cuyas protagonistas no son el prototipo de la mujer española presente en los Maragatos, por ejemplo. Encontramos en él una influencia cubista y de otras corrientes de Vanguardia en el carácter pétreo de sus figuras, y en la inalterable quietud, y en la frialdad. Nos deja una sensación de realidad irreal, que suspende la obra en el tiempo y hace que "no pase de moda".

Ya en 1936 se produce una deriva del realismo hacia la acción política. Fue una tendencia frecuente en un momento convulso de la historia de España en el que el arte se puso al servicio de la propaganda. La obra que aparece a continuación pertenece a este momento, se trata de La matanza de los inocentes.

La riada de 1957 dejó el cuadro durante años cubierto de barro y con marcas de agua. La magnífica y perturbadora obra fue atribuida a Ricardo Verde en base al monograma con el que Rosario de Velasco firmaba sus obras, con las iniciales de su nombre, RV, hasta que en 1995 fue devuelta su autoría a la artista, Pertenece al museo de Bellas artes de Valencia.

Otras obras de esta sección: bodegones, juguetes, la charanga...

Ilustraciones y obra sobre papel.

Como ilustradora, desde muy pronto, colabora en diferentes proyectos: en la revista La Esfera (1927), en Cuentos para soñar (1928) de su buena amiga María Teresa León, en la revista Vértice...…

El relato de León se trata de un libro ecléctico, no sólo por la mezcla de lo antiguo y lo nuevo, sino también de distintas tradiciones literarias, como la cuentística, la teatral o la poética. Este eclecticismo es recogido por las ilustraciones de Rosario de Velasco, que varían en tamaño, color, estilo y localización en el texto. (…)

En la portada de Cuentos para soñar y a lo largo del libro, las ilustraciones de Velasco refuerzan el mensaje de León y su combinación tradición-modernidad. El título mismo sugiere un futuro imaginado y por crear, tal como implica el “para soñar”. Por su parte, la portada diseñada por Velasco enfatiza la modernidad, puesto que muestra fábricas humeantes y grandes rascacielos, pero no excluye la tradición, en este caso la de los cuentos infantiles, que está representada por un gran pájaro volador que porta sobre sí a Nenasol y Pulgarcito. Las ilustraciones de Velasco armonizan con las palabras de León, pues retratan a la protagonista como una chica moderna y activa.

Con María Teresa León, Rosario vuelve a colaborar en las ilustraciones de La bella del mal amor en 1930. En ese cuento se denuncia la doble moral y las injusticias a las que se enfrentan las mujeres que rompen las normas sociales.

En 1932 ilustra Cuentos para mis nietos de Carmen Karr y Alfonsetti “(Barcelona,Barcelona, 1943), periodista, escritora, musicóloga y publicista española. La autora, sufragista, fue una de las promotoras más adelantadas del feminismo catalán de principios del siglo XX, junto a Dolors Monserdà, con quien colaboró también Rosario.

Como ilustradora, colabora con la revista Vértice (San Sebastián, 1937-Madrid, 1946), publica dibujos y reproducciones de alguna de sus obras al óleo, o paisajes (como esa grisalla que vemos más abajo). En 1940, ilustrara Princesas del martirio de Concha Espina (Gustavo Gili, Barcelona) y otros trabajos como La bien plantada de Eugenio D’Ors (Editorial Éxito, 1954), que aparece a continuación.

A través de esta selección de pinturas, dibujos e ilustraciones, y con un planeamiento que combina aspectos generales de la historia del arte, y que explora también conceptos estéticos, sociales y políticos; la exposición del Thyssen, pretende redescubrir y poner en valor, el trabajo de una de las grandes artistas del arte español de la primera mitad del siglo XX.

En resumen, Rosario de Velasco, integrante de la Sociedad de Artistas Ibéricos y próxima a la Nueva objetividad alemana; vasca, de origen, descendiente de carlistas y con fuertes convicciones religiosas, se manifestó ideológicamente cercana a la Falange Española y durante la Guerra Civil huyó a Francia para pasar a la zona sublevada. Colaboró con sus dibujos en la revista Vértice y otras. Acabada la guerra, y ya en Barcelona, inicia una etapa de intensa actividad pictórica aunque se mantuvo siempre alejada de las corrientes artísticas. Familiares de Rosario de Velasco y en particular su sobrina nieta, pusieron en marcha un proyecto de recuperación de su figura que, hasta ahora, había sido eclipsada por la historia.

TÍLTIDE

ACTIVIDADES CULTURALES.

C/ Fernando el Católico, 28

28015 Madrid.

tiltidearte.com

Profesora: Sara Fernández.

Fotografía: Sara Fernández.

Historiadora del Arte por la UCM, diseñadora y profesora.

Otras fuentes:

https://www.rosariodevelasco

https://www.uv.es/dep230/revista/PDF253.pdf

https://www.vogue.es/articulos/rosario-de-velasco-exposicion-museo-thyssen-madrid-2024

2024-06-24T13:45:00.007+02:00

Bienvenidos a Tíltide.

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es un espacio de ARTE y CULTURA.

Taller artístico

Sara Fernández

José Luis Fernández

Nuestra sede. En Madrid, calle Fernando El Católico, 28.

Con el paso de los años se ha ido transformando: ha conocido a nuevos creadores, la compartido las últimas tendencias y ha aprendido a encontrar en la tradición elementos imperecederos.

En Tíltide podéis contemplar la obra de todos los artistas que aparecen en este Blog y de alguno más:

Agustín Martín Francés

Ernesto Pedalino
Francisco Casal
Francisco Recuero
José Luis Fernández
La Avispa Verde

Luchi Rodríguez-Valdés
Manolo Lafora
Margarita Sanz de Andino
Pedro Martínez-Avial
Rafael Castex

Sara Fernández

Obra de José Luis Fernández, La huella del aire. Su estudio se encuentra en Tíltide.

TILTIDE es además un espacio multidisciplinar en el que no solo se realizan exposiciones, también ACTIVIDADES CULTURALES que se desarrollan en esta sede y en los Museos y en las salas de exposiciones más importantes de Madrid. También se imparten conferencias, se presentan de libros...

En la presentación del libro Enrique de Mesa, cantor del Guadarrama,

Federico Suarez y José Luis Fernández, autores del libro.

Octubre de 2012.

Instalación en el Espacio Cultual Telefónica.

Aprender y disfrutar son las mejores asignaturas de la vida

Ahora en Tíltide comparten estudio Sara Fernández, SaraLaAvispa, y José Luis Fernández. Aquí se encuentra sus obras, junto con las de nuestros artistas amigos. Aquí veremos trabajar a Sara y José Luis y podréis charlar con ellos, os explicarán su obra y compartiréis con ellos vuestros conceptos de Arte. Solo tenéis que acordar un día y una hora.

Os agradecemos a todos vuestro interés, y esperamos que sigáis encontrando en nuestro Espacio de Arte y en este Blog, contenidos interesantes y atractivos. ¡Feliz verano a todos!

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Lucio Muñoz en la Casa del Cordón. Burgos.

2024-05-14T13:33:00.009+02:00

El techo mural que realizara Muñoz en 1986, para la entidad, junto con algunas de las obras más representativas del artista, referente del informalismo español, están presentes en la exposición que se presenta en la ciudad de BURGOS. En la rehabilitada Casa del Cordón.

Lucio Muñoz (Madrid, 1929-1998) es uno de los indiscutibles maestros del informalismo español. Su trabajo, reconocido en vida con encargos y proyectos extraordinariamente ambiciosos y con exposiciones de gran resonancia, está ligado a la Casa del Cordón de manera directa. Suyo es el gran techo-mural que corona la planta donde se ubica la actual sala de exposiciones; suyas son también las dos puertas que decoran las entradas de la sala del consejo.

Tal vez por contar con estas grandes obras en su acervo cultural, la Casa del Cordón no había dedicado hasta la fecha una amplia exposición al considerado "gran maestro de la madera" como respaldo creativo pictórico. Muñoz entendió la pintura desde su cualidad material, otorgando gran importancia al soporte como una parte más, indisoluble de esta. Por ello, la madera y el papel se convirtieron en sus manos en un género nuevo, en un universo plástico original y exclusivo, distintivo y diferenciador.

Además forman parte de la exposición tres grandes puertas destinadas a la parte superior de la casa. Dos de ellas se situaron en el acceso a la Sala del Consejo de Administración. Se han desmontado del lugar para el que fueron planteadas y se han integrado en el itinerario expositivo. La tercera puerta sólo se había exhibido una vez, cuando formó parte de las Edades del Hombre de Salamanca en 1993.

La trayectoria de Lucio Muñoz fue clave en la creación y evolución del informalismo en España. Muñoz fue becado por el estado francés en 1956 para continuar sus estudios en París. Tras su regreso de la capital francesa, donde había entrado en contacto con el informalismo de pintores como Jean Dubuffet, Jean Fautrier, Wols o Antoni Tàpies, el artista madrileño comenzó a utilizar la madera, convirtiéndola en algo más que un soporte.

Lucio Muñoz estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando (1949-1954) donde conoció a los más tarde conocidos como "realistas madrileños": Antonio López, los hermanos López Hernández, Isabel Quintanilla, María Moreno, Esperanza Parada y a la que se convertiría más adelante en su mujer, Amalia Avia. En 1983 se le concede el Premio Nacional de Artes Plásticas y en 1993 la Medalla de Oro de las Bellas Artes.

Con sus amigos: el grupo de los "realistas madrileños".
Entre ellos Amalia Avia, Isabel Quintanilla, Antonio López, María Moreno...

Lucio Muñoz con su esposa amalia Avia 1959.

Su primera exposición individual se celebró en la Galería Dintel (Santander, 1955). A partir de entonces participó en numerosas exposiciones en salas, instituciones y ciudades de todo el mundo. Su obra se ha exhibido en prestigiosas instituciones de todo el mundo, desde el Stedelijk Museum en Ámsterdam hasta la Bienal de Venecia. Exposiciones recientes han destacado su legado, como “Lucio Muñoz, 1950-1998” y “Lucio Muñoz. Literatura, memoria, paisaje“. Sus piezas se encuentran en colecciones públicas y privadas en todo el mundo, incluyendo museos como el Reina Sofía en Madrid y la Tate Gallery en Londres.

Lugar especial ocupa en la exposición, como no podía ser de otro modo, el empleo de la madera. Vemos aquí varios ejemplos con tierras, maderas, óleo, lija ... trabajados de una manera muy personal: pintando, quemando, rasgando, arañando... Son los procesos que Lucio Muñoz utilizaba en sus obras.

A diferencia de otros murales, como el de Aránzazu, o el de la asamblea de Madrid, el de Burgos es un cielo creado con madera, suspendido, casi flotando, que genera diferentes texturas, que tan pronto parecen masas impenetrables, como se abren en una especie de gloria contemporánea. Lo colores dominantes son los negros y los grises que se recorren con líneas rojas que sugieren un volcán, mientras los azules sugieren una apertura hacia un más allá.

Además Muñoz convirtió el grabado en mucho más que un proceso. más que una pericia técnica. Sus grabados son obra autónoma, independiente y mayúscula. Los tamaños que manejó, el riego estético asumido. la belleza final... lo hacen incomparable. Esta exposición incluye algunos de gran formato, que presidian las paredes de las dependencias interiores de la Casa del Cordón.

Él se sentía muy cómodo trabajando con el papel. Le permitía hacer cosas que no podía hacer con la madera. En cierto modo se sentía más libre con él, menos obligado a crear obras contundentes, grandiosas o absolutamente coherentes con su lenguaje. El papel le permitía jugar. Es más manejable, más inmediato, más luminoso. Además le permitía una relación más intima y reposada. Por ello en momentos muy distintos de su trayectoria Lucio Muñoz se refugió en el papel, una especie de desahogo, pero también un lugar de aprendizaje.

El trabajo con el papel le permitía soltarse en cierto modo, y esa desenvoltura así como diversas soluciones plásticas las aplicaba después a su trabajo con la madera. Sea como sea, en la mayoría de sus obras sobre papel, la madera también tiene su presencia. Es como si Lucio Muñoz no pudiera serle infiel a su material predilecto, o mejor dicho, como si la atracción que la madera, con su verdad natural, ejerce sobre él, fuera demasiado fuerte para no tenerla en cuenta.

Una exposición que pretende no solo una contextualización del gran mural de la Casa del Cordón, con obras cronológicamente próximas, sino que se ha buscado también mostrar sus antecedentes y la evolución posterior del trabajo de Lucio Muñoz. Una obra espléndida.

Fuente:

https://portal.cajadeburgos.com/exposicion/0606100258/

ACTIVIDADES CULTURALES TÍLTIDE

C. Fernando el Católico 28, Madrid.

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Isabel Quintanilla: Un merecido homenaje en el museo Thyssen.

2024-04-29T11:12:00.009+02:00

El realismo íntimo de Isabel Quintanilla es el título con el que el museo Thyssen dedica por primera vez una exposición monográfica a esta artista española, Isabel Quintanilla (1938-2017). Una de las figuras fundamentales del realismo contemporáneo. Ella vivió y trabajó en un momento de la historia de España en el que las mujeres artistas no tenían el protagonismo del que disfrutaban los artistas masculinos, lo que no pasaba por alto en sus declaraciones públicas para reivindicar así el valor de su trabajo y el de sus compañeras: María Moreno o Amalia Avia, otra de las artistas de cuya obra hemos disfrutado durante nuestro curso de arte.

La exposición reúne un centenar de obras de Isabel Quintanilla , incluyendo sus pinturas y dibujos más sobresalientes, muchas de ellas piezas nunca vistas en España por encontrarse principalmente en museos y colecciones de Alemania, país en el que tuvo un destacado reconocimiento en los años 1970 y 1980.

Una selección de obras que propone un recorrido que nos sumerge en el “mundo Quintanilla”, protagonizado por sus objetos más personales, por la intimidad de las estancias de los diferentes domicilios y talleres donde vivió y trabajó, así como por su familia y sus compañeros. "Un universo en el que el visitante va a reconocer ambientes y objetos que activarán sus emociones, objetivo que estuvo siempre presente en la autora. Como ella misma afirmó en numerosas ocasiones, la pintura era su vida y su vida era la pintura".

Cuarto de baño, 1968. Óleo sobre tabla,

INFANCIA Y JUVENTUD

Nació el 22 de julio de 1938 en el madrileño barrio de Pacífico, y durante la Guerra Civil su padre formó parte del ejército republicano, en el que ingresó con el rango de capitán por su formación como Ingeniero de minas, y llegó a ser comandante. Y como consecuencia, finalizada la guerra, falleció en 1941 en la cárcel. Isabel apenas tenía tres años. Su madre sacó a la familia adelante con su trabajo como costurera.

Autorretrato. Lápiz sobre papel. 1962.

Cursa el bachillerato superior en el instituto nacional de enseñanza media Beatriz Galindo de Madrid. Asiste a las clases de dibujo y pintura en el taller de la pintora Trinidad de la Torre. Para preparar su ingreso en la Escuela de Bellas Artes, Isabel se matricula en las clases nocturnas de la Escuela de Artes y Oficios, en la que obtuvo el premio extraordinario en 1953-1954. En sus ratos libres, al igual que muchos otros estudiantes, practicó la copia de modelos en yeso de esculturas clásicas para completar la preparación del exigente examen de ingreso a la Escuela de Bellas Artes y allí descubrió también la escultura gótica y renacentista.

En 1959 concluye sus estudios y obtiene el título de profesora de Dibujo y Pintura. En septiembre recibe una beca de ayudante de catedrático de instituto y enseña dibujo artístico y dibujo lineal. Expone por primera vez en la muestra grupal titulada Los niños organizada por la Fundación Rodríguez-Acosta de Granada.

Lavabo del colegio de Santa María.1968

En 1960 se casa con Francisco López, quien ese mismo año, gana el Gran Premio de Arte de la Academia de Bellas Artes de Roma, y allí se traslada el joven matrimonio y se relaciona con otros creadores becados por esta organización. En Italia comienza un periodo decisivo para Isabel, una nueva forma de entender el arte, identificando la obra como la representación de la realidad que nos rodea, de lo cotidiano con toda su carga poética y evocadora.

Roma (La casa roja).1962

A su regreso a Madrid en 1964, Isabel va a mostrar una mayor confianza en el empleo de nuevas tonalidades, aunque al pintar flores sigue utilizando blancos y grises. En esta nueva etapa sorprende la manera en que se multiplican los verdes, los dorados y los azules. Ese mismo año realiza su exposición en la galería Edurne de la capital.

Ventana con lluvia. 1970.

A partir de esa fecha y, sobre todo, de las sucesivas muestras que hizo en Alemania, surge el interés por su obra en el extranjero: Participa en la gran exposición Kunst nach Wirklichkeit: Ein neuer Realismus in Amerika und in Europa [Arte después de la realidad: un nuevo realismo en América y Europa] que arranca en la Kunstverein de Hannover para itinerar después al Centre national d'art contemporain de París (actual Centre Pompidou) como Hyperréalistes américains/Réalistes européens [Hiperrealistas americanos/ Realistas europeos]; a la Städtische Kunsthalle de Múnich; al Boijmans van Beuningen Museum de Rótterdam con el título Kijken naar de werkelijkheid [Mirando la realidad]; para recalar en el Palazzo Reale de Milán.....

Atardecer en el estudio, 1975.

LOS AMIGOS

De vuelta a Madrid, forma parte del denominado “grupo de realistas madrileños”, cuyo punto de partida se remonta a los años cincuenta del siglo XX y cuya vida y obra se han desarrollado, fundamentalmente, en Madrid.

Sobre su denominación, el pintor Antonio López, uno de sus más importantes miembros, aclaraba que no es un grupo tal y como se entiende en el mundo del arte, puesto que nunca hubo un programa ni unos objetivos marcados o una línea a seguir. Se trató, desde el principio, de amigos que se conocieron y formaron, en su mayoría, en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando; que han compartido largas horas de debates artísticos y que han expuesto en varias ocasiones juntos. Dicha relación se vio fortalecida por los matrimonios que tuvieron lugar dentro del grupo: Amalia Avia con Lucio Muñoz, Isabel Quintanilla con Francisco López Hernández, Esperanza Parada con Julio López Hernández y María Moreno con Antonio López. La razón de su unidad radica, pues, en un entendimiento estético y un respeto mutuo.

https://tiltide.blogspot.com/search?q=amalia+avia

Amalia Avia. El aparador (1989)

Maria Moreno. Bodegón (1990)

Maria Moreno.Patio interior de una casa de Madrid. (1980)

Amalia Avia.El comedor 1987

Amalia Avia La casa de Cristina. 1983

EL ESTILO

Tiene como base un lenguaje figurativo que va más allá de la mera representación de la realidad. Un estilo cuidado y preciso, que imprime a su obra una fuerte carga emocional, marcada por la serenidad, la quietud, la tranquilidad y la intimidad. Su pintura se basa en captar de la realidad o la verdad, pero a través de aquello que la rodeaba: lo más cercano, lo más íntimo.

Pocas veces parecen figuras humanas. Nos muestra a la persona con un objeto que la representa: un detalle, un vaso, un florero.... como si se tratase del objetivo de una cámara fotográfica. Ocurre así en Homenaje a mi madre (1970) obra en la que aparece una máquina de coser Alfa. Nunca pintó a la madre pero está presente en su pintura en muchos objeto cotidianos y especialmente de costura, en este sobre todo, ya que su madre sacó adelante a su familia trabajando como costurera, después de la muerte del padre de Isabel. Sin duda la obra lleva implícita la huella de su madre.

Homenaje a mi madre (1970).

El cuarto de costura. 1974

Uno de los escasos cuadros en los que aparece la figura humana es éste, en el que su marido, Francisco López, está escribiendo en una habitación de su casa.

Retrato de Francisco. 1970

Sus bodegones combinan una temática clásica con objetos muy contemporáneos, como el vaso de Duralex, el teléfono o la máquina de coser, que evocan un tiempo y un país, el nuestro . Quintanilla es una pintora de la realidad por ella vivida y una gran parte de su obra trata de los espacios que habitó: el dormitorio, la cocina, el baño, el rincón de la costura y el estudio de la artista, aunque casi siempre vacíos de figuras, como ya he dicho. En esos interiores late la presencia de los personajes de su vida, su marido y su hijo, sus amigos. Todo respira intimidad: las ventanas que reciben la luz de fuera y las puertas que nos llevan más adentro....

Mesa azul. 1990

La pintura de Isabel Quintanilla es resultado de un dominio rotundo de la técnica y de un oficio adquirido en distintas escuelas, pero, sobre todo, de un trabajo continuado en el tiempo. La artista se refería siempre a la lucha constante que supone resolver los problemas que la pintura plantea a todo aquel que quiere valerse de ella para experimentar la realidad de otra manera.

Busto de Isabel, realizado por Francisco López.

Fuente:

www.museothyssen.org/exposiciones/realismo-intimo-isabel-quintanilla

Visita organizada por Sara Fernández:

Historiadora del Arte por la UCM, diseñadora y profesora.

Fotografía: María de la Riva

ACTIVIDADES CULTURALES TÍLTIDE

C. Fernando el Católico 28, Madrid.

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La Galería de las Colecciones Reales y la sala de los Borbones

2024-04-02T21:07:00.013+02:00

El edificio está excavado en la roca, desde el Campo del Moro hasta la Plaza de la Armería. Cuenta con dos accesos: desde la cornisa de esa plaza, al nivel del Palacio Real, y desde la Cuesta de la Vega, en la cota más alta de los jardines del Campo del Moro. Las vistas sobre Madrid, la Casa de Campo y la Sierra son inigualables.

Luis Moreno Mansilla y Emilio Tuñón -Premio Nacional de Arquitectura 2022- diseñaron el edifico que ha recibido 10 premios de arquitectura- dando continuidad a la fachada del Palacio Real. Un museo imprescindible para quienes visiten este nuevo triángulo del arte de Madrid que forman el palacio, la Catedral y la galería, una propuesta sin igual en los últimos años en España. Y prueba de ello son estas magnificas fotografías.

La galería reúne obras de arte de distintos tipos: pintura, escultura, tapices, armas, relojes, instrumentos musicales, piezas de metal, muebles, carrozas, libros y documentos.....

Estas obras de arte representan las Colecciones Reales de España durante 3 épocas:

• El reinado de los Reyes Católicos.

• El reinado de los reyes de la Casa de los Austrias.

• El reinado de los reyes de la Casa de los Borbones.

Las Colecciones Reales son las que pertenecieron a los reyes. Las obras de arte muestran los gustos personales de los reyes y sus familias. También enseñan la historia de los reyes de España y sus territorios, y las relaciones que el reino tuvo con otras familias reales. La monarquía española también estuvo muy relacionada con la religión católica. Por eso, hay muchas obras de arte sobre religión en esta colección. Otro grupo de obras de arte muestran el desarrollo de la tecnología y la economía.

La Sala de los Borbones

El cambio de reinado de los reyes de la Casa de los Austrias a la Casa de los Borbones supuso un cambio en el arte, los adornos, los muebles y las costumbres de la Corona. Las colecciones de los Austrias estaban en el Real Alcázar y en el Palacio del Buen Retiro. Pero se perdieron muchas pinturas debido a un incendio en el Real Alcázar, y porque durante la Guerra de Independencia (1808 1814) se destruyó el Palacio del Buen Retiro.

Durante los años de reinado de los Borbones, construyeron el Palacio Real de Madrid, el Real Sitio de San Ildefonso en La Granja y otros muchos palacios, casas de campo y zonas de descanso. El estilo de estos nuevos palacios estaba inspirado en la moda francesa e italiana. Los muebles, alfombras, pinturas, lámparas y otros objetos de los palacios eran un símbolo de la grandeza del rey.

El rey Carlos II, al no tener él descendencia, deja el trono de España en manos de Felipe de Borbón, nieto del rey francés Luis XIV. Esta decisión provocó una guerra que duró desde 1701 hasta 1714 con Inglaterra y los Países Bajos que no estaban de acuerdo. Al final, Felipe de Borbón fue rey de España más de 40 años y le conocemos como Felipe V.

Durante su reinado, España perdió su poder sobre algunos territorios. Pero Felipe V impulsó la cultura, él y su segunda esposa, Isabel Farnesio, retratada en el óleo anterior, estaban muy interesados en el arte y guardaban muchas obras importantes. Él rey mandó construir un nuevo palacio después del incendio de El Alcázar en 1734.

Fernando VI, nuestro siguiente, rey nació en Madrid en 1713. Era hijo de Felipe y su primera esposa, y se convirtió en Príncipe de Asturias con 11 años. En 1729 se casó con la infanta portuguesa Bárbara de Braganza pero no tuvieron hijos. Fernando VI vivió un año en el Castillo de Villaviciosa de Odón, y fue después de morir su esposa, cuando cayó en una profunda depresión. Los años del reinado de Fernando VI fueron tranquilos, modernizó la Marina y creó la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (en la imagen posterior).

Al rey y a la reina les gustaba mucho la música, pusieron en marcha jornadas musicales con cantantes conocidos de la época y fomentaron el teatro. Corrado Giaquinto fue un pintor muy importante. en aquel momento y el rey le encargó muchas obras para el Palacio Real de Madrid.

Carlos III es el primer hijo de Felipe V y su segunda esposa, Isabel Farnesio. Carlos nació en Madrid en 1716 y se casó con María Amalia de Sajonia. Era rey de Nápoles, cuando se convirtió en rey de España a la muerte de Fernando VI, su hermanastro, sin descendencia, y ya era un hombre con experiencia que quería modernizar y reformar España.

Hizo obras en Madrid para mejorar la ciudad, porque al ser la capital de España, tenía que representar magníficamente al país. Organizó viajes para hacer estudios científicos en América. Fomentó la actividad de los Reales Talleres y la Real Fábrica de Tapices y creó la Real Fábrica de Porcelana. Carlos III decoró el Palacio Real de Madrid y amplió los de El Pardo y Aranjuez. En la segunda fotografía un regalo hecho al rey, que es un mosaico, realizado con teselas de colres.

Carlos IV nació en 1748. Se casó con su prima María Luisa de Parma. El reinado de Carlos IV fue difícil porque coincidió con la Revolución francesa y la invasión de Francia a España. Perdió el control de los territorios españoles en América. Su propio hijo le engañó, y el pueblo no le quería por la crisis económica que atravesaba España, tuvo que marcharse de aquí cuando los franceses nos invadieron. El rey y la reina vivieron sus últimos años en Roma.

Goya fue el primer pintor de cámara de este rey. Un pintor de cámara era el encargado de pintar los retratos del rey, como en el retrato anterior, su familia y otros cuadros, por ejemplo, religiosos. Uno de los más importantes es La familia de Carlos IV que está en el Museo del Prado.

Cuando Carlos IV se convirtió en rey pidió que cambiaran la decoración del Palacio Real de Madrid para ponerlo a su gusto. Una de las habitaciones más llamativas fue el Salón de Besamanos de la reina María Luisa de Parma. Manuel Muñoz de Ugena fue el pintor que se encargó de diseñar este Salón. Manuel contó con la colaboración de uno de los mejores ebanistas de la época. También participaron otros artesanos. Este sillón es de madera tallada y dorada. Está forrada de raso de seda y está bordada con hilos y lentejuelas de plata. Espectacular, ¿verdad?

El reinado de Fernando VII estuvo interrumpido un tiempo porque Francia había invadido España y el francés José Bonaparte se erigió rey. Al terminar la guerra de la Independencia, Fernando VII volvió a España y a ser rey. Durante su reinado el arte en España imitaba mucho al arte francés. Abajo un camino de mesa real de la época.

El rey ayudó a pintores importantes como Francisco de Goya o Vicente López y creó el Real Museo de Pintura con la ayuda de su segunda esposa María Isabel de Braganza, que hoy conocemos como Museo del Prado. Fernando tuvo dos hijas con María Cristina de Borbón-Dos Sicilias. Nombró a su hija mayor Isabel como su heredera, cambiando la ley antes de morir para que las mujeres pudieran heredar la corona.

La reina Isabel II, que no había recibido en su infancia la formación adecuada para ejercer tan alta responsabilidad, fue fácilmente manipulada tanto por sus ministros como por miembros de la Iglesia y algunos allegados (la llamada "camarilla").

Isabel tenía asimismo la costumbre de interferir a menudo en la toma de decisiones a nivel nacional, lo que la hizo muy impopular a ojos de la clase política. Los progresistas optaron finalmente por exigir el destierro de Isabel II en 1868, con la Revolución Gloriosa, iniciándose el sexenio democrático. De este modo terminaría el reinado de Isabel II, exiliada en Francia. Allí recibiría la protección del emperador Napoleón III y de su esposa Eugenia de Montijo, que también era española. La reina en el exilio estableció su residencia en el palacio de Castilla (que compró con el dinero que había depositado durante su reinado en la Casa Rothschild de París y con un préstamo de la misma entidad por el valor de las joyas que se había llevado consigo) y el 25 de junio de 1870 abdicó en París en favor de su hijo, el futuro Alfonso XII. No regresó nunca a España, salvo en breves y esporádicas ocasiones

El hijo de la reina, a punto de cumplir los once años de edad, tuvo que abandonar España con su madre en 1868, fue matriculado en el elitista y privado colegio Stanislas y su formación política corrió a cargo de su preceptor Guillermo Morphy.

Cánovas de Castillo, desde España, estuvo muy atento a la educación del príncipe supervisada por un partidario suyo, el duque de Sesto. Y gracias al recorrido que hizo por diversos colegios extranjeros de París, Ginebra y Viena para acabar en la academia militar inglesa de Sandhurst, el príncipe Alfonso adquirió dominio de lenguas y un conocimiento de la historia europea, así como de los teóricos políticos más apreciados en la época. En 1874 se produjo la restauración de la monarquía, al pronunciarse el general Martínez Campos a favor del acceso al trono del príncipe Alfonso.

Su reinado consistió principalmente en consolidar la monarquía y la estabilidad institucional, reparando los daños que las luchas internas de los años que habían quedado atrás, ganándose el apodo de «el Pacificador».

Visita organizada y dirigida por la profesora

Carmen Manso de Zuñiga: Licenciada en Historia del Arte por la UCM.

Fotografías realizadas por las alumnas:

Leticia Borrego y

María de la Riva.

Muchas gracias a las dos.

Si queréis información sobre sala de los Austrias también la tenéis aquí, en el blog.

Sólo tenéis que poner en el buscador: La Galería de las Colecciones Reales (Parte I)

https://tiltide.blogspot.com/search?q=La+Galer%C3%ADa+de+las+Colecciones+Reales+%28Parte+I%29

ACTIVIDADES CULTURALES TÍLTIDE

C. Fernando el Católico 28, Madrid.

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Al bies. Las artistas y el diseño en la Vanguardia española.

2024-02-25T00:17:00.012+01:00

En la primera parte del siglo XX las mujeres tomaron parte activamente de mejoras, avances y desarrollo del panorama cultural español. Y aunque sólo algunos nombres, como Maruja Mallo, Remedios Varo o Ángeles Santos están situados en la historia del arte del siglo pasado, se empiezan a conocer otras trayectorias muy interesantes como la de Delhy Tejero, Victorina Durán, Marisa Roësset Velasco, Pitti Bartolozzi o Manuela Ballester cuyos trabajos aparecen en las siguientes imágenes.

Una exposición que se organiza en distintas secciones que enseñan el camino de la creación femenina desde la intimidad a lo público en distintos ámbitos, del textil al papel, en la exploración del volumen y la del espacio. Una muestra de pinturas, dibujo, cerámica, encajes, encuadernaciones, diseño o papel pintado, entre otros que se contextualizan en la modernidad la vanguardia de la época con fotografías, publicaciones, documentos de archivos y recortes de prensa que facilitan la comprensión del alcance y la importancia de la actividad de estas creadoras.

Lo mismo creaban figurines para obras de teatro, como para El hombre Deshabitado de Alberti (que aparece a continuación) que ideaban un proyecto de interiorismo para el Parador de la sierra de Gredos o pintaban, como el óleo de Maruja Mallo, o creaban piezas de cerámica o trajes.... Este carácter multidisciplinar tan propio de los artistas (internacionales y nacionales) de comienzos de siglo, también impregna el trabajo de estas mujeres de la Vanguardia española.

El hilo argumental de la exposición profundiza, por ejemplo, en sus obras vinculadas al ámbito de las artes escénicas. Mientras Tórtola Valencia revolucionaba el panorama nacional con sus bailes orientalistas, Victorina Durán contribuyó a modernizar las puestas en escena de los años 20 y 30 gracias a sus escenografías y sus figurines para piezas teatrales. Este cartel, que vemos a continuación, es obra de Rafael Penagos, titulado Baile de mascaras en el Círculo de bellas Artes, tiene a Tórtola como protagonista. Flora López Castrillo es la autora del cuadro siguiente, pintado sobre algodón con incrustaciones metálicas.

La experimentación era una constante entre las artistas de vanguardia que también trasladaron al ámbito textil. El hilo moderno es una de las secciones que hace gala de este estrecho vínculo: al tiempo que Sonia Delaunay, con tienda en Madrid, proponía una moda geométrica de vestidos simultáneos, otras españolas como Durán o Rodero estaban iniciándose en el batik, una técnica de estampación en seda de origen que había introducido Aurora Gutiérrez Larraya en nuestro país. y que empieza a tener mucho éxito por esa atracción por lo oriental.

La muestra también recoge un kimono para disfraz, pintado a mano para hablar de las tendencias orientalistas que influyeron en la moda y el arte desde finales del siglo XIX .

La moda les vale a estas artistas para establecer una dualidad entre lo moderno, y lo folclórico,

lo tradicional. Aquí tenemos a Delhy Tejero, cuyo Retrato de la viuda rica de Toro, con traje regional de dicho pueblo zamorano (figura 1), convive en la exposición con Los Maragatos de Rosario de Velasco (figuras 2 y 3), en contraposición al puntero autorretrato en traje de baño que se hizo Marisa Roësset a mediados de los años 20 (figura 4).

El aprendizaje de las labores de aguja constituía por aquel entonces una parte esencial en su educación, de ahí que varias artistas lo reflejasen en sus obras. Junto a varios libros sobre la historia del encaje, se puede ver la unión de lo vanguardista y lo tradicional a través del retrato de La bordadora de María Blanchard, la gran dama del cubismo.

La marquesa de Alquibla de Ángeles Santos encarna ese mismo espíritu moderno, pero con una intrincada labor de encaje en el bajo de su vestido que vuelve a remitir a esas artes menores femeninas. El último óleo tiene como autora a Maruja Mallo.

El espacio que dan en Al bies a los proyectos de arquitectura y decoración de estas artistas, y que las mujeres no podían firmar en solitario este tipo de iniciativas (la primera arquitecta española, Matilde Ucelay, no se tituló hasta 1936) ha sido un obstáculo más a la hora de poner en relevancia sus nombres en estos campos del diseño. Con el arquitecto José Joaquín González Edo colaboraron tanto Victorina Durán como Matilde Calvo Rodero, en distintas obras que iban del interiorismo de un cuarto de estar al diseño de una fuente para jardín,

Constituyen la sección de Ventanas abiertas al mundo y representan la importancia y la presencia de la naturaleza en el quehacer de estas artistas, obras que se integran en estos espacios en los que conviven con objetos de diseño, diferentes manifestaciones artísticas.

Estas artistas se incluían a si mismas en sus trabajos, en sus ilustraciones; representaban mujeres ocupando espacios que revindicaban como propios, espacios de mujeres modernas: trabajando practicando deportes... espacios que habían pertenecido tradicionalmente a los hombres. Así Dely Tejero pinta su Autorretrato, lo mismo que Marisa Roësset.

El título de la muestra, Al bies, que presenta el MUSEO DE ARTES DECORATIVAS, responde a la técnica utilizada en la confección de prendas de vestir, a ese corte que se realiza con la tela en diagonal respecto al hilo. Comprende obras de artistas y diseñadoras españolas de finales del XIX y principios de XX, que van rompiendo la barrera entre las bellas artes y las artes aplicadas.

Visita organizada por Sara Fernández:

Historiadora del Arte por la UCM, diseñadora y profesora.

Fotografía: María de la Riva

ACTIVIDADES CULTURALES TÍLTIDE

C. Fernando el Católico 28, Madrid.

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PROGRAMACIÓN para el JUEVES/VIERNES 2024

2024-02-09T11:38:00.003+01:00

Mes de ENERO

Jueves 25/ Viernes 26

MUSEO THYSSEN

Maestras

Artemisia Gentileschi, Angelica Kauffman, Clara Peeters, Rosa Bonheur, Mary Cassatt, Berthe Morisot,

María Blanchard, Maruja Mallo… artistas célebres en su tiempo que hoy vuelven a ser reconocidas como

maestras,

A las 14.30 y a las 15.00 h.

Mes de FEBRERO

Jueves 1/Viernes 2

CENTROCENTRO CIBELES.

Monet. Obras maestras del Musee Marmottan Monet. París.

A las 15.00 y las 15,00 h.

Mes de MARZO

Martes 5/ miércoles 6

MUSEO DE MANUEL BENEDITO.

Manuel Benedito.

A las 14.30 y las 15.00 h.

Mes de ABRIL

Jueves 11/Viernes 12

FUNDACIÓN MAPFRE.

De Chagall a Malevich.

A las 14.00 y a las 15.00 h.

Mes de MAYO

MUSEO THYSSEN

La realidad de Isabel Quintanilla.

Jueves 9/Viernes 10 .

A las 14.30 y a las 15.00 h.

Mes de JUNIO

GALERÍA DE COLECCIONES REALES.

Sala de los Borbones.

Jueves 6/Viernes 7 (Fecha y hora pendientes de confirmación).

A las 15,00 y a las 15.00 h.

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ACTIVIDADES CULTURALES TÍLTIDE

Fernando el Católico, 28

28015 Madrid.

Monet, en el Centro Centro

2024-02-01T20:21:00.016+01:00

La exposición presenta una selección de las obras por las que el propio artista sentía más apego y que conservó hasta la muerte en su casa de Giverny, y de las que nunca quiso separarse. Todas ellas proceden del Musée Marmottan Monet de París, y explican la trayectoria artística del maestro Claude Monet, pintor francés, y uno de los creadores del impresionismo.

El término impresionismo deriva, precisamente, del título de su obra Impresión, sol naciente, que aparece a continuación.

Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de estilo realista. Monet logró exponer algunas en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas.

Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica a la vez que afianzó su decisión de continuar en ese azaroso camino. Este era su rostro de joven. Y a continuación otro retrato pintado por Renoir.

En la década de 1870 formó parte de las exposiciones impresionistas en las cuales también participaron Renoir y Degas.

Su carrera fue impulsada por el marchante Paul Durand-Ruel, pero a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de 1890.

El conflicto franco-prusiano, que supuso la marcha del pintor a Inglaterra, llegó a su fin, y Monet y su familia dejaron Londres para regresar a Francia. Sin embargo, la historia de Monet con Londres no acabaría aquí: el pintor volvió hasta en tres ocasiones. Londres siguió siendo una fuente de inspiración para él, puesto que al pintor le gustaba jugar con la luz de la ciudad, que cambiaba a menudo por la combinación de un clima caprichoso y la contaminación del aire, cada vez más notoria.

La capital británica acabó por convertirse en una de sus muchas musas, motivo por el que, en el transcurso de su carrera, le dedicó más de 100 obras. Monet quedó prendado de Londres y con frecuencia buscaba nuevos edificios y puentes que pintar, como el palacio de Westminster, que apenas se había acabado de construir.

Ya entrada la década de los 90, Monet desarrolló el concepto de las «series», en las que un motivo es pintado repetidas veces con distinta iluminación: las locomotoras, los acantilados de Étretat, la catedral de Rouen... Al mismo tiempo comenzó a trabajar en el famoso jardín de su casa en Giverny con estanques de nenúfares que luego utilizó como motivo para sus pinturas.

Existen aproximadamente 250 Nenúfares pintados por Monet en los últimos años de su vida. El ya anciano pintor, vivía en el Jardín de Giverny, donde instaló un puente japonés y un estanque con plantas exóticas que le servirían de modelo e inspiración. “Mi jardín es mi obra maestra más hermosa”, llegó a decir sobre los jardines de inspiración oriental que construyó en su casa de Normandía.

Monet ya estaba consagrado pero siguió investigando las posibilidades pictóricas de las variaciones del color de un mismo tema, dependiendo de las horas del día o las estaciones del año.

En estas últimas obras, las formas están ya prácticamente disueltas en manchas de color.

El impresionismo de Monet se caracteriza por las pinceladas rápidas y espontáneas cuyas marcas sobre el lienzo aportan una textura particular, alejando la pintura del realismo y las reglas academicistas imperantes en la época.

Considerado como pilar de la corriente impresionista en Francia, Monet experimentó con los matices de luz y la intensidad de las tonalidades en sus obras a lo largo de su vida, logrando una técnica inigualable que fue aclamada y también criticada por sus contemporáneos.

Visita organizada y dirigida por la profesora

Carmen Manso de Zuñiga,

Licenciada en Historia del Arte por la UCM.

Fotografía: María de la Riva.

ACTIVIDADES CULTURALES TÍLTIDE

C. Fernando el Católico 28, Madrid.

"Maestras": Una exposición del Thyssen.

2024-01-28T00:18:00.007+01:00

La exposición es un recorrido por la obra de las mujeres artistas desde el Barroco hasta el siglo XX.

Se organiza cronológicamente, y al mismo tiempo se ordena en distintas secciones temáticas, recogiendo la obra de diferentes artistas desde Artemisia Gentillesci hasta Frida Kalho.

Las secciones abordan temáticas diferentes, empezando por el arte que se realiza en Europa en la Contrarreforma. En el siglo XVII, en Italia, en paralelo a los escritos de autoras como Modesta dal Pozzo (Il merito delle donne) y Arcangela Tarabotti (Tiranía paterna), artistas respaldadas por mecenas importantes representan en pinturas históricas figuras mitológicas, heroínas bíblicas y personajes históricos como Judit, Yael, Susana y Porcia. Encarnan valores como la valentía, el patriotismo, la lealtad, el honor...

Lavinia Fontana, junto con Artemisia Gentileschi, autora de las dos obras posteriores, Susana y los viejos y Judit y su criada, y Elisabetta Sirani conforman tres generaciones de artistas que triunfan en su época.

La segunda sección esta dedicada al bodegón, coincidiendo con la época racionalista, cuando se produce la escisión del hombre y la naturaleza. Tras la revolución científica y el inicio del colonialismo, comienza un periodo de esplendor artístico para las pioneras del bodegón y de la ilustración botánica, quienes fueron apoyadas por mecenas mujeres. Son pintoras e ilustradoras formadas junto a científicos que empiezan a utilizar el microscopio, e interesadas por la entomología, como Fede Galizia o Maria Sibylla Merian y su hija Johanna Helena Herolt.

La Ilustración es el tiempo del despertar de las mujeres como ciudadanas en la historia feminista. Ya antes de la caída del absolutismo en Francia, reinas y nobles respaldan a las artistas, erigiéndolas como académicas.

Pintoras como Angelica Kauffmann, y escultoras como Marie-Anne Collot y Anne Seymour destacan en el género del retrato, expresión de la afirmación del sujeto y de la individualidad en el origen de la Modernidad. Todas representan a mujeres cultas que buscan su identidad en escenarios teatralizados, como las ruinas arqueológicas al pie del Vesubio etc.

En pleno periodo colonial, las artistas emprenden viajes y observan con respeto a los no occidentales. De camino al norte de África, la cultura española ejerce especial fascinación por su exotismo: pastores, gitanas y campesinos habituales en la pintura costumbrista española serán reinterpretados en clave orientalista en París. aquí tenemos un ejemplo la Labradora norteafricana de Henrriette Browne. Abajo La Gitana de Marie Blanchard.

En la sección de trabajos y cuidados, frente al icono de la campesina o la planchadora solitaria de los pintores, durante el siglo XIX las artistas representan grupos de mujeres trabajando en el campo como Alice Havers y Eloísa Garnelo, o durante su jornada laboral en la ciudad, como Las lavanderas de Marie Petiet.

Cuando las propias artistas luchan por su inserción en el sistema artístico, su repertorio abarca desde las mujeres en el papel de amas de casa de Lluïsa Vidal y las cuidadoras de enfermos, otra obra de Henriette Browne. Y en la ciudad moderna las mujeres reclaman sus espacios, también como consumidoras en los grandes almacenes, como refleja Elizabeth Sparhawk-Jones en la imagen posterior.

La maternidad, es la siguiente sección de la exposición: uno de los temas más antiguos de la historia del arte. En el siglo XIX, surge el arquetipo de la mujer como “ángel del hogar” para frenar su emancipación, tema al que se oponen pintoras y escultoras de diferentes generaciones, estados civiles y estilos artísticos, innovando e invirtiendo los viejos modelos.

Frente a la mistificación de la maternidad y la abnegación de la madre, las pintoras Mary Cassatt, Elizabeth Nourse, y Tamara de Lempicka presentan nuevas obras que muestran con ternura amor al bebe, pero también los tediosos cuidados, las cargas domésticas, en definitiva, la dureza anímica y material de la crianza.

¿Qué piensan las mujeres? ¿De qué hablan? ¿Qué comparten las jóvenes cuando están juntas?.

Las impresionistas Berthe Morisot, Marie Bracquemond, Louise Breslau y Cecilia Beaux crean nuevas iconografías de la complicidad, la confianza y la amistad entre mujeres, expresada en clave melancólica. Un mundo privado al margen de la mirada masculina en el que germina el anhelo de libertad. Jaqueline Marbal en Las odaliscas.

En el siglo XX, al hilo del logro sucesivo del sufragio femenino en los países occidentales, las artistas vanguardistas siguen mostrando la sororidad con nuevos lenguajes artísticos. Camille Claudel, María Blanchard y Natalia Goncharova.

Las modernas Sonia Delaunay y Alice Bailly, entre otras, proponen a través de la pintura-tejido-moda una nueva concepción del arte y su inserción en la vida cotidiana.

Y escenas populares, como las Verbenas de Maruja Mallo, reflejan la alegría de las ciudadanas tras la conquista del espacio público.

Estas ultimas obras, ya en la vanguardia, suponen la presencia fundamental de la mujer en el mundo del arte.

Un recorrido desde finales del siglo XVI a las primeras décadas del siglo XX, a través de ocho escenas relevantes en el camino de las mujeres hacia su emancipación.

Visita organizada por Sara Fernández:

Historiadora del Arte por la UCM, diseñadora y profesora.

Fotografía: María de la Riva

ACTIVIDADES CULTURALES TÍLTIDE

C. Fernando el Católico 28, Madrid.

tiltide.com

[email protected]

Fundación Manuel Benedito.

2024-01-15T12:28:00.008+01:00

Manuel Benedito y Vives (Valencia 1875- Madrid 1963), pintor que prolongó la tradición de la escuela valenciana del siglo XIX, hasta muy avanzado el siglo siguiente: Imposible renunciar a la huella de su maestro Sorolla.

Paisaje de Venecia.

Se matriculó en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos en Valencia. En el año 1894 entró en el taller de Joaquín Sorolla, y en 1896 viajó a Madrid con su maestro, donde realizó ilustraciones para La revista moderna y Blanco y Negro.

Fue pensionado de 1900 a 1904 en la Academia Española de Bellas Artes de Roma, a cuyos requerimientos produjo varias pinturas de tema histórico, una de las cuales (El Infierno de Dante) recibió la Primera Medalla en la Exposición Nacional de 1904.

Viajó por Francia, Belgica y Holanda, y en 1909 se instaló en Volendam.

Entre sus exposiciones individuales destacan las celebradas en la Sala Amaré en 1907, y en los Salones de Blanco y Negro en 1910.

Cultivó el retrato (como el de Jacinto Benavente y la mayor parte de la burguesía y la aristocracia madrileña), el bodegón, los tipos locales, como la gitana; y los paisajes.

Retrato de Jacinto Benavente.

La gitana.

Paisaje

En 1918 fue nombrado Académico en 1923 de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (Madrid) y posteriormente de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos (Valencia), ejerció como profesor de colorido y composición en la Escuela de San Fernando, sustituyendo a su maestro Sorolla. Posteriormente fue nombrado Director de la Escuela.

En 1925 es nombrado miembro Correspondiente de la Hispanic Society of America de Nueva York, vocal correspondiente de la Academia Nacional de Bellas Artes de Lisboa, y en 1941 presidente del Patronato del Museo Sorolla y presidente de la Asociación de Escritores y Artistas Españoles durante el periodo de 1955 a 1964.

En su madurez fue cuando se volcó en el retrato; para él posaron Alfonso XIII y Concha Piquer. Dentro de su buen nivel de calidad, son efigies convencionales, no muy originales.

Retrato de Alfonso XIII.

Cleo de Merode.

Falleció en Madrid, siendo enterrado en Valencia, y con sus obras se fundó la Fundación Manuel Benedito en Madrid.

La Gavilana.

Aunque su aprendizaje con Sorolla pueda sugerir lo contrario, Benedito se mantuvo fiel a un estilo realista sobrio, de gamas más bien oscuras, bastante alejado del luminismo valenciano. En algunas obras tempranas se aproxima a la España negra de Zuluaga y Solana, aunque habitualmente se mantiene en una corrección estética de fácil salida comercial. Trata temas costumbristas con notable técnica, pero eludiendo los aspectos más ásperos.

El moro.

Marina

"Un discípulo de Sorolla que encandiló al Madrid de principios del siglo XX, al que la Historia del Arte ha tratado de forma un tanto injusta..."

Sara Fernández: Historiadora del Arte por la UCM, diseñadora y profesora.

http://loscordonesquemeatocadadia.com/es/2018/02/10/casa-museo-de-manuel-benedito/

http://fundacionmanuelbenedito.com/

Casa Museo de Manuel Benedito: Juan Bravo 4, Madrid.

PROGRAMACIÓN para el JUEVES/VIERNES. Nuevo Año 2024

2024-01-13T00:26:00.013+01:00

Mes de ENERO

Jueves 25/ Viernes 26

MUSEO THYSSEN

Maestras

Artemisia Gentileschi, Angelica Kauffman, Clara Peeters, Rosa Bonheur, Mary Cassatt, Berthe Morisot,

María Blanchard, Maruja Mallo… artistas célebres en su tiempo que hoy vuelven a ser reconocidas como

maestras,

A las 14.30 y a las 15.00 h.

Mes de FEBRERO

Jueves 1/Viernes 2

CENTROCENTRO CIBELES.

Monet. Obras maestras del Musee Marmottan Monet. París.

A las 15.00 y las 15,00 h.

Mes de MARZO

Martes 5/ miércoles 6

MUSEO DE MANUEL BENEDITO.

Manuel Benedito.

A las 14.30 y las 15.00 h.

Mes de ABRIL

Jueves 11/Viernes 12

FUNDACIÓN MAPFRE.

De Chagall a Malevich.

A las 14.00 y a las 15.00 h.

Mes de MAYO

MUSEO THYSSEN

La realidad de Isabel Quintanilla.

Jueves 9/Viernes 10 .

A las 14.30 y a las 15.00 h.

Mes de JUNIO

GALERÍA DE COLECCIONES REALES.

Sala de los Borbones.

Jueves 6/Viernes 7 (Fecha pendiente de confirmación).

A las 15,00 y a las 15.00 h.

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ACTIVIDADES CULTURALES TÍLTIDE

Fernando el Católico, 28

28015 Madrid.

Actividades Culturales. Mércoles. Segundo Trimestre

2024-01-04T22:00:00.015+01:00

MIERCOLES.

SEGUNDO TRIMESTRE.

Mes de Enero

Miércoles 10

MUSEO THYSSEN

Maestras

A las16.00 H.

Miércoles 17

MUSEO DE MANUEL BENEDITO.

Manuel Benedito.

A las 17.00 h.

Mes de Febrero

Miércoles 7

MUSEO REINA SOFIA.

Picasso 1906. La gran transformación

A las 17.00 h.

Jueves 22

MUSEO DE ARTES DECORATIVAS

Al bies. Las artistas y el diseño en la vanguardia española.

A las 17.00 h.

Mes de marzo

Miércoles 13 (Fecha pendiente de confirmación).

GALERÍA DE COLECCIONES REALES.

Sala de los Borbones.

A las 17. 00 h.

Miércoles 20

FUNDACION MAPFRE

De Chagall a Malevich.

A las 16.00 h

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ACTIVIDADES CULTURALES TÍLTIDE

Fernando el Católico 28

Madrid

2024-01-04T21:33:00.000+01:00

El Museo del Faro de Mesa Roldán en Carboneras (Almería).

La curiosa forma de la Mesa de Roldán tiene una clara explicación en la historia geológica de la zona, marcada por el vulcanismo. Hace unos 8,7 millones de años se formó un domo volcánico que emergió del mar como isla o arrecife. Actualmente es la base de la meseta, sus laderas de menor pendiente cubiertas por matorral. La parte superior, la cresta rocosa que la corona, es producto de la colonización del arrecife por corales, en tiempos posteriores -hace unos seis millones de años en los que hubo en la zona un clima tropical. En ella se puede diferenciar la banda más alta en la aparecen oolitos, que son pequeñas esferas calcáreas que se forman en aguas limpias, cálidas y agitadas.

La exuberante vida de los arrecifes tropicales propicia la sedimentación de numerosos restos orgánicos carbonatados, como conchas y esqueletos, que finalmente se convirtieron en estas masas rocosas, en las que es fácil descubrir, a simple vista, pistas sobre sus orígenes.

Desde allí se ve, por un lado, la cala de Agua Amarga, el islote de San Pedro, el Playazo de Rodalquilar, la punta de la Polacra con su faro de nueva construcción sobre una antigua torre vigía y los Frailes. Es una bonita vista de la zona marítima del Parque natural Cabo de Gata–Nijar. Por la otra ventana se puede ver la parte sólida y rocosa de la Mesa de Roldán: una meseta caliza de más 200 m. de altura sobre el mar, lo que hace de este faro uno de los más altos de España, exactamente el tercero después del faro de la Polacra, su vecino de enfrente y de Castell de Ferro, algo más alejado, en la provincia de Granada; ambos de nueva construcción y sin vivienda. Posiblemente, Mesa Roldán es el faro habitado más alto del Mediterráneo. Este faro, pese a la espectacularidad de su situación, es también uno de los más olvidados. Nunca he encontrado una tarjeta postal con su fotografía y no hay referencias a él, fuera de libros especializados en faros, en el Parque Natural o en el entorno de Carboneras....

Así empieza Mario Sanz Cruz, su libro Faro de Mesa Roldán. (Apuntes para una historia). Él es el farero de Mesa Roldán y el que ha dado vida a este MUSEO DEL FARO.

En museo ha ido reuniendo una serie de colecciones relacionadas con el mundo de los faros. Por una parte hay restos de los antiguos equipos que han funcionado en este faro y en otros de la provincia,

Diarios de servicio, cartas, material de oficina, fotografías, etc.

Otra de las colecciones la componen maquetas de faros, hechas de diferentes materiales.

Otra parte está dedicada a cuadros, fotografías, cerámicas y otras aportaciones artísticas. Entre ellas las de José Luis Fernández, Vidal Hurtado, Ernesto Pedalino...

Una interesante visita guiada por el propio farero, él dice que es el "último farero". Y es que por las noches, en cualquier parte del mundo, en la costa, se enciende una luz que es única y reconocible y, que guía en la oscuridad: es la luz de un faro. La profesión, llena de riesgos en el pasado, ejercida en lugares remotos y solitarios, tiende a desaparecer. Es indudable que es un oficio lleno de mitos y leyendas, pero es una profesión a extinguir, un trabajo que se va sustituyendo por máquinas, una luz que se va deshumanizando.

Gracias, Mario, Quizás seas el último farero antes de que las nuevas tecnologías te sustituyan y dejen al faro sin su habitante más luminoso; pero te damos las gracias por luchar para no permitir que eso llegue a ocurrir.

Mario Sanz Cruz ,(Madrid 1960), es el farero de Mesa Roldán, en Carboneras, desde 1992. Es autor de las publicaciones: Faro de Mesa Roldán - Apuntes para una historia, en 2003; Faros de Almería - Mucho más que señales marítimas, en 2007;Faro de Sacratif - Faros de la costa de Granada, en 2010, con Francisco García Morón; Un recorrido por los faros de la costa vasca, en 2011, con Nuria Ruiz-Cavestany;Calas de Almería, en 2011 y Voces de Carboneras, en 2012, con Mireille Boccara. Ha coordinado las antologías: Con el mar de fondo - Relatos de Carboneras (2007) y Lo demás es oscuridad (2013), con Pilar Quirosa-Cheyrouze. Cuenta con varios premios de relato y poesía, numerosas colaboraciones en prensa y revistas, y varios relatos y poemas en publicaciones conjuntas.

http://playadeakaba.com/?q=autores/mario-sanz-cruz.

https://revistadigitalplayadeakaba.wordpress.com/2015/07/10/charlamos-con-el-farero-de-nuestra-playa-mario-sanz-cruz-encargado-de-la-seleccion-y-prologo-de-la-antologia-donde-el-mar-se-hace-carbon/

Juan Muñoz en el Centro de Arte Dos de mayo.

2023-12-06T20:25:00.002+01:00

Esta exposición conmemora los setenta años del nacimiento de Juan Muñoz (Madrid, 1953 - Ibiza, 2001), el artista español que alcanzó una mayor notoriedad internacional en las últimas décadas, en una trayectoria fulgurante desde su primera exposición en 1984 hasta su prematuro fallecimiento a los 48 años de edad.

La muestra –que continúa la que pudo verse en la sala Alcalá 31 hasta el 9 julio– (ver la entrada de este blog titulado Juan Muñoz en Alcalá 31) recorre su primera década de trayectoria hasta 1990. Su título, En la hora violeta, es el verso 220 de La tierra baldía de T. S. Eliot, uno de los poemas favoritos del artista: “la hora de la tarde que conduce al hogar, y devuelve a casa al marinero”. El tiempo del arte y el tiempo del visitante de exposiciones ocurre siempre en esa hora violeta, una hora en la que las sombras ganan la partida al día. Como escribía el filósofo Emmanuel Lévinas, en La realidad y su sombra, otro texto favorito del artista: “El arte no conoce un tipo particular de realidad (…). Es el acontecer mismo del oscurecimiento, un atardecer, una invasión de sombra”.

Los inicios de la trayectoria de Juan Muñoz: recibe tutorías del sofisticado crítico de arte Santiago Amón; comienza estudios de arquitectura en Madrid y luego se plantea cursar cinematografía; gracias a una beca del British Council acude a estudiar litografía a la que hoy se llama Central Saint Martins College of Art and Design en Londres; otra segunda ayuda le lleva al Croydon College, donde realiza un posgrado con Bruce McLean y conoce a la artista Cristina Iglesias, con la que se casará después; su formación culmina en Nueva York, con una beca Fullbright que le lleva al Pratt Graphic Center y luego a convertirse en artista en residencia del P.S.1 Contemporary Art Center. Aunque él mismo dijo: “pasé un año en Nueva York y realicé un solo dibujo” [“I spent one year in New York, and I made one drawing”], en realidad haría trabajos performativos, investigaciones en los museos y fondos bibliotecarios de la ciudad e incluso una entrevista al escultor Richard Serra.

Esta exposición, en el Centro de Arte Dos de Mayo, recupera muchos de sus primeros trabajos y, aún con algún titubeo propio de un artista emergente, la reflexión conceptual y la exigencia técnica de estas obras tempranas ya está a un altísimo nivel. Como él mismo dijo: “Uno quisiera creer que lleva sus esculturas dentro de sí mismo, como le pasaba a Enrico Caruso con la voz”.

Desde 1983 decidió dedicarse por completo a la práctica artística.

Su primera exposición individual, en la galería Fernando Vijande de Madrid en 1984, se reconstruye en parte en el atrio del Museo CA2M. Asombra en estas piezas la coherencia con respecto a su trayectoria futura: las arquitecturas para la vigilancia, una relacionalidad compleja entre los personajes, la erosión de la frontera entre representación y realidad y el uso del lenguaje como truco ilusionista avanzan lo que serán sus herramientas centrales.

Aunque aquella primera exposición no fue un éxito de ventas, sí lo fue para la crítica. De la mano de la comisaria María de Corral exhibe en 1986 en la sección Aperto de la Bienal de Venecia y en 1987 realiza en el CAPC de Burdeos su primera exposición monográfica en un museo. Es ahí que su trayectoria –con el apoyo de grandes comisarios del norte de Europa como Rudy Fuchs, Jan Hoet o Chris Dercon– adquiere un fulgurante peso internacional. Pero en España, su primera exposición institucional no llegará hasta 1996.

Su trabajo en la década de los 80 estuvo marcado por una triple intención: recuperar la figura humana para la estatuaria desde una plástica no expresionista, experimentar con el repertorio emocional del régimen expositivo y plantear una reflexión sobre las posibilidades teatrales de la instalación.

La complejidad de las narrativas espaciales de Juan Muñoz arranca con su interés en los minaretes, atalayas, balcones y otras arquitecturas concebidas para la mirada elevada del poder.

Su interés por la especulación narrativa se despliega en toda una serie de trabajos centrados en lo siniestro cotidiano, desde sus amenazantes pasamanos descontextualizados –arquitecturas guía que han perdido su objeto- a los llamados Raincoat [dibujos de gabardina] que representan en blanco sobre fondo negro espacios domésticos, vistas de interiores de un gótico gélido.

La exposición culmina con varias de las obras maestras que consolidaron su fama, instalaciones de suelos ópticos donde la teatralidad sirve para tensionar la reacción física y psicológica de los visitantes a una exposición, como The Waste Land [La tierra baldía], Souffleur o Arti et Amicitiae, recuperada por primera vez desde su instalación en 1988.

Profesora Sara Fernández:

Lda. en Historia del Arte por la UCM y diseñadora.

https://ca2m.org/exposiciones/juan-munoz-en-la-hora-violeta

Actividades Culturales Tíltide.

C. Fernando el Católico 28, Madrid.

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Arquitectura para todos

2023-12-03T21:42:00.001+01:00

Balkrishna Doshi. Arquitectura para todos, un proyecto del Vitra Design Museum y la Wüstenrot Foundation en colaboración con la Vastushilpa Foundation, recala en el Museo ICO para mostrar, por primera vez en España, la obra del único arquitecto indio galardonado con el Premio Pritzker. Se trata de la mayor retrospectiva dedicada al conjunto del trabajo de Doshi, sorprendentemente desconocido en Europa hasta la concesión de este prestigioso reconocimiento a sus siete décadas de trayectoria profesional, en la que la arquitectura, la investigación, la docencia y un profundo compromiso social se entrelazan hasta hacerse indistinguibles.

Balkrishna Doshi (Pune, India, 1927–Ahmedabad, India, 2023), creció rodeado del ambiente de entusiasmo reinante durante el movimiento de independencia indio, entre cuyas figuras destacadas se encontraban Mahatma Gandhi y Rabindranath Tagore. En 1947, año en que se proclamó la independencia de la India, comenzó sus estudios de arquitectura en el Sir Jamshedjee Jeejeebhoy College of Architecture de Bombay. En la década de 1950 viajó a París y trabajó con Le Corbusier. La colaboración con Le Corbusier y, más tarde, con Louis Kahn se prolongó a lo largo de toda una década y familiarizó al joven arquitecto con el vocabulario de la arquitectura moderna, con especial énfasis en las formas y materiales de construcción elementales.

Comenzando por una recreación a escala real de Sangath, el estudio que diseñó y en el que trabajó desde 1980, esta exposición nos guía por un recorrido a través de la excepcional producción de Doshi. Estructurada en cuatro bloques temáticos que, a la vez, son tipológicos, mediante planos, maquetas, dibujos, pinturas e instalaciones accesibles de grandes dimensiones que reproducen algunos de sus edificios más emblemáticos, nos permite apreciar cómo, a partir de sus tempranas colaboraciones con Le Corbusier y Louis I. Kahn, Doshi fue capaz de crear un lenguaje arquitectónico propio a partir de la adecuación de la modernidad occidental a las circunstancias locales y a las tradiciones constructivas vernáculas de la India. Con este bagaje, Doshi participó de forma especialmente intensa en la construcción de un país que, tras haber conseguido la independencia, aspiraba a desempeñar un papel de primer orden a nivel internacional. Pero, para ello, primero era necesario abordar una serie de problemas acuciantes, a cuya resolución contribuirían de modo fundamental las visionarias propuestas aportadas por Doshi con sus proyectos de vivienda asequible, planificación urbana e instituciones sociales, educativas y académicas, algunas de las cuales llegó incluso a fundar y gestionar.

La muestra culmina con una serie de proyecciones en las que el propio Balkrishna Doshi expone su concepción de la arquitectura, el urbanismo, la educación, la sociedad… Una síntesis excepcional de su pensamiento intelectual que pone de relieve que, como afirma Juhani Pallasmaa, las contribuciones de Doshi a la educación, a los diferentes campos de la cultura artística y artesanal, al desarrollo de las comunidades, a la identidad y conciencia del ser propias de la India y al pensamiento humanista en general son insustituible.

https://www.fundacionico.es/

Un paseo por el Thyssen: Figuración y realidad en el arte moderno, de Hopper a Richard Estes.

2023-11-15T13:12:00.002+01:00

La figuración adquiere en el arte del siglo XX unas características muy especiales que, en este paseo por la colección permanente del Thyssen y la colección Carmen Thyssen, vamos a analizar, siendo además aquel, un momento en el que la abstracción marcaba el paso del arte.

El recorrido analiza, a través de una serie obras escogidas por nuestra profesora, las distintas vías que tanto en lo formal como en el contenido, siguen los artistas figurativos del XX. De Hopper a Richar Estes.

En La habitación de hotel, obra fundamental de Hopper, una muchacha reposa al borde de una cama. Es de noche y está cansada. Se ha quitado el sombrero, el vestido y los zapatos, y sin apenas fuerzas para deshacer las maletas, consulta el horario del tren que habrá de tomar al día siguiente. La soledad de las ciudades modernas constituye uno de los temas centrales de la obra de Hopper. ese es su rasgo distintivo.

Reginald Marsh, autor de las obras siguientes pintadas en 1926 y 1933. El artista nació en París el 14 de marzo de 1898. En 1900, sus padres, artistas norteamericanos, se trasladaron a Nueva Jersey, y posteriormente a Nueva York. Marsh estudió Bellas Artes en la Universidad de Yale, donde dibujaba ilustraciones para la revista The Yale Record. Tras su graduación en 1920, trabajó como dibujante independiente en Nueva York. Entre 1922 y 1925, Marsh dibujaba temas urbanos y bosquejos de obras de teatro para el Daily News y diseñaba telones y decorados teatrales en Nueva York y Provincetown.

Charles Bell es el autor de esta obra: hiperrealista, fotorrealista e incluye elementos del Pop Art. Se inspiró para sus naturalezas muertas a gran escala en la historia de amor de Estados Unidos por los juguetes y los juegos de arcade.

Las representaciones hiperrealistas de máquinas de pinball de Bell a menudo se consideran su mejor trabajo. Al tomar perspectivas de primer plano y una variedad de ángulos diferentes, Bell capturó las superficies iridiscentes y los patrones ocupados de sus sujetos con detalles meticulosos.

Con una minuciosidad primitivista y un cierto aire neorromántico y surreal, Lucian Freud tomó partido por el arte figurativo y en contra de las corrientes abstractas dominantes. Desde entonces, su obra se ha alimentado de la tensión existente entre la realidad y la materia, entre lo visual y lo táctil. Por otra parte, su obsesión por el cuerpo humano le llevó a hacer una original reinterpretación del género del retrato.

En sus numerosos autorretratos, el pintor aparece siempre con un gesto forzado, guiñando los ojos, mirando de reojo o hacia abajo, con una mirada que evidencia el esfuerzo que debe hacer para representarse a través del espejo. Reflejo con dos niños (Autorretrato), de 1965, combina un primer plano intenso del artista con su cuerpo retorcido para poder mirar su propio reflejo en un espejo colocado sobre el suelo a sus pies

Walt Kuhn empezó a trabajar como ilustrador para la revista The Wasp. En 1901, viajó a París, en donde estudió brevemente antes de trasladarse a la Real Academia de Bellas artes de Munich. Chico con chistera de 1948, es una de las muchas representaciones circenses que constituyen una parte fundamental de la creación pictórica de Kuhn.

Lichtenstein fue una de las figuras clave del pop norteamericano y sacó la inspiración para su obra tanto del arte popular: anuncios comerciales, revistas, comic…como de la historia del arte tradicional: Art Decó, cubismo, expresionismo abstracto (en el que militó al principio de su carrera)...

La obra de Lichtenstein se caracteriza por su ironía (es algo de lo que los artistas pop presumían, a veces disfrazado de esnobismo o superficialidad…), el uso de puntos benday (utilizados en artes gráficas) y colores industriales, el lenguaje del cómic (onomatopeyas, viñetas, narrativa) y el dominio de la línea.

En nuestro recorrido por el Thyssen encontramos Mujer en el baño. Una mujer que, como las otras de Lichtenstein, luce nítida, hermosa, fresca y moderna Es como si todas hubieran salido del mismo bote de maquillaje.

Richard Estes fue uno de los fundadores del hiperrealismo. Esta corriente pictórica, que surgió en Estados Unidos a finales de la década de 1960, se caracterizó por su interés por captar la realidad tomando como modelo la imagen fotográfica y por aspirar a una nitidez absoluta, de mayor precisión que la del ojo humano.

Entre 1952 y 1956 estudió en el Art Institute of Chicago y, tras finalizar su formación, comenzó a trabajar para diversas agencias de publicidad y empresas del mundo editorial. En 1959 se trasladó a Nueva York, donde trabajó como ilustrador y diseñador y se familiarizó con el mundo de la fotografía. Tras ahorrar el dinero suficiente, Estes dejó de trabajar y viajó por España en 1962. En 1967 enseñó algunas de las obras realizadas durante su viaje a Allan Stone, que presentaría su primera exposición individual en su galería en 1968. En apenas tres años, su obra era conocida en Estados Unidos y en Europa.

Manhattan se convirtió en su tema preferido y con el tiempo otras ciudades del mundo también pasaron a ser objeto de sus obras. A pesar de que admiraba a Edward Hopper, sus paisajes urbanos se distanciaron de los de éste, pues evitaban las escenas nocturnas y cualquier elemento narrativo o emocional. La luz de sus lienzos, por el contrario, busca aquellos momentos más brillantes del día, sintiéndose especialmente atraído por las superficies metálicas, los cristales y los espejos, que le permiten recrearse en las imágenes deformadas de sus reflejos. Aunque se acercan mucho a la visión del mundo que aporta una fotografía y Estes se basa en ellas paras sus composiciones, no las utiliza para imitar la realidad, sino para reconstruirla con una nitidez mucho mayor que la que permite la observación directa.

Termina nuestro recorrido, y nos ha quedado claro lo amplio que es el concepto de arte figurativo, a través de las obras que van desde La habitación de hotel de Hopper hasta el último retrato de Richar Estes (en la fotografía anterior), pasando por la obra de Freud o de Liechtenstein, de Bell y de otros artistas que se ubican en distintas corrientes o movimientos pero que coinciden, todos, en la utilización de la realidad como soporte para realizar su trabajo, en un momento en el que la hegemonía cultural e intelectual se inclinaba por el lenguaje abstracto.

Y en cuanto a la obra que aparece a continuación, la meteríais dentro de nuestro recorrido? Si queréis, podéis dejar vuestra opinión en los Comentarios.

Visita guiada por la profesora Sara Fernández:

Lda. en Historia del Arte por la UCM y diseñadora.

Fotografía: María de la Riva

https://www.museothyssen.org/

Actividades Culturales Tíltide.

C. Fernando el Católico 28, Madrid.

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La Galería de las Colecciones Reales (Parte I)

2023-10-27T11:33:00.008+02:00

Los que nos acercamos a la Galería destacamos la variedad de las piezas expuestas, que van desde pintura y armaduras, hasta tapices, mobiliario y artes decorativas. También valoramos la distribución cronológica de las obras, asociadas a la figura de los monarcas que las incluyeron en las Colecciones Reales.

El edificio está excavado en la roca, desde el Campo del Moro hasta la Plaza de la Armería. Cuenta con dos accesos: desde la cornisa de esa plaza, al nivel del Palacio Real, y desde la Cuesta de la Vega, en la cota más alta de los jardines del Campo del Moro. Las vistas sobre Madrid, la Casa de Campo y la Sierra son inigualables.

Luis Moreno Mansilla y Emilio Tuñón -Premio Nacional de Arquitectura 2022- diseñaron el edifico que ha recibido 10 premios de arquitectura- dando continuidad a la fachada del Palacio Real. Un museo imprescindible para quienes visiten este nuevo triángulo del arte de Madrid que forman el palacio, la Catedral y la galería, una propuesta sin igual en los últimos años en España.

La Galería tiene como objetivo es mostrar la riqueza, excelencia y diversidad de las Colecciones Reales y, al mismo tiempo, servir de escaparate de todos los Reales Sitios. Además, permitirá difundir el trabajo de Patrimonio Nacional en su apoyo al jefe del Estado y en la labor de restauración, conservación, difusión y cuidado del impresionante legado histórico, cultural y natural que gestiona en seis comunidades autónomas.

Los orígenes del museo se remontan a 1935, durante la II República, cuando se inició el proyecto de su construcción. Sin embargo, este intento quedó frustrado por el comienzo de la Guerra Civil en 1936. En 1998, se retoma la idea y se aprueba la construcción del centro, cuyas obras comenzaron en 2006, realizándose en cuatro fases hasta 2015.

De las tres salas que componen la exposición, una está dedicada a LOS AUSTRIAS en la primera planta. Allí es donde nos encontramos en nuestra visita. Destacan los tapices de riquísimos colores, acentuados por la plata y el oro, como El Nacimiento de Cristo, o La entrevista entre Escipión y Aníbal. Los temas son mitológicos, religiosos, legendarios...

La colección de tapices alcanza 3000 piezas, entre las que destacan la colección real, compuesta por tapices flamencos atesorados por la casa de Habsburgo y tapices españoles fabricados para los monarcas de la Casa de Borbón; las colecciones conservadas en los Patronatos Reales de Las Huelgas, las Descalzas Reales ...

Fue a la Reina Isabel la Católica a la que pertenecieron los primeros tapices que contemplamos en la sala. Sólo una muestra de los más de 300 tapices que reunió y que guardaba como un gran tesoro.

A su nieto Carlos I, de España y V de Alemania, corresponden los tapices de la siguiente zona, entre los que destacan el relativo a la campaña de Túnez o este que aparece a continuación, de Hércules sosteniendo el mundo.

El rey Carlos es hijo de Juana Primera y de Felipe de Borgoña. Además, es nieto de los Reyes Católicos y del emperador Maximiliano de Austria y María de Borgoña. Entre los 15 y los 30 años de edad, Carlos heredó todos sus títulos: señor de los Países Bajos, rey de Castilla, Aragón, Navarra, Nápoles, Sicilia y emperador del Sacro Imperio Romano Germánico.

El rey Carlos V gobernó con dos objetivos: Mantener unidos todos sus reinos y territorios, incluida América, y defender la religión católica, frente a los cristianos protestantes que se rebelaron contra el Papa de Roma. También frente a los musulmanes del Imperio Otomano.

Cuando tenía 55 años, Carlos Quinto entregó sus títulos a su hijo Felipe II. Carlos V se retiró al Monasterio de Yuste en Extremadura donde murió con 58 años. Carlos tenía colecciones de armaduras, tapices y pinturas que mostraban su grandeza. Él utilizaba el arte para mostrar su imagen y su poder, como los emperadores romanos. Su hijo Felipe Segundo protegió estas colecciones que ahora son parte de las Colecciones Reales españolas.

Tambien encontraremos obras tan importantes como el Tesoro de Guarrazar, de época visigoda; un políptico de Isabel la Católica, retratos de los Austrias, armas de Carlos V.... Entre las armas del Rey Carlos destaca esta maravillosa armadura, símbolo del poder real.

En la zona dedicada a Felipe II, encontramos obras relacionadas con la fundación del Monasterio del Escorial y tapices que recogen los temas de la obra de El Bosco: El carro de heno y El jardín de las delicias. También un cuadro de El Greco. Su estilo es innegable.

Retratos de los Austrias menores: Felipe III, Felipe IV y Carlos II y de sus esposas; joyas, imágenes religiosas, esculturas, libros... Entre los cuadros destacan los de Velázquez y Ribera.

La imagen posterior corresponde a una escultora. En 1692 Luisa Ignacia Roldán (1652-1706), más conocida como la Roldana, realizó para el rey Carlos II (1661-1700), entre otros encargos, esta escultura de san Miguel arcángel. La obra, realizada en madera de cedro y policromada por su cuñado, Tomás de los Arcos, es un magnífico ejemplo de la fuerza expresiva de la autora sevillana. La escultora de cámara, nombrada como tal el 15 de octubre de ese año, alcanzó grandes cotas de virtuosismo en el ámbito de la escultura, en especial la realizada en barro cocido, pero también en madera, destacando sus composiciones, sobre todo, en el campo de la temática religiosa.

En resumen, Velázquez, Caravaggio, Van der Weyden, El Bosco, Durero, Tiziano, Tintoretto, Veronés, Cambiaso, Zuccaro o Tibaldi, Cellini, Bernini son algunos de los artistas que conforman una de las colecciones más especiales de Patrimonio Nacional donde la obra forma parte del conjunto histórico al que pertenece y para el que fue pensada.

Visita organizada y dirigida por la profesora

Carmen Manso de Zuñiga,

Licenciada en Historia del Arte por la UCM.

ACTIVIDADES CULTURALES TÍLTIDE

C. Fernando el Católico 28, Madrid.

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José Luis Fernández y la acuarela actual.

2023-10-17T19:09:00.009+02:00

Acuarelista, escultor, grabador, dedicado desde muy joven a la expresión artística en técnicas diversas: mixtas, collages y tintas. JOSÉ LUIS FERNÁNDEZ es el creador e impulsor de la Galería Tíltide, desde el año 2.000, donde se encuentra ubicado su estudio, y donde además de tener una exposición permanente de su obra, comparte el espacio con grandes artistas.

Acuarelas

Donde el aire es verde

Acuarela sobre papel. Marina.

Medidas: 14 x 38 cms.

Aire de sol

Acuarela sobre papel. Marina.

Medidas: 56 x 76 cms

Arroyo del olvido

Acuarela sobre papel. Paisaje.

Medidas: 18 x 28 cms

Invierno

Acuarela sobre papel. Bodegón.

Medidas: 56 x 76 cms.

La Biblioteca

Acuarela sobre papel. Paisaje urbano.

Medidas: 28 x 38 cms.

La caricia del azul

Acuarela sobre papel. Marina.

Medidas: 76 x 100 cms.

La huella del aire

Acuarela sobre papel. Marina.

Medidas: 25 x 57 cms.

Verdes de Valencia

Acuarela sobre papel. Paisaje urbano.

Medidas: 28 x 38 cms.

Currículum

EXPOSICIONES INDIVIDUALES

Desde 1988, hasta hoy, expone individualmente en diferentes Galerías

de Arte, en Madrid, Almería, Zaragoza y Pedraza (Segovia).

A partir del año 2000, expone en la Galería Tíltide, donde instala su estudio

y realiza exposiciones anuales, estando su obra permanentemente a disposición

del público.

CERTÁMENES

1986 X Certamen Nacional de Acuarela. Madrid

1987 XI Certamen Nacional de Acuarela. Madrid

1990 XVII Exposición de Acuarelas de la A.E.D.A. Madrid.

1991 Exposición Nacional de Acuarela. Madrid.

1992 LIX Salón de Otoño. Madrid.

XXX Exposición de San Isidro de Temas Madrileños.

Certamen de Acuarela de la Casa del Reloj. Madrid.

1993 I Salón de Invierno de Acuarelas. Madrid.

1996 XXXIV Exposición de San Isidro de Temas Madrileños.

XXIII Exposición de Acuarelas de la A.E.D.A.Madrid.

LXIII Salón de Otoño. Madrid.

IV Salón de Invierno de Acuarelas. Madrid.

1997 XXIV Exposición de Acuarelas de la A.E.D.A. Madrid

Galería Gaudí. Colectiva. Madrid.

VIII Certamen de Acuarelas "El Tormo". Cuenca.

1998 I Salón de Acuarela y la Navidad. Madrid.

1999 VI Salón de Invierno de Acuarelas . Madrid.

2007 IV Certamen Francisco Revelles de Acuarela

OBRA PERMANENTE EN INSTITUCIONES Y COLECCIONES

Mural escultórico taurino (25 mts. x 3) situado en el vestíbulo de la estación de Metro de la Plaza de Toros de Ventas. Madrid.

Obra Cultural de la Caja de Ahorros de Almería.

Ayuntamiento de Madrid.

Comunidad de Madrid.

Ayuntamiento de Pedraza. Segovia.

Colecciones privadas en España: Madrid, Barcelona, Mallorca, Zaragoza, Vigo, Orense, Almería, Oviedo y Segovia.

en la Unión Europea: París, Italia y Escocia. En EEUU, Wasington.

BLIOGRAFÍA

Acuarela. Exposición Nacional.(Catálogo). Ayuntamiento de Madrid. Madrid 1991. Págs. 84 y 186.

LIX Salón de Otoño.(Catálogo). Asociación Española de Pintores y Escultores. Madrid 1992. s/p, nº 29.

"Nueva estación de Metro en Ventas".Ya. Madrid, 9 de mayo de 1989. Pág, 21.

"El mural escultórico de José Luis Fernández González."Tecniarte.Madrid, 25 de junio de 1991. Págs.18 a 22.

"Acuarelas de José Luis Fernández". El Punto de las Artes.Madrid, 18 a 24 de febrero 1994.

LXIII Salón de Otoño.(Catálogo.). Asociación Española de Pintores y Escultores. Madrid 1996.Pág. 56.

Diccionario de Pintores y Escultores del siglo XX.Ed. Forum Artis.

“Trazo casual”. El Mundo. Metropoli. Madrid, 16 de marzo de 2001, pág. 48.

“Paisaje Urbano”. El Mundo.Metrópoli.Madrid, 8 de junio de 2001, pág. 42.

“Lienzos de verano”. El Mundo . Metrópoli.Madrid, 7 de diciembre de 2001, pág. 50
Desde el año 2001, criticas de las exposiciones en El Punto de las Artes.

PAGINA WEB: tiltidearte.com

“Instante”

Mural escultórico de José Luis Fernández, construido en acero cortén, cobre y latón, situado en el Vestíbulo de la Estación de Ventas del Metro de Madrid. Medidas: 25 x 3 metros.

La obra de Pedro Cano viene a Madrid.

2023-10-01T21:46:00.002+02:00

'Cuando tenía 14 años una persona que se llama Amparo Benaches pasó por el pueblo y vio un cuadro mío. Fue a mi casa, habló con mi madre : Dijo que tenía que ir a la Academia de Bellas Artes. Yo estaba con los ojos redondos' .

A partir de entonces, PEDRO CANO, nacido en el pueblecito de Blanca, Murcia, comienza de una forma incesante a pintar del natural, siendo el motivo principal de esas primeras obras el paisaje murciano, concretamente la huerta y el río Segura. Ya se atisba en ellas la importancia que adquiriría en el artista la captación de la luz, de la atmósfera; sobre todo de la atmósfera.

En 1963 viene a Madrid, becado por la Diputación Provincial de Murcia, ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando para comenzar su formación artística. Durante esos años le influyen especialmente Antonio López, Juan Barjola y Rafael Martínez Díaz.

En 1969 obtiene una beca de pintura de paisaje del Ministerio de Asuntos Exteriores, para la Academia Española de Bellas Artes en Roma. Y en 1976 Cano realiza, junto con su esposa, su primer viaje a América Latina, en un periplo que va desde México hasta Brasil.

El continente americano le impresionó : sus costumbres, sus colores, la energía vital de sus gentes.

En 1984 se traslada a Nueva York, donde reside durante cinco años.
En 1986 Cano fue nombrado Hijo Predilecto de Blanca. Y a partir de entonces más premios, medallas, honores...

Esta exposición que ahora viene a Madrid, SIETE, está compuesta por siete grandes trípticos al óleo sobre madera en blanco y negro, y un centenar de papeles de diversos formatos realizados con acuarelas, carbón, témperas y tintas.

Siete historias donde la memoria y la reflexión se unen a momentos difíciles y que, en parte, anticipó el dolor que hoy atraviesa el mundo que vivimos.

Hasta el 22 de octubre, nos espera en la casa de vacas del Retiro madrileño.

Más información en este blog en: MUSEOS QUE QUIZÁS NO CONOZCAS. LA FUNDACIÓN PEDRO CANO EN BLANCA (MURCIA)

http://fundacionpedrocano.es/

C/ Cervantes, s/n. Edificio MUCAB
30540 BLANCA

Las mejores exposiciones del otoño madrileño

2023-09-26T11:28:00.012+02:00

1. GALERIA DE COLECCIONES REALES

La Galería de las Colecciones Reales te invita a un viaje extraordinario: un recorrido por cinco siglos de arte y cultura en un edificio excepcional. Un patrimonio de todos que se abre al público para mostrar una selección de sus mejores piezas: pinturas, esculturas, armaduras, tapices, artes decorativas o carrozas. Obras firmadas por maestros de la talla de El Greco, Caravaggio, Velázquez, Goya, Bernini, Kolman Helmschmid o Canop.

C/ Bailén s/n.

2. CENTROCENTRO CIBELES.

MONET

Más de 50 obras procedente del museo parisino se reúnen en esta gran exposición monográfica dedicada a Monet, considerado padre del Impresionismo. La selección de cuadros coincide con las pinturas por las que el artista sentía más apego y que conservó hasta el final en su casa de Givenchy.

Entre los títulos más conocidos que el público podrá contemplar se encuentran los Nenúfares (1917-1920) y obras de gran calado en su producción artística como Retrato de Michel Monet con gorro de pompón (1880) o El tren en la nieve. La locomotora (1875).

Del 21 de septiembre de 2023 al 25 de febrero de 2024

Plaza de Cibeles, 1

3. CAIXAFORUM.

VENERADAS Y TEMIDAS

Con esculturas, objetos sagrados y obras de arte de varios continentes y desde el mundo antiguo hasta la actualidad, esta exposición nos muestra cómo diosas, demonios, santas y otros seres espirituales han tenido un rol relevante para nuestra comprensión del mundo.

Del 28 de septiembre al 14 de enero.

Paseo del Prado, 36.

4. CC DE LA VILLA FERNAN GOMEZ.

AMAZONIA

Una de las exposiciones de la temporada es AMAZÔNIA, la gran exposición fotográfica que reúne más de 200 fotografías del fotorreportero Sebastião Salgado. Tras haber pasado por Francia, Brasil, Italia, Suiza o Inglaterra y haber recibido la visita de 1,4 millones de personas la muestra aterriza en la capital, concretamente en el Fernán Gómez Centro Cultural de la Villa.

Además de recopilar fotografías que Salgado realizó durante sus 7 años en el Amazonas –tiempo en el que retrató no solo la naturaleza, sino también a las poblaciones indígenas con las que convivió–, la exposición exhibe siete películas y a lo largo del recorrido se puede escuchar la música compuesta por Jean-Michel Jarre expresamente para la ocasión, así como sonidos naturales de la Amazonia captados por el Museo de Etnografía de Ginebra.

Del 13 de septiembre al 14 de enero.

Plaza de Colón 4.

5. MUSEO THYSSEN.

MAESTRAS

Artemisia Gentileschi, Angelica Kauffman, Clara Peeters, Rosa Bonheur, Mary Cassatt, Berthe Morisot, María Blanchard, Natalia Goncharova, Sonia Delaunay o Maruja Mallo fueron artistas célebres en su tiempo que hoy vuelven a ser reconocidas como maestras, en contestación al borrado en la historia del arte que sufrieron junto a otras que rompieron moldes con obras de indudable excelencia.

Del 31 de octubre de 2023 al 4 de febrero de 2024

6. MUSEO ICO

ARQUITECTURA PARA TODOS

Balkrishna Doshi. Arquitectura para todos, un proyecto del Vitra Design Museum y la Wüstenrot Foundation en colaboración con la Vastushilpa Foundation, recala en el Museo ICO para mostrar, por primera vez en España, la obra del único arquitecto indio galardonado con el Premio Pritzker. Se trata de la mayor retrospectiva dedicada al conjunto del trabajo de Doshi, sorprendentemente desconocido en Europa hasta la concesión de este prestigioso reconocimiento a sus siete décadas de trayectoria profesional, en la que la arquitectura, la investigación, la docencia y un profundo compromiso social se entrelazan hasta hacerse indistinguibles.

7. CASA DE VACAS DEL RETIRO

SIETE

La exposición 'SIETE' del pintor Pedro Cano llega a Madrid.

Presenta una preciosa obra intimista y profunda, compuesta por siete grandes trípticos al óleo sobre madera en blanco y negro, y un centenar de papeles de diversos formatos realizados con acuarelas, carbón, témperas y tintas. Todos de esplendida factura

Del 28 de septiembre al 24 de octubre.

Tíltide.

Actividades Culturales.

Fernando el Católico 28. Madrid

2023-09-22T14:53:00.008+02:00

La CULTURA enriquece: Transforma nuestra manera de percibir la realidad. Nos enseña a mirar, a vivir más auténticamente. A crecer.

Para esta temporada 2023/2024 hemos programado una serie de actividades, que se desarrollan los MIÉRCOLES, JUEVES Y VIERNES, y que os presentamos, encantadas de contar con vosotros.

PROGRAMACIÓN para el MIÉRCOLES

PRIMER TRIMESTRE

Mes de OCTUBRE

Lunes 9

GALERÍA de COLECCIONES REALES.

Primera parte: Los Austrias. A las 16,15 h.

(Acceso por la Cuesta de la Vega / Parque del Campo del Moro).

Miércoles 25

MUSEO THYSSEN.

Un recorrido por el Thyssen. "Figuración y realidad en el arte: de Hopper a Richard Estes".

A las 17.00 h.

Mes de NOVIEMBRE

Miércoles 15

C.C FERNÁN GONZÁLEZ

Amazonia. Exposición fotográfica de Sebastián Salgado.

A las 17.00 h

Miércoles 22

CAIXA FORUM.

Veneradas y temidas. (Exposición organizada en colaboración con el British Museum).

A las 17.00 h.

Mes de DICIEMBRE

Miércoles 13

CENTROCENTRO

Monet. Obras maestras del Musee Marmottan Monet. París.

A las 17.00 h.

Miércoles 20

Fundación MASAVEU.

Salas de actualidad.

A las 17.00 h.

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Si estás interesada o interesado, pide información sobre el programa de jueves y viernes. Las exposiciones son las mismas, sólo varía día y hora. Y una vez al mes.

Espacio de Arte Tíltide

C. Fernando el Católico, 28

Madrid 28015

Las mejores exposiciones del verano madrileño 2023.

2023-07-07T19:09:00.001+02:00

1. Dioses, magos y sabios. Colecciones privadas de los artistas.

Caixa Forum Madrid.

Hasta el 20 de agosto.

*****

La muestra investiga en los estudios y colecciones privadas de diez artistas: una forma de descubrir su obra desde la huella que estos objetos han dejado en su producción creativa.

La mirada del artista enriquece la comprensión de los objetos, que, a su vez, revelan aspectos relacionados con sus intereses y su proceso creativo.

La obra de diez artistas de la Colección de Arte Contemporáneo de la Fundación ”la Caixa”

Rosa Amorós,

Miquel Barceló,

Georg Baselitz,

Luis Feito,

Joan Hernández Pijuan,

Manolo Millares,

Joan Miró,

Susana Solano,

Hiroshi Sugimoto y

Antoni Tàpies

junto a objetos de sus colecciones personales.

2. Joana Biarnés. Madrid/Moda a pie de calle.

Sala de Exposiciones Cana de Isabel II Ríos Rosas.

Hasta el 23 de julio.

*****

La fotógrafa Joana Biarnés (1935-2018) nos acerca a través de sus fotos a la evolución de la moda y de la sociedad gracias a la recopilación de sus fotografías de moda, de reportajes que se concentraron principalmente en Madrid entre 1962 y 1972. Las calles, los barrios y los habitantes de Madrid son también protagonistas de esta exposición gratuita de la Sala Canal de Isabel II.

3. Mundos. Goya Y Fabelo.

Centro Cultural Conde Duque.

Hasta el 30 de julio.

*****

Dos contextos (lugar y tiempo) muy diferentes los de Goya y Fabelo, ambos poseedores de una portentosa imaginación y polifacéticos creadores, que conviven en los espacios de Conde Duque en una exposición que es la primera monográfica de Fabelo en España. Su obra había sido expuesta en Conde Duque hace más de veinte años, en una muestra colectiva titulada Arte cubano: más allá del papel, con la pieza “Nuevos fragmentos vitales” (1999).

La exposición es fruto de un convenio de colaboración entre el Ayuntamiento de Madrid —a través de la Dirección General de Bibliotecas, Archivos y Museos del Área de Gobierno de Cultura, Turismo y Deporte— y la Fundación Ibercaja; y pone en diálogo algunas piezas del reconocido artista cubano con los grabados de Goya de las series Los caprichos y Los desastres de la guerra.

4. Yo disparé en los 80. Mariví Ibarrola

Serrería belga.

Hasta el 30 de julio.

Un viaje fotográfico a la inolvidable década de los 80. Es lo que propone la fotógrafa Mariví Ibarrola, cuyas imágenes colgarán de las paredes de la Serrería Belga hasta el próximo mes de julio. Un recorrido por la efervescente escena cultural madrileña de la época de la mano de sus principales protagonistas, a los que Ibarrola inmortalizó con su cámara: Antonio Vega, Radio Futura, Alaska, Loquillo, los hermanos Urquijo de Los Secretos, Gabinete Caligari, Siniestro Total, Glutamato Ye-Yé, La Frontera, Aviador Dro o Los Pistones, entre muchos otros, desfilaron ante su objetivo.

5. Fake News. La Fabrica de mentiras

Espacio telefónica.

Hasta el 20 de noviembre de 2023.

¿Qué son realmente y cómo se propagan? ¿Con qué herramientas contamos para fabricarlas? o ¿Cómo podemos detectarlas y combatirlas? 'Fake News. La fábrica de mentiras' es una exposición que pretende abordar la revisión del fenómeno de las noticias falsas a lo largo de los siglos y plantear una reflexión sobre el impacto que generan actualmente en nuestra sociedad.

6. Elogio de lo cursi.

Espacio CentroCentro.

Hasta el 8 de octubre.

Relacionado con otros términos como los de kitsch y camp, lo cursi pretende definir un cierto tipo de mal gusto que tiene que ver con la idea de copia degradada. La idea de esta exposición es trazar una genealogía de a qué ha estado asociado este término siguiendo una metodología próxima a la de los estudios de cultura visual. La exposición muestra principalmente productos de la cultura popular desde abanicos, muebles u objetos decorativos, pasando por libros, fotonovelas, cómics, postales, carteles publicitarios, anuncios de obras de teatro, fotografías de escena y obras de arte.

7. De arboris perennis.

Real Jardín Botánico.

Hasta el 27 de agosto.

De arboris perennis es un homenaje, una muestra de respeto, un reencuentro con la naturaleza. Una propuesta con la que José Manuel Ballester, con el árbol como protagonista, manifiesta la necesidad del hombre actual de conectar con la naturaleza, con la vida.

El trabajo de este artista parte de una intensa búsqueda interior, de una infinita curiosidad que le lleva a captar con su cámara aquellos elementos que le rodean y conmueven, que conectan con su mundo íntimo. Ballester nos traslada a esos espacios misteriosos y solitarios que nos invitan a la reflexión, a descubrir su infinitud a través del silencio.

El proyecto pone de relieve la universalidad del árbol; imágenes tomadas a lo largo y ancho del mundo que crean un mapa que trasciende las fronteras, porque allá donde vayamos siempre habrá un árbol, seres naturales que habitan con nosotros. El árbol que el artista, inmerso en una cultura plagada de mitos asociados a la naturaleza, utiliza como símbolo.

8. Bleda y Rosa

Fundación ICO.

Hasta el 10 de septiembre.

El trabajo de Bleda y Rosa arraiga en una práctica artística que se interroga críticamente acerca de la compleja trama de temporalidades que atraviesan el presente de un lugar. Cada una des sus series, entre las cuales destacan proyectos emblemáticos como Campos de fútbol, Campos de batalla, Origen o Prontuario, incide desde distintos ángulos en la inscripción del tiempo en el territorio a partir de una dimensión esencialmente reflexiva.

Sus fotografías interpelan al espectador, invitándole a reconsiderar el modo en que la historia y los discursos sobre sus representaciones han pautado formas de ver, comprender y recordar. De ahí que la potencia poética de sus proyectos suponga una significativa contribución en cuanto a la importancia de las imágenes y su función para seguir pensando el presente.

9.¡Sorolla ha muerto!. ¡Viva Sorolla!

Casa/museo de Sorolla.

Hasta el 17 de septiembre.

Joaquín Sorolla y Bastida es uno de los grandes maestros de la pintura española de finales del siglo XIX e inicios del XX. Fue el pintor español de mayor proyección internacional de su tiempo y una de las figuras capitales de la historia del arte español en su conjunto. En 2023 se cumplen cien años de su fallecimiento y se están llevando a cabo numerosas exposiciones, publicaciones y otras actividades para homenajear al pintor a lo largo de todo el año.

Espacio de Arte Tíltide

C. Fernando el Católico, 28

Madrid 28015